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Estrenos de Cine

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January 22, 2010

Crítica de UP IN THE AIR

IRONIA DE UN DESPIDO (8 MUY BUENA)

Por Martín Morales
Simples, organizadas, directas, originales y muy bien llevadas son las ideas que minuto a minuto se van apoderando de esta película, que no da vueltas sobre si misma y que va firmemente hacia su objetivo sin entretenerse en situaciones paralelas.
Basada en la obra homónima escrita por Walter Kirn, la historia se centra en un hombre cuyo trabajo es el de despedir empleados de su empresa en diferentes localidades de los Estados Unidos, por lo que pasa gran parte de su vida dentro de un avión. Un día su jefe contrata a una nueva empleada para que ejerza su mismo trabajo y le ordena que le enseñe, en un viaje de unos meses, cómo es la labor y cómo debe enfrentar las diferentes reacciones de los afectados.
Presentando un guión perfecto desde su introducción hasta cada uno de los matices que se van desarrollando, ya sean guiños al humor o ironías fuertes con doble sentido, este es un film en el que las actuaciones toman un protagonismo muy importante y primordial, ya que sin la calidad expuesta de las mismas el relato se volvería monótono, aburrido y sin la chispa de personalidad que los tres roles principales le dan a la narración. Goerge Clooney está muy bien en su personaje, lo dota de expresión, de profundidad, de sentimiento y, en muchas oportunidades, de un humor muy bien logrado. Vera Farmiga, en el rol de Alex, una mujer que provoca rechazo en el espectador ni bien aparece, pero que poco a poco se va mimetizando en la historia y se va entendiendo su propio “mensaje”, muy bien interpretada. Y Anna Kendrick, como Natalie, que mientras va descubriendo el verdadero sentido de su supuesta vocación, se va soltando y va mostrando una segunda cara, su verdadera identidad.
En la historia hay humor (la charla entre los tres personajes en el hotel es delirante), hay drama, hay mensajes, pero en lo que se centra esta cinta es en mostrar otra perspectiva, distorsionada, exagerada y muy crítica por cierto, de la realidad empresarial. Es aquí donde la ironía y el sarcasmo forman parte de las riquezas más exquisitas del guión, de las actuaciones y de la edición, ya que algunos cortes y desenfoques juegan con dicho cuestionamiento. A su vez, el personaje llamado Ryan Bingham, el protagonista, está elaborado de tal manera para que en ningún momento se lo juzgue por lo que hace, “eso está bien, es su trabajo. Él decidió llevar adelante esa forma de vida”. Es por eso que cuando aparece Alex y luego Natalie uno como espectador logra crear mentalmente un circulo de relaciones, de idas y vueltas, de cosas que no se cierran y de una realidad, que es explicada al final, que es fenomenal y que gracias al tratamiento de los tiempos se entiende y se potencia.
La música acompaña muy bien la narración, especialmente los momentos en los que los ritmos son el centro principal de la escena. La banda sonora es muy buena, los sonidos muy correctos. La edición muy bien lograda, la dirección astuta y cada una de las técnicas visuales y cinematográficas que se utilizaron, así sea la voz en off o las escenas cortas y concretas en el aeropuerto, complementan el increíble guión del film.
“Up in the Air” es un film distinto, original, muy bien logrado desde lo actoral visual y direccional. Con un mensaje y una crítica social importante, esta película es una experiencia que homogeiniza el humor y el drama. Una muy buena propuesta, que puede confundir si no se logra captar desde un principio el sentido y la intención de la cinta.

LO BUENO: actuaciones, guión, dirección, música, mensajes, parte técnica
LO MALO: puede confundir si no se logra captar desde un principio el sentido y la intención de la cinta
UNA ESCENA A DESTACAR: “mi novio me dejó”

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January 21, 2010

Crítica de FANTASTIC MR. FOX

EL CAOS MAS DIVERTIDO (9 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Basada en la novela homónima de Roald Dahl, “Fantastic Mr. Fox”, no es más que una adaptación fiel, segura y poco pretenciosa de dichos escritos. Un film que divierte, que en todo momento expresa una locura increíble, complementada por cada una de las técnicas visuales que fueron utilizadas.
Mr. Fox para poder alimentar a su familia roba gansos y gallinas a los apoderados humanos del barrio, pero luego de un accidente, su mujer le hace prometer que nunca más volviera a hacer lo mismo. Luego de un año, Fox decide volver a sus orígenes y atacar las reservas de animales y sidra de Boggis, Bunce y Bean, cuestión que le va a salir más cara de lo que pensaba.
Mezclando muy bien todo tipo de estilos narrativos y visuales, esta película se destaca por introducir y desarrollar diferentes cuestiones que sobresalen mientras los minutos van pasando y que le otorgan una identidad propia a la cinta. Es así como cada uno de los recursos que se utilizaron para darle vida a los personajes y a cada una de las escenas: dígase el stop motion, muy bien implementado, fluido y sorprendente en muchas oportunidades; los planos animados en dos dimensiones; la mezcla de acciones, así como las excavaciones y los efectos de los líquidos en pleno movimiento; los colores utilizados en los fondos, creando un ambiente familiar, divertido y muy peligroso; los guiños de los animales principales, van potenciando esa chispa de creatividad que se introduce segundos después del comienzo de la proyección.
Por el lado visual no hay nada que objetarle a esta película y por el lado vocal tampoco. Las voces (versión original) son excelentes. El trabajo realizado por Meryl Streep es fenomenal, es increíble escuchar como ella va mimetizando cada una de las etapas de su personaje, ya que transita por el amor, la desesperación, la desconfianza y la rudeza. A su vez, George Clooney, en el rol principal, también está correcto; Bill Murray, en un personaje corto pero muy divertido, le da la personalidad justa a su animal; Michael Gambon hace uno de los mejores trabajos vocales del film, en el papel de Bean, dándole, junto con su aspera voz y su torpe accionar, el toque justo de seriedad balanceado con un humor inteligente y desesperante para su personaje. Un trabajo increíble por parte de cada uno de los actores.
El film no deja enseñanzas fuertes ni tampoco ese es su objetivo. Esta es una película para entretenerse, que se complementa con un excelente guión, con un trabajo visual excelente, que expresa en cada segundo el arduo labor por hacer junto con el stop-motion una obra de arte inigualable, que lamentablemente pasa desapercibida en el mercado mundial.
La música también cobra mucho sentido en la cinta y además de invocar a algunas canciones reconocidas, el trabajo realizado en el tema propio de la película es magnifico, ya que le aporta el grado justo de misterio y desorden a la atmósfera creada.
“Fanstasic Mr. Fox” es una obra cinematográfica excelente, divertida, que logra mimetizar diferentes matices visuales y auditivos. Con un excelente labor por parte de los actores que encarnaron sus personajes y un deleite visual artesanal estupendo, este film es una de las sorpresas del año y una de las mejores cintas animadas del 2009.

LO BUENO: actuaciones vocales, guión, música, dirección, animación, historia, adaptación
LO MALO: no deja nada y eso puede confundir al espectador adulto
UNA ESCENA A DESTACAR: la presentación de los criminales

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January 14, 2010

Crítica de SHERLOCK HOLMES

REINVENTANDO UNA FIGURA (6 BUENA)
Por Martín Morales
“Sherlock Holmes” fue, es y será uno de los investigadores más importantes y enigmáticos de la literatura inglesa. Protagonista de numerosas aventuras, el mítico personaje cobra vida en esta nueva película, con cambios importantes, pero con su esencia intacta.
Luego de la sentencia y muerte de Lord Blackwood, mago que trataba de cambiar el futuro con un invento desastroso para la humanidad, Holmes y su inseparable compañero Watson, deben tratar de lidiar con lo que parece ser el renacer de este asesino y sus ganas por hacer posible su descubrimiento.
La historia va viajando por diferentes matices. Se invocan escenas de suspenso, drama y misterio, pero a la vez hay muchas alusiones al humor (las peleas en cámara lenta y cada uno de los pensamientos del detective), que no solo le aportan un toque más llamativo a la cinta, sino que la dotan de una fluidez y entretenimiento muy bien logrado.
El nuevo Sherlock tiene más movimiento, es más ágil, más rudo, es sucio, desarrolla un espíritu mucho más fortalecido y un físico más musculoso al que los escritos originales describían. Pero, pese a los cambios realizados en la persona física y mental del protagonista y cada uno de sus acompañantes, el nuevo Holmes presenta muchas similitudes con el que Arthur Conan Doyle creó en 1887. Su inteligencia es inmejorable y su poder de observación muy detallista y certero y gracias a este respeto, el film triunfa, divierte y sorprende. Por lo que se podría decir que es una visión diferente de las historias originales, una informal adaptación de Guy Ritchie.
Las actuaciones son excelentes. La interpretación de Robert Downey Jr. como el Sr. Sherlock Holmes es increíble, y gracias a cada una de sus inminentes y sorpresivas expresiones faciales y corporales, el film ronda entre el humor y el suspenso en todo momento. Un gran virtuosismo, una labor espectacular. A su vez, Jude Law, quien interpreta un muy correcto Dr. Watson, está perfecto en su papel. La esencia de su personaje se refleja en su actuación y, como si se estuviese leyendo uno de los capítulos de la novela, su amistad e inseparable fidelidad se expresan perfectamente en la cinta. El villano, interpretado por Mark Strong, también está muy bien, tiene momentos muy bien logrados, se juega mucho con los efectos de sonido y movimientos de cámara para darle mucho más suspenso y verasidad a su personaje. Rachel McAdams, como Irene Adler, muy seductora y carismática, mantiene una linea de misterio y desconfianza en el espectador constante.
Por el lado técnico la película se destaca por su labor en los efectos especiales, los cuales crean atmósferas excelentes de suspenso y drama y elaboran el ambiente perfecto de la ciudad de Londres de 1891, además de dotarle de entretenimiento y vértigo en muchas escenas de acción. El manejo de las cámaras es sorprendente en muchas oportunidades, así como los ángulos con los que se decidieron introducir diferentes situaciones, muy originales y diferentes en toda la narración. La música es un complemento perfecto para la historia, los temas elegidos y la composición de Zimmer, mezclando violines, pianos, banjos y diferentes sonidos orquestales, son espectaculares. La edición es muy correcta y la dirección muy bien encaminada y convincente en todo momento.
“Sherlock Holmes” es una mirada diferente del mítico personaje literario, que mezcla el suspenso propio de los escritos con humor, drama y un virtuosismo e inteligencia por parte de Robert Downey, Jr. al encarnar al detective. Un film largo, lento en algunas ocasiones, pero muy bien logrado desde lo visual y lo narrativo, con una dirección correcta y muy medida. Una cinta para disfrutar y dejarse llevar. Una versión informal del Sherlock Holmes de Conan Doyle.

LO BUENO: actuaciones, dirección, guión, final, humor, explicaciones, ambientación, efectos especiales, música
LO MALO: lenta en diferentes oportunidades y algo larga
UNA ESCENA A DESTACAR: la explicación final

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January 13, 2010

Crítica de LA PRINCESA Y EL SAPO

LA ESTRELLA DEL AMOR (9 MUY BUENA)
Por Martín Morales
El regreso de Disney a sus orígenes, esa es la frase que resume la experiencia vivida al ver este film. Una cinta cuya animación, en dos dimensiones, es perfecta, muy creativa, colorida, audaz, que recobra el espíritu de las viejas obras animadas y que por sobretodo, el musical vuelve a marcar su territorio por excelencia.
Desde chica Tiana tenía un sueño, poder llevar adelante un restaurante en el que ella pueda lucirse y su padre poder disfrutar. Tras la muerte de su papá y tras la llegada de un príncipe al pueblo, ella va a tener su oportunidad para poder hacer su sueño realidad. En el camino conocerá divertidas y temerosas criaturas, que la acompañarán o le obstaculizarán el camino.
La historia es maravillosa y comenzando con el relato de una de las fabulas más reconocidas de la literatura infantil, llamada “El Príncipe Sapo”, la narración empieza a girar en torno a la pequeña y ya crecida Tiana, quien trabaja día y noche para conseguir el dinero para su restaurante. Es así como una sutil y muy original vuelta de tuerca aparece en la historia, la cual le otorga la identidad propia como para salirse de los esquemas de dicha obra literaria y sorprender minuto a minuto.
El desarrollo de la princesa es genial y gracias a una contraposición que se realiza entre ella y la ambiciosa Charlotte, a quien le importa lo material y el éxito momentaneo, el mensaje principal de la misma y de la película en sÍ cobra muchísima más fuerza. Aquí la protagonista sufre por sobrevivir, es luchadora hasta el final, no le tiene vergüenza a su nivel social y defiende sus raíces africanas tanto como el villano a sus intereses. Una princesa inteligente y fuerte, algo que hacia falta en las nuevas historias de hadas.
Las voces (versión original) son excelentes y cada uno de los actores que interpretaron a los personajes posee, aparte de un parecido físico, un tono o característica que lo hacen totalmente destacable y maravilloso. El trabajo realizado por Jenifer Lewis (Mama Odie) es de un virtuosismo y un talento espectacular. Sin duda alguna uno de los personajes más preciados de esta cinta y una de las mejores labores vocales de la misma. También, Keith David, como el Hombre Sombra, realiza un trabajo muy destacable, dándole a su voz un temor y, con algunos susurros y palabras en voz baja, el suspenso justo como para que la historia cobre otros matices. Anika Noni Rose (Tiana), Bruno Campos (príncipe), Michael-Leon Wooley (Louis, el cocodrilo) y Jim Cummings (la luciérnaga), hicieron trabajos increíbles con sus personajes. Vale también destacar que la traducción al castellano es muy correcta y cada una de las elecciones vocales conforman muy bien las necesidades de los personajes.
Una de las virtudes de esta película es que en todo el transcurso de los 98 minutos, el film va adoptando diferentes matices que se destacan cada vez que van apareciendo. Hay escenas de suspenso muy bien logradas, protagonizadas por el Hombre Sombra y sus seguidores; hay momentos dramáticos; situaciones para reír, llorar y emocionarse; hay musicales, que son el condimento justo para salir del drama, la canción de Mama Odie es espectacular y con un mensaje muy profundo, así como también la puesta en escena del imaginario restaurante al principio de la cinta, un momento que mezcla distintos tipos de animación con una estridente y angelical tonada musical.
“La Princesa y el Sapo” es un film diferente, un exitoso regreso de Disney a sus orígenes. Una cinta con mensajes increíbles y muy profundos, llena de metáforas y alusiones a la fantasía y la realidad. Una película excelente, bellísima desde el lado visual e impecable desde lo musical. Una obra que no hay que perderse.

LO BUENO: animación, dirección, edición, colores, música, voces, guión, final, mensajes, metáforas, matices
LO MALO:
UNA ESCENA A DESTACAR: musical de Mama Odie

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January 12, 2010

Crítica de THE HURT LOCKER

LA GUERRA COMO UNA FORMA DE VIDA (9 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Película atrevida, emocional, llena de suspenso, innovadora, con identidad propia, hay muchos calificativos que pueden definir este audaz film, pero sin lugar a dudas, que el mismo sea totalmente diferente a muchas cintas del género es el condimento por lo que la hace valiosa y su hipótesis y contraposiciones sobre la guerra, cobren un efecto muy fuerte.
La historia se centra en un grupo de personas que trabajan en el sector antibombas del ejercito estadounidense y como ellos deben lidiar con los intentos de atentado en cada uno de los sectores de Irak.
Si hay algo que caracteriza a esta película es su intención por mostrar algo fuera de lo común, una perspectiva diferente a la que el cine del género nos tiene acostumbrados, y es allí donde triunfa. Aquí no hay referencias fuertes a la política, ni a la guerra en sí, sino que se muestran cada una de las misiones que estas personas deben superar, invocando la emoción y el peligro que eso conlleva. Pero a su vez, y es allí donde el verdadero sentido aparece, se logra crear una serie de sentimientos entre los protagonistas que se contradicen entre sí y que muestran la verdadera identidad del ser humano, sus debilidades y virtudes. Esos momentos son increíbles y desarrollan una potencia emocional que minuto a minuto se intensifica.
La labor actoral ayuda a que cada uno de los personajes y momentos importantes se tomen como reales, intensos y memorables. Jeremy Renner creó un personaje desinteresado, que disfruta de la guerra y le saca el mejor provecho, pero que tiene su talón de Aquiles y cuando el mismo es descubierto, la verdad sale a la luz. Es así como su actuación no solo aporta mucho suspenso a cada uno de los momentos de tensión, sino que le brinda mucha humanidad a la cinta. Los personajes que se diferencian del mismo son los interpretados por Anthony Mackie (Sanborn) y Brian Geraghty (Owen Eldridge) quienes dotan al relato de emoción y diálogos muy profundos. Gran elección de los actores.
¿El film muestra la realidad en Irak? no y no es su intención. Aquí no importa el espacio ni el tiempo, se muestra el desarrollo del hombre y cada uno de sus sentimientos frente a los desastrosos hechos. Cada una de las escenas “complicadas” de la cinta representan una joya artística muy bien nivelada en todos sus aspectos técnicos. La dirección es excelente en toda la narración, se crean matices totalmente diferentes en todas las situaciones problemáticas, se juega muchísimo con los movimientos de cámara, los ángulos derivados y los enfoques movidos, como si se estuviese mirando un documental en vivo y en directo. La edición también toma protagonismo, especialmente en cada una de las tomas en las que los personajes deben lidiar con algún posible atentado. Y la música, que siempre complementa el relato y ayuda a crear cada una de las atmósferas de suspenso y drama. Es una experiencia diferente y muy fuerte.
Pese a que el sentido de la conclusión pueda llegar a ser chocante, el mismo representa una ideología y gracias al intenso y a la vez divertido final, es allí donde se expone la verdadera intención del film. La guerra mata y también es una droga.
“The Hurt Locker” es un film diferente, original, que no se centra en un solo hecho y que la guerra en sí puede ser sustituida por otras situaciones de la vida cotidiana. Una cinta excelentemente actuada, dirigida y escrita. Una obra con escenas de suspenso inmejorables y un final que dividirá las opiniones del público pero que representa lo que la película es y quiere mostrar. A no perdérsela.

LO BUENO: actuaciones, guión, dirección, música, edición, final, mensajes, realidades
LO MALO: el final hará dividir opiniones y seguramente alejará al espectador del verdadero sentido del film que está muy bien explicado en esa escena. No hay que dejarse llevar por lo que se ve, sino por lo que es.
UNA ESCENA A DESTACAR: bomba suicida, dos minutos

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January 8, 2010

Crítica de PRECIOUS

LA VIDA NO ES BELLA (9 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Lee Daniels, en su segunda labor como director luego del film “Shadowboxer” estrenado en el 2005, logró una serie de emociones y cuestiones en su nueva película que desarrollan una profundidad extrema, muy dura, difícil de mirar y escuchar pero que es cierta y que mimetiza una cruel realidad.
La historia cuenta la vida de Precious, una muchacha de 17 años, obesa, madre de una hija, que vive sola con su madre, quien la desprecia, la odia y la discrimina continuamente. Se relata el camino por la que ella decide transitar para tratar de superar su vida y salir del infierno que tantos años la atormentó.
El primer factor que aparece en escena y que se destaca en todo el transcurso de la narración es la calidad de todas las actuaciones. Gabourey Sidibe interpreta una adolescente muy sufrida, que tuvo que aprender a ser adulta por obligación, otorgándole mucho sentimiento, versatilidad y un realismo muy emocionante. Desde el primer segundo el espectador se identifica con ella y cada una de las situaciones que la van perjudicando se sienten como propias, por lo que el sentimiento de injusticia e impotencia aparece minuto a minuto. Una gran actuación. También Mo’Nique, en el papel más complicado de toda la cinta y uno de los más importantes, logra un personaje totalmente odiable, repugnante, y gracias al trabajo realizado en la primer hora y media, su discurso final se siente y se potencia al máximo. Paula Patton, en un rol secundario pero a la vez interesante y primordial, está muy bien, es la encargada de darle la chispa de esperanza a la protagonista y su interpretación es muy fluida y cálida. Mariah Carey a su vez está perfecta, sus pocos minutos y sus pocos diálogos se ven amenazados continuamente por las expresiones de su rostro, que dotan al relato de la justa riqueza emocional.
Esta es una película sobre la obesidad, la discriminación, el abuso, el rechazo, la belleza, el sueño, la adolescencia y el amor. Se muestra lo peor del ser humano, su punto más bajo y humillante, pero a la vez se plantea una realidad que molesta ver y oír y que lamentablemente el hombre es quien la desarrolla y la mantiene viva. Es por eso que esta película triunfa, porque le hace sentir al hombre una basura y aunque no obremos con tal desprecio seguramente con alguna palabra, expresión o personaje recordemos algo.
Pero también está el punto de vista de Precious, quien hace todo lo posible por salir adelante, hacer oído sordo y seguir, aunque duela y no soporte más su vida. Es allí donde, con un ingenioso trabajo de edición, se viaja a lo platónico, a lo que esta muchacha quiere ser. Ese contraste es fenomenal.
Por el lado técnico, el film mezcla diferentes tipos de música, los cuales complementan los sentimientos y dichas ilusiónes de Precious; la edición es muy buena; la dirección muy astuta; el maquillaje sucio y perfecto para que cada uno de los personajes cobre importancia y cada uno de los matices desarrollados con los movimientos de cámaras muy fluidos.
“Precious” es una película fuerte, muy difícil de ver, pero que muestra una realidad tal y como la es y que cuya única intensión es tratar de hacerle abrir los ojos al espectador, a olvidar el prejuicio y a aceptar o darle una oportunidad al compañero. Una película excelentemente actuada, con un mensaje increíble y una historia de vida emocionante y muy lastimosa. Una de las mejores películas del 2009 del género.

LO BUENO: actuaciones, guión, mensaje, final, crudeza, parte técnica, música, dirección
LO MALO: no es para cualquiera
UNA ESCENA A DESTACAR: la llegada de la asistente social a la casa de Precious

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January 7, 2010

Crítica de ENAMORANDOME DE MI EX

REENCONTRARSE CON EL AMOR (6 BUENA)
Por Martín Morales
Cada familia es un mundo, cansado y desesperado decido alejarme del mismo y comenzar una vida nueva. Los años pasan, los hijos crecen y yo sigo mirando por la ventana esa burbuja, esperanzado de que algún día pueda reconciliarme y sentarme una vez más con ellos, en esa silla vacía dentro del comedor y disfrutar de una rica cena, pero mis acciones pasadas no me dejarán volver y no son ellos los que tienen que cambiar… soy yo. Esa es la sensación que una sola escena de toda la película le deja pensando al espectador y si uno es capaz de recibirla y leerla, en algún momento de su vida seguramente se va a sentir identificado con ella.
Pero esta cinta no se trata específicamente de eso, sino que narra la vida de una mujer, divorciada hace diez años, que de repente se vuelve a encontrar con su ex marido, ya casado y con otro hijo. Ambos van a compartir una relación secreta que acabará decidiendo el futuro de la pareja.
El film juega con el humor sencillo y el drama familiar, invocando actuaciones muy correctas por el lado masculino y una labor excelente por parte del protagónico femenino. Es así como Alec Baldwin, interpretando un soberbio y audaz con la palabra Jake, luce de una forma muy medida su talento actoral y Steve Martin, en un papel más serio de lo que nos tiene acostumbrados, pero con la pizca de humor que lo caracteriza, está bien. Meryl Streep muestra una vez más que no importe qué tipo de personaje le toque interpretar ella lo va a encarnar y lo va a exprimir al máximo. También vale la pena destacar la elección de los tres hijos y el novio de uno de ellos, Hunter Parrish, Zoe Kazan, Caitlin Fitzgerald y John Krasinski, quienes nunca desentonan y este último, que le aporta un toque de humor adicional a la cinta.
La cuestión más rica del guión se basa principalmente en la historia entre Jane y Jake, todo lo que los rodea y aunque es importante para que se entienda completamente, sirve como acompañamiento. Es así como situaciones y personajes como: el pequeño Peter, las fiestas, el fumar mariguana, las idas y vueltas continuas, las peleas y los extensos diálogos entre los protagonistas, están de más y aportan poco a la historia central. Hay momentos en los que uno podría cortar escenas enteras y el sentido de la película no cambiaría. Hay lentitud en los hechos y principalmente en llegar al previsible pero correcto final.
Pero como se ha planteado antes, algunos silencios ayudan a que el mensaje principal de la cinta cobre sentido y es así como cuando Jake se encuentra mirando a su familia cenando, felices y él llendose lenta y lastimosamente del lugar, se convierte en el momento más valioso de esta película, que, dejando de lado la utilización del chiste fácil, da lugar a la reflexión.
“Enamorándome de mi ex” es un film lento, que da muchas vueltas hasta llegar a la decisión final, pero que presenta, como de costumbre, una excelente actuación por parte de Meryl Streep y un correcto elenco que nunca desentona. Con un delicado y oportuno uso de la música, este film es una buena opción para ver, disfrutar, reírse y a la vez, reflexionar.

LO BUENO: actuaciones, guión, parte técnica música, dirección
LO MALO: humor (chistes fáciles), vueltas hasta llegar al final, no se define una intención concreta
UNA ESCENA A DESTACAR: la cena y Jake saliendo por la puerta

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January 7, 2010

Crítica de DEAD SNOW

¿ZOMBIES NAZIS? (6 BUENA)
Por Martín Morales
Desde “La Noche de los Muertos Vivos” de 1968, los zombies cobraron una importancia extrema a la hora de realizar un film de terror. Su aspecto atontado, la sangre que le chorrea por el rostro y sus ganas por morder a toda persona, son algunas de las características que los personifican. En esta oportunidad, estas criaturas vuelven a ser el centro de atención, pero con una vuelta de tuerca que no solo es original sino que muy divertida de ver.
Siete amigos deciden irse de vacaciones a las montañas nevadas para pasar unos días esquiando y pasándola bien en la nieve. Pero luego de la aparición de un extraño sujeto que les cuenta una historia sobre el lugar y momentos después de la desaparición de uno de los integrantes del grupo, los mismos se van a ver abatidos por un ejercito de zombies nazis, que están en busca de un solo objetivo.
La cinta comienza con una corta persecución muy bien ambientada desde lo visual, creando un efectivo momento de suspenso, y con el tono “Hall of the mountain king” de Edvard Grieg, de fondo, que le da el balance justo entre el terror y el humor. Momentos después de esta escena, se introducen los personajes principales y luego de una frase dicha por uno de ellos: “saben cuantas películas de terror comienzan con un grupo de gente en las montañas sin señal en los celulares”, el film puede dividirse en dos partes:
Primero que nada en toda la introducción hasta una dichosa escena en el baño ya pasada la mitad de la película. Lamentablemente es aquí donde se encuentran los errores, ya que las actuaciones no son muy fluidas y aunque no caen en la sobreactuación, sus rostros y expresiones pudieron haber estado mejor dirigidas. A su vez, la película minuto a minuto se va convirtiendo en esa cinta que Erlend hacia alusión con su frase, se hace muy complicado poder diferenciar esta primera parte con otras del mismo género, los sustos son previsibles y cada uno de los estereotipos van apareciendo.
Pero afortunadamente la cinta da un giro de trecientos sesenta grados que satisface y opaca lo antes visto. De los interiores del guión empieza a asomarse una locura y un extrionismo en cada uno de los personajes excelente. Pareciese que ellos mismos estaban esperando ese momento para mostrar su verdadera identidad. Hay hachazos, caídas a grades alturas, cierras eléctricas, desmembramientos, intestinos salvadores, cuervos insoportables y una larga lista de situaciones y objetos que hacen de esta segunda parte una exitosa mezcla entre la comedia, con mucho humor negro, y el terror.
Los zombies tienen un desarrollo cronológico estupendo. Mientras en la primera parte solo uno aparecía por las noches, en los momentos finales son cientos, uno más torpe que el otro, creando escenas con un delirio increíble. Cada una de las muertes, inspiradas en “Braindead”, dirigida por Peter Jackson y de la cual se puede lucir un cartel estampado en una de las remeras de los personajes, mezcla la crueldad por la matanza con la indiferencia y el disfrute que caracterizó a dicha película.
Por el lado técnico el maquillaje se destaca, ya que es el encargado de darle vida propia a los nazis que buscan venganza, creando así escenas totalmente asquerosas y un aspecto moribundo a los mismos. Hay movimientos de cámara que hacen recordar a “Shaun of the Dead”, donde se enfoca rápidamente a las armas o a los rostros de los personajes, y otros que, con una vista panorámica del lugar, además de poder contemplar la belleza de los paisajes, se puede ver como los zombies corren en busca de sus presas. Escenas increíbles.
“Dead Snow” comienza regularmente, como si se tratase de otra película más de zombies. Pero luego de pasada la primera mitad de proyección, el delirio y la verdadera identidad de la cinta cobra energía, poniendo en escena humor, terror, originalidad y una incoherente mezcla entre la Segunda Guerra Mundial y los muertos vivos. Un film que hay que ver y dejarse llevar. Una auténtica película de terror, muy divertida.

LO BUENO: humor, efectos especiales, parte técnica, dirección, suspenso, originalidad, guión
LO MALO: actuaciones, primera parte
UNA ESCENA A DESTACAR: los 30 minutos finales, de un delirio y un disfrute increíble

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January 6, 2010

Crítica de Rob Zombie

LA SECUELA QUE NO TUVO QUE EXISTIR (3 MALA)

Por Martín Morales
Rob Zombie se destacó en los años 2003 y 2005 por crear “100 cuerpos” y “Los Renegados del Diablo”, dos películas con un desarrollo artístico distinto pero que estaban empezando a marcar la identidad del director. En el 2007 adoptó un reto muy complicado y en cierta medida muy limitada salió bien parado: la remake de una de las mejores cintas de terror de todos los tiempos: “Halloween”. Ahora bien, ese talento que parecía estar creciendo se ve totalmente abatido por su nueva película, la secuela del film antes mencionado, que no solo no aporta nada a la saga sino que cambia el rumbo de todos los hechos, invocando un egoísmo máximo, ya que creó el film para él y no para los fanáticos de la saga. Una película muy decepcionante es el resultado final de esta cinta.
La historia se centra minutos después de los hechos ocasionados en la primera parte. Michael ha muerto y Laurie sigue su vida atormentada por lo que le sucedió en el pasado. Llega la época de Halloween y Myers vuelve al ataque, pero esta vez con otro objetivo, tratar de volver a unir a su familia dividida.
El film comienza con unos intensos 15 minutos, sin duda alguna los mejores de toda la cinta, en donde se puede apreciar a la protagonista tratando de sobrevivir mientras Michael apuñala todo lo que se le interpone en su camino. Esa escena está muy bien lograda desde lo visual, con una crudeza muy fuerte en las muertes y con un tinte oscuro muy bueno, hasta desde lo actoral, donde la desafortunada enfermera y Laurie son quienes más se destacan. Pero mientras los minutos van pasando y luego de un decepcionante giro narrativo segundos después de dicho momento, el film va entrando en un terreno reinado por la ridiculez, la lentitud, la falta de acción y la fantasía.
El principal error de esta película es que Michael Myers aquí ya no es el centro de la narración, sino una justificación o un medio por el cual se quiere llegar a un objetivo. Cobran más protagonismo personajes como la misma Laurie o la madre del asesino. A su vez, el Dr. Samuel Loomis pasa de ser un investigador interesado en el caso a ser un mediático reinado por la fama y la despreocupación. Un papel que no aporta mucho a la historia, que se estira interminablemente hasta el final.
El guión es de desarrollo lento, los dramas familiares son aburridos en diferentes ocasiones, la fantasía sobre la madre y el caballo blanco es totalmente ridícula y el giro que se dio a la historia es uno de los peores errores que el género ha presenciado.
Michael Myers aquí es bruto, mata por matar, tal como lo hacía anteriormente, pero sus dos compañías durante todo el transcurso de la película le quitan credibilidad, potencia y mucha fuerza. Cada vez que una escena fuerte terminaba, su madre y su otro yo aparecían, entrando sin poder salir de una fantasía molesta, aburrida y muy incoherente. A su vez, se lo puede ver sin su máscara y hasta pronunciar unas pocas palabras.
Por el lado técnico el film presenta efectos especiales convincentes y muy realistas. Cada uno de los asesinatos desarrolla el morbo y el gore justo. La música acompaña correctamente el desarrollo, aunque nunca se puede apreciar la tonada clásica de “Halloween”, otro error; la edición es muy incompleta, el asesino va y viene como el correcaminos en muchas oportunidades; los efectos de cámara son correctos pero algunos molestan, así como el agua de lluvia en la lente.
“Halloween 2″ compite por el premio a la peor secuela de la saga junto con la sexta parte, estrenada en 1995, titulada “Halloween: la maldición de Michael Myers”. Un film mal actuado, dirigido, guionado y rematado. Una cinta que no representa al clásico de fines de los setenta y que si es la peor película realizada por Rob Zombie hasta la fecha. Un film que le falta el respeto a los fanáticos y principalmente, y aunque fuese creación de la imaginación, a la figura del asesino.

LO BUENO: algunos aspectos de la parte técnica y los primeros minutos
LO MALO: actuaciones, guión, dirección, final, desarrollo, música
UNA ESCENA A DESTACAR: primeros 15 minutos

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January 2, 2010

Crítica de WHERE THE WILD THINGS ARE

¿REALIDAD O FICCION? (7 BUENA)
Por Martín Morales
Un mundo fantástico dentro de la realidad es extremadamente complicado de crear, ya que hay que evitar el ridículo y principalmente hacer que ese paralelismo sea creíble. En este film, estos dos territorios se juntan y crean una experiencia muy difícil, pero a la vez tierna y con una dulzura que se destaca en toda la narración.
Max es un niño problemático, a quien le encanta ordenar y ser el centro de la familia. Luego de una discusión con su madre, se escapa y se dirige, inconscientemente, hacia una isla perdida en el océano, donde viven unas criaturas salvajes, que son cada una de las partes escondidas dentro del corazón del pequeño protagonista.
El film comienza con una leve pero contundente introducción y presentación del personaje principal. En pocos minutos se da un claro vistazo sobre la personalidad de Max y cuales son sus conductas habituales. Momentos después la narración, que se caracterizaba por presentar un realismo muy bien logrado mostrando mediante técnicas visuales y de movimiento de cámaras la perspectiva con la que el niño ve comúnmente la vida, la misma da un giro de trecientos sesenta grados.
La fantasía empieza a aparecer poco a poco y, una vez presentadas formalmente cada una de las criaturas que habitan en la isla, dichos monstruos van cobrando una personalidad muy humana, diferentes entre sí, pero que a la vez complementan la identidad de Max. La historia y la manera en la que está contada, respetando cada uno de los tiempos, implementando silencios y mucho ruido, permite que el espectador se sienta miembro de esa manada por momentos y por otros un extranjero indiferente dentro de la historia.
Es allí donde el mensaje de la película aparece y luego de un previsible final, pero con una última y maravillosa toma sobre el rostro de la madre, la reflexión y la desorientación se hacen presentes. El guión hace un plenteo maravilloso sobre la madurez, destinado precisamente a aquellos adultos que se portan como niños y a aquellos niños que se portan como adultos. ¿Cuando se pierde el miedo a lo salvaje?, cuando no hay inocencia.
Las actuaciones son excelentes. La labor realizada por Max Records, como el niño protagonista, es espectacular, tal como cada uno de los interpretes que le dieron las voces a las criaturas.
Por otro lado, la película juega muy bien con la maravillosa banda sonora que se creo para el film. Los gritos y cada una de las melodías que minuto a minuto van apareciendo, crean el ambiente justo de emoción, acción, fuerza y dinamismo necesario para el el sentido del film cobre efecto.
“Where the Wild Things Are” es un film distinto, creativo, una fiel adaptación de la clásica novela infantil. Una obra delicada, que transita por caminos muy complicados y plantea situaciones de las que sale triunfante. Una cinta que hará reflexionar o dejará indiferente al espectador. Una de las obras cinematográficas del género más valiosas del 2009.

LO BUENO: actuaciones, dirección, guión, mensaje, música, efectos especiales, diseño de las criaturas, ambientación
LO MALO: final (previsible), el mensaje no es directo, por lo que hay que buscarlo y la indiferencia luego de finalizada la proyección es inminente
UNA ESCENA A DESTACAR: los aullidos en el acantilado

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