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Críticas de Películas

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May 5, 2010

Crítica de Pesadilla en la Calle Elm 4

3 puntos Mala

UN SUEÑO SIN IMAGINACION
Por Martín Morales
Si bien esta no es la peor entrega de la saga, aunque se le acerca bastante, aquí se desarrolla una cuestión narrativa que le resta importancia a las películas antecesoras y deja la puerta abierta para el desarrollo de infinidad de secuelas olvidándose del verdadero sentido de la historia.
Freddy resucita y decide ir tras las últimas tres personas que quedaron con vida luego de los acontecimientos de “Guerreros del sueño”. Kristen, junto a su poder de telepatía, va a tratar de derrotar de una vez por todas al temible asesino.
Esta cuarta entrega mantiene la ida y vuelta respecto a la realidad y los sueños, pero esa es una de las pocas características que logra respetar de las películas anteriores. El gran problema aquí es, narrativamente, que el sentido que se le da a la historia es totalmente diferente al planteado en las tres películas anteriores. Freddy termina de matar a los hijos de las personas que lo incendiaron, por lo que se le buscó una vuelta de tuerca muy ridícula e innecesaria para seguir matando sin piedad. Este cambio no respeta el gran desarrollo inicial de la historia, donde se explica que él quiere matar solamente a los responsables de su asesinato.
A su vez, se deja de lado todo el inventivo que caracterizó a la primera y tercera parte en cada una de sus apariciones. Freddy es más torpe y mata de la manera más previsible y poco original posible en esta entrega. Cero creatividad, cero imaginación y cero coherencia.
El humor toma un rol muy importante aquí, Krueger no solo mata sino que hace reír, convirtiéndose en una caricatura de si mismo, algo que no sucedía en la tercera parte, donde la gracia empezaba a tomar mayor importancia.
Robert Englund sigue desarrollando de manera espectacular su personaje, cada uno de sus movimientos y expresiones faciales son increíbles. Lisa Wilcox (Alice), Andras Jones (Rick) y Tuesday Knight (Kristen) son quienes más se destacan dentro de un elenco lleno de sobreactuación y previsibilidades.
Por el lado de los efectos especiales, los mismos son correctos, poco deslumbrantes y simples. Cada una de las superposiciones de escenas están bien logradas pero no quedan prolijas a la vista. La música mantiene la misma tonada del tema original y el uso de la cámara es bueno en algunas escenas (toma vista superior de la protagonista en la habitación).
Salvo por algunas salvedades delirantes de las ultimas escenas (Freddy y los niños de su cuerpo), “Pesadilla en la Calle Elm: el Amo del Sueño” es una secuela fallida, que no aporta nada a la historia del asesino y que cambia absolutamente la narración original para convertirse en una fase introductoria a futuras secuelas.

UNA ESCENA A DESTACAR: Freddy y los niños de su cuerpo, en el final

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May 4, 2010

Crítica de Pesadilla en la Calle Elm 3

8 puntos Muy buena

SUSPENSO Y DIVERSION
Por Martín Morales
En los sueños uno puede convertirse en lo que quiera, puede ser un gran mago, un fuerte muchacho o hasta una atleta reconocida. Este es el principal cambio y atractivo de esta película. Freddy aquí no solo se enfrenta al poder de la imaginación, sino que tiene que combatir a cada una de las ambisiones que la persona sueña llegar a ser, lo que aporta, además de un suspenso muy bien logrado, un divertimento increíble.
Un grupo de adolescentes son los últimos hijos de las personas que incendiaron en el pasado a Krueger y que hoy esperan ser asesinados en sus sueños como insignia de venganza del hombre del rostro quemado. Juntos y con ayuda de una mujer que sabe del tema, van a tratar de derrotarlo.
El guión da una vuelta de trescientos sesenta grados respecto a la segunda y fallida entrega de esta serie. Aquí se vuelve a jugar con la realidad y la fantasía, el espectador vuelve a sumergirse en los confines de la imaginación y vuelve a sentirse inseguro una vez que los personajes entran en su sueño, cosa que estaba totalmente ausente en la anterior película.
Se desarrolla una característica, introducida en la primera parte, que aquí se amplia muchísimo: el humor. Sin entrar en el chiste fácil ni en el extremadamente inteligente, el humor negro y bizarro que se plantea en esta oportunidad le da un toque distinto a la figura del asesino, quien mantiene con toda su energía el misterio y el miedo en el público. Freddy es temible, impredecible, un asesino que no tiene piedad con sus víctimas y que las somete a las peores torturas imaginables, pero también es muy gracioso. Esa homogeneidad es muy rara de ver en el cine y principalmente es muy extraño que funcione.
Sin duda alguna las mejores escenas de esta cinta son las protagonizadas por Robert Englund, quien afortunadamente tiene muchos más momentos en cámara y logra desarrollar un poco más cada una de las características físicas y morales de su personaje. Estos momentos van desde cada una de las muertes hasta todas las apariciones delirantes que posee, ya sea su encarnación en algún muñeco o artefacto, hasta la decapitación muy graciosa de un secundario.
Es aquí, también, donde se empieza a descubrir la verdadera identidad del asesino, se cuenta un poco de su pasado, se introducen pistas, desarrolladas en cintas futuras, que prometen explicar en profundidad aspectos de la vida de Fredd.
Los efectos especiales (se utilizó mucho el sop-motion) son asombrosos, cada una de las muertes son únicas desde lo visual, lo sorpresivo y lo divertido. Aquí Freddy encarna personajes increíbles y mata de maneras muy ridículas. La música mantiene la tonada y el mismo grado de suspenso que en los films antecesores, y, la escenografía, mucho más sucia y cuidada, crea el ambiente perfecto para cada escena.
Las actuaciones también son buenas. Robert Englund está muy bien y cuidado en su rol protagónico, al igual que Heather Langenkamp (Nancy), quien vuelve a las andanzas entre la vida y la muerte. Dentro de los adolescentes, Patricia Arquette (Kristen) y Bradley Gregg (Phillip), son quienes más se destacan.
“Pesadilla en la Calle Elm 3: Guerreros del Sueño” es una de las mejores secuelas de la saga, no solo por ser entretenida y por lograr un suspenso muy bueno en cada una de sus tomas, sino por ser original, muy delirante y desarrollar, casi en todo momento, escenas en las que Freddy es el protagonista. Divertida, tenebrosa, ridícula, sangrienta y muy original, esta es una cita infaltable para todo fanático del terror.

UNA ESCENA A DESTACAR: Freddy marioneta

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May 2, 2010

Crítica de Pesadilla en la Calle Elm 2

4 puntos (Regular)

FREDDY ESTA DENTRO MIO
Por Martín Morales
Si bien el éxito en espectadores y de crítica de la primera parte fueron muy buenos, esta secuela no solo no puede compararse con el ideal imaginativo de su antecesora, sino que forma parte de las peores entregas de toda la saga.
Jesse, luego de cinco años de los extraños sucesos de la primer película, se muda, junto a su familia a la vieja casa de Nancy en la calle Elm. Freddy, por otra parte, está esperando a que una víctima le otorgue su cuerpo para poder cobrar su venganza. Este muchacho se va a convertir en la presa del asesino.
Si bien esta es una correcta secuela, respecto a lo narrativo, la misma defrauda al no desarrollar una historia que atrape y mantenga una linea de “coherencia” con los hechos pasados. Todo lo planteado deja un aire de insatisfacción, de poco disfrute, de que lo que acabamos de ver no tiene el grado de imaginación y dedicación que tanto caracterizó a la primera parte.
Las muertes, pocas por cierto, carecen de originalidad, de locura y absurdidad, de ingenio y asquerosidad. Los sustos son pocos, las garras del temido villano se utilizan solo en algunas escenas con fines asesinos y el final, cae en la repetición.
Freddy, mas bien dicho, Robert Englund, está muy bien en su personaje. La voz aspera, maquiavélica, misteriosa y esos movimientos rápidos, inseguros, pero director, son perfectos y crean el clima perfecto de suspenso y divertimento en cada una de sus escenas. Pese a los desniveles del guión, Krueger aquí mantiene su espiritu, es temible, peligroso, pero a la vez gracioso. Perfecta interpretación. Los demás actores están muy bien. Mark Patton (Jesse) y Kim Myers (Lisa), son quienes logran destacarse del resto y protagonizan momentos sorpresivamente bien actuados y profundos.
Los efectos especiales siguen siendo espectaculares, las escenas finales, si bien narrativamente no son fluidas y caen en la previsibilidad, están muy bien logradas visualmente, al igual que la muerte en el baño y la salida de Freddy del cuerpo del protagonista.
Cámaras que se mueven dando paneos generales de la casa, una iluminación correcta y oscura en algunas escenas, pero con un guión poco original y sorpresivo, “Pesadilla en la Calle Elm 2″ es una secuela que carece del espíritu misterioso y surrealista predominante en la primera parte. Una cinta bien actuada, previsible y torpe en algunos momentos. Una de las peores entregas de la saga.

UNA ESCENA A DESTACAR: la salida de Freddy de Jesse, increíble

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May 1, 2010

Crítica de Iron Man 2

6 puntos (Buena)

EL GRAN ROBERT DOWNEY JR
Por Martín Morales
Secuela, una de las palabras más misteriosas, humilladas, reiteradas y bastardeadas del séptimo arte. Es verdad que muchas segundas partes no fueron “buenas”, pero no nos olvidemos que, pese a que sean pocas, existen secuelas que fueron equitativas con su antecesora y en muchas oportunidades hasta superiores, “El Señor de los Anillos: Las dos Torres”; “El Padrino 2″; “Terminator 2″; “Star Wars: El Imperio Contraataca”; “El Caballero Oscuro”; “Toy Story 2″; “Aliens” y algunas otras forman parte de esa categoría. En esta oportunidad, “Iron Man 2″ es una cinta regular en su desarrollo, inferior a la original, pero que forma parte de lo mejor que ha realizado Marvel en los últimos años.
El mundo sabe que Tony Stark es Iron Man. Inmenso en una esfera de egoísmo y autosatisfacción, Tony debe enfrentarse a un nuevo villano que quiere cobrar venganza por sucesos pasados, pero también tendrá que combatir con un hombre mucho más fuerte y difícil: él mismo.
Iron Man es el superhéroe más cool que el cine nos pudo brindar, es ganador, confiado, tiene una luz que lo destaca en todas las reuniones y eventos, en su cumpleaños él es su propio DJ, le importa poco el qué dirán y tiene dos bellas mujeres que lo acompañan a todos lados. Pero es en esta película donde se muestra el lado humano de este héroe, la avaricia que lo carcome por dentro, el deseo de poseer todo y un egoísmo molesto, lo convierten en una persona más, que trata de ocultarse bajo su uniforme metálico. Es allí donde interviene una de las características más destacadas de esta película: Robert Downey Jr. Este actor ES Tony, ES un superhéroe actuando y ES uno de los pocos salvatajes que tiene la cinta. Gracia, humanidad, un carisma impresionante y un desarrollo único, hacen de su interpretación otra de las tantas para el recuerdo.
En el elenco también se encuentra Mickey Rourke, el nuevo villano de la cinta. Él está muy bien en su personaje, el trabajo realizado con el acento y cada una de sus expresiones malditas que generan el clima justo de maldad y venganza, están muy bien logradas. Scarlett Johansson, en el papel de La Viuda Negra, está correcta, seductora y hermosa, pero a la vez ruda y combatiente, tal como los escritos originales la pincelaron. Gwyneth Paltrow (Pepper), está muy bien, su actuación mantiene el mismo grado de satisfacción y autoridad de la primera parte. Don Cheadle (Rhodey), está bien, pero es el más flojo del elenco en algunos discursos orales y Samuel L. Jackson (Nick Furry), aparece poco pero satisface.
Pese a que las actuaciones son buenas hay un gran problema que involucra a dichos personajes. El guión está algo desordenado en algunas partes y hay situaciones y roles que están desaprovechados, teniendo en cuenta la importancia que los mismos tienen en el comic. Es por eso que la viuda negra no se convierte en algo trascendente, ella dice unas pocas palabras, se la ve en su apretado traje negro, pero en ningún momento se profundiza en su historia y en los motivos que decidieron llevarla junto a Tony. Esto mismo sucede con el gran villano, Ivan Vanko, que comienza muy bien, se desarrolla muy correctamente, pero es rematado de una manera muy sencilla y torpe teniendo en cuenta la evolución y cada uno de los planes que este había preparado. Es por eso que la historia entra en una laguna cerca de la mitad de la duración, ya que no se sabe por qué camino ir, ni mucho menos centrar la historia en un solo hecho.
Son tantas las cosas que están sucediendo en pantalla (Tony se descubre a si mismo, hay una lucha con la competencia, una mujer de la cual no se sabe mucho, una continua referencia hacia “Los Vengadores”, un villano que se va preparando para el gran golpe, un amigo que se revela, etc.) que en cierto punto la cinta comienza a hacerse algo lenta, carente de acción y humor.
Los efectos especiales son asombrosos, especialmente los de las escenas finales. La música es correcta, pero algo decepcionante, ya que no se escuchan en cantidad las canciones de AC/DC como la publicidad anunciaba. El trabajo de dirección es increíble, los ángulos muy buenos y la fotografía bella y sencilla.
“Iron Man 2″ es una secuela inferior a su antecesora, algo desordenada en su desarrollo, pero que satisface y amerita su disfrute. Otro ejemplo que pone en evidencia que Robert Downey Jr nació para ser actor y para encarnar a Tony Stark. Cine pochoclo al 100% que satisfacerá a sus fanáticos.

UNA ESCENA A DESTACAR: todo el desarrollo final
Quedense hasta el final de los créditos porque hay una gran sorpresa que será placentera para todo fanático de las historias de Marvel.

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March 7, 2010

Loco Corazón – Crazy Heart (2009)

EL REENCUENTRO CON UNA VIDA (6 buena)
Por Martín Morales
El desarrollo de una historia que mantiene los mismos recursos narrativos que otras estrenadas en el pasado tiene que presentar un atractivo que fundamente el disfrute de la misma y en esta oportunidad hay dos factores que cumplen dicho propósito: las actuaciones y la música.
En el pasado Bad Blake fue un exitoso y famoso músico country, hoy está en el borde de superar la década de los cincuenta, alcohólico, sin trabajo, viviendo de las migajas que pequeños shows le ofrecen y sin un rumbo destinado para su vida. Con la ayuda de una periodista y un músico amigo él va a trata de cambiar y salir adelante.
El tipo narrativo que se presenta en esta cinta es poco original y repetitivo si se tiene en cuenta que “El Luchador“, película estrenada con casi un año de anterioridad, desarrollaba exactamente lo mismo: un hombre enfermo que juega con su vida y que decide abrir los ojos para poder disfrutar de sus “últimos” años. En ese punto el film no es llamativo, es previsible y poco sorpresivo.
Pero existe, tal como en la película antes mencionada, un nivel actoral que en cierta manera hace olvidar al espectador de las arbitrariedades del guión para así hacerlo sumergir en la historia de vida del personaje principal. Jeff Bridges encarnó a Bad, le dio vida y esperanza y cada expresión o sentimiento encontrado en su desarrollo, gracias a su labor, se transmite perfectamente hacia el público. Excelente actuación, fuerte y muy dedicada, que hace de una simple línea un discurso profundo y emocionante. Maggie Gyllenhaal, quien logra destacarse en muchos momentos, triunfa gracias a una naturalidad impresionante que desborda en cada una de sus escenas. El amor y ese final melancólico están interpretados perfectamente por dicha actriz. Colin Farekl, que no tiene muchos momentos frente a la cámara, hace un correcto trabajo, principalmente hacía el final de la cinta.
La segunda característica que logra destacarse dentro de la simplicidad de la historia es la música. Esta se mimetiza con el personaje y empieza a caminar por la misma senda que Bad en la película. De una música country apagada y sin energía se pasa a un concierto sonoramente bellísimo con una canción final (“The Weary Kind”) que emociona y pone en evidencia la superación del protagonista. Bellas composiciones musicales.
La fotografía es correcta y poco destacable en muchos momentos; la edición buena y el trabajo de dirección logra mostrar en todo momento las intenciones del guión (perdida del pequeño Buddy).
Si bien la película no es novedosa y desarrolla la misma historia de vida que otras cintas del género pero cambiando el nombre del protagonista, la calidad actoral, el suspenso y el drama creado en muchas escenas y la bella música que acompaña la narración hacen de este film una experiencia recomendable y natural. Tiene errores, pero están muy bien camuflados.

UNA ESCENA A DESTACAR: final

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March 5, 2010

Alicia en el País de las Maravillas – Alice in Wonderland (2010)

TIMOTHY EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS (8 muy buena)

Por Martín Morales

La gran mente visionaria del creador de “El Joven Manos de Tijeras” inventa una nueva historia dentro del famoso país de las maravillas que tiene su sello personal, que posee una belleza visual descomunal y actuaciones delirantes.
Alicia tiene 19 años y está por ser participe del más bochornoso compromiso que su familia le pudo arreglar. De repente un familiar conejo blanco con un reloj de bolsillo en su poder atrae la atención de la muchacha logrando así que vuelva a caer en el cambiado País de las Maravillas, donde la esperan todos los personajes que conoció en la niñez.
Tim Burton tomó como base las dos novelas Lewis Carroll y creó una historia totalmente diferente. Aquí el mundo imaginario no es tan maravilloso como cuando Alicia entró en su niñez, aquí nadie canta de felicidad y la locura de los personajes está medida a la fuerza tras hechos pasados. La Reina Roja se apoderó de la “belleza” y destruyó toda sintonía alegre que le molestaba. Es por eso que cuando ni bien la protagonista entra en el mismo uno se siente como que no se encuentra en el mismo lugar. Es aquí donde vale destacar el astuto trabajo del director y los guionistas por hacer de esta historia un relato que tiene los condimentos de las novelas, pero que no representa en ningún momento el imaginario mundo desarrollado en estas, sino que se basa precisamente en un corto poema titulado ” El Jabberwocky” que se encuentra dentro del segundo libro. Para ver una fiel adaptación de los escritos de Carroll hay miles de otras películas que siguieron detalladamente sus pasos, este no es el caso.
Uno de los principales cambios que se decidieron llevar adelante es que aquí hay una historia cronológica para contar, mientras que en las novelas el desarrollo era repentino, alocado y sin sentido, como si Alicia entrase en un parque de diversiones y visitara cada una de sus atracciones. Esta nueva historia presenta guiños y alusiones a diferentes films fantásticos tales como “El Señor de los Anillos” o “Las Crónicas de Narnia”, que no solo le aportan un sentido épico a la historia sino que demuestran algo totalmente novedoso e inimaginable para la historia de Alicia.
Para contar esta narración Burton se basó en la elaboración de su mundo imaginario donde brilla la belleza, sus icónicos espirales, árboles torcidos, paisajes desolados y una oscuridad que denota la presencia de un trágico pasado. El arte de este film es maravilloso, del calibre de cada una de sus producciones. El trabajo realizado en el Gato Sonriente es espectacular, al igual que en cada uno de los personajes que minuto a minuto van cobrando vida.
Uno de los fuertes más ricos que posee esta cinta es la calidad de las actuaciones. Mia Wasikowska, Alicia, interpreta muy bien su personaje, lo dota de sorpresas y de la inocencia que tanto hace hincapié en la novela. Johnny Depp, es el Sombrerero Loco, que con sus estridentes ojos amarillos, su sonrisa demoníaca y su continuo pasaje por el poema del Jabberwocky, denotan otra fantástica interpretación del actor. Helena Bonham Carter (La Reina de Corazones), es quien se lleva todos lo aplausos por su trabajo, no solo por brindarle mucha expresividad al relato, sino por mantener una locura inmensa al mandar a decapitar a todo animal o humano que le sume problemas. Anne Hathaway, como la Reina Blanca, está correcta, la rivalidad entre las hermanas está muy bien expresada por ambas. Crispin Glover está bien en su personaje, aunque carezca de desarrollo. A su vez, es un placer oir las voces de Stephen Fry, en un estupendo rol (el gato sonriente), Michael Sheen (el conejo blanco), Alan Rickman (la oruga azul) y Matt Lucas (Tweedledee y Tweedledum).
Si bien en la mitad el film logra sumergirse en un charco narrativo, el mismo remonta con un despliegue visual y una imaginativa conclusión para el reconocimiento. La batalla final se acerca y el delirio que Burton logró en dicha escena es magnífico, digno de cualquier libro de mitología.
Pero sin ser esperado el film posee un mensaje y es allí donde este logra enriquecerse. ¿La vida que quiero llevar adelante es la que la sociedad me obliga a vivir o la que verdaderamente quiero y, pese a las consecuencias, voy a esforzarme por cumplir mis sueños? Simplemente maravilloso.
“Alicia en el País de las Maravillas” no es para cualquiera, puede llegar a ser aburrida para algunos e irrespetuosa con respecto a la novela por otros, pero es otra creación del genial Tim Burton que no quiere copiar letra por letra la maravillosa obra de Lewis Carroll. Un espectáculo visual bellísimo y una clara oportunidad para ver el costado no tan maravilloso de una de las historias clásicas más representadas en el séptimo arte. Original y muy divertida.
“Algo es imposible solo si crees que lo es”

UNA ESCENA A DESTACAR: Alicia, espada en mano, salto…

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March 4, 2010

Solo Para Parejas – Couples Retreat (2009)

NI “SOLO PARA PAREJAS” (4 regular)
Por Martín Morales
Las comedias románticas muchas veces invocan diferentes temas que se repiten una y otra vez, y, dejando de lado algunas excepciones, muchas de ellas logran crear un mundo paralelo en el que reina la sobreactuación y la poca originalidad. Este es el caso de “Solo para Parejas” una cinta que vuelve a tomar como fuente los problemas matrimoniales para crear un humor que no logra destacarse en ningún momento.
Cuatro parejas deciden irse de viaje hacia una paradisiaca isla para tratar de ayudar a que una de ellas logre reencontrar el amor perdido con los años. Hombres que quieren divertirse, problemas maritales, peleas originadas gracias a los inquisidores terapeutas y diferentes dificultades son las circunstancias por las que ellos deben superar.
Luego de una larga y poco original introducción de los personajes, el film se embellece con una muy buena fotografía y unas tomas aéreas bien logradas, pero lamentablemente son pocos los segundos que este efecto logra permanecer en pantalla. El guión no presenta sorpresas y se sumerge en un sin fin de estereotipos que ya vimos en muchísimas películas del género. El hombre que quiere fiesta, la pareja dispareja entre un hombre mayor y una “niña” de veinte años que solo quiere pasarla bien, los repentinos cambios entre los matrimonios, el instructor por el que mueren las mujeres, la división entre casados y solteros, y así toda la narración.
El humor es poco divertido y el guión no ayuda a que dichos momentos logren sacarle una sonrisa al espectador. Jean Reno es el único actor que logra darle un toque satírico a su personaje y hacerlo disfrutable. Los trabajos realizados por Vince Vaughn, Jason Bateman y Jon Favreau no aportan nada al relato, son monótonos por momentos y poco expresivos por otros.
El principal problema de esta cinta es que, además de ser muy previsible, no permite darse un lugar para que diferentes cuestiones se introduzcan y otras se concluyan coherentemente. Hay cuestiones que no se aclaran y que perjudican en la credibilidad de la imagen. A su vez, la falta de un atractivo narrativo produce que la historia se vuelva extremadamente larga y aburrida.
Correctamente fotografiada y con una ruidosa y respetable música por momentos, esta no es solo una película que no desarrolla un humor fuerte y constante, sino que no representa, ni intenta hacerlo, la evolución de una pareja que quiere reencontrarse con el amor. Con mensajes vergonzosos y actuaciones regulares, esta película es “Solo para amantes incondicionales del género”.

UNA ESCENA A DESTACAR: el paneo por las playas, el único bello momento de la cinta.

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March 3, 2010

Nine – Nine (2009)

UN MUSICAL CON POCAS LUCES (4 regular)
Por Martín Morales
Un gran elenco puede ayudar a que una historia logre cautivar el interés del espectador, también puede ser el complemento perfecto para que una narración se entienda y la misma cobre otro sentido, puede que gracias a las actuaciones a un film se lo designe como recomendable y hasta un actor puede quedar encasillado en un rol y con el paso de los años le cueste desprenderse del mismo. En “Nine” sucede algo muy curioso, el film tiene un elenco deslumbrante pero solamente dos de ellos logran destacarse, desnivelando totalmente las otras figuras y dejando una insatisfacción al terminar la función.
Un famoso director de cine está por empezar el rodaje de su última película titulada “Italia”, pero lamentablemente no ha terminado, ni empezado, con la escritura del guión. La prensa lo persigue y seis mujeres lo van a arrinconar en un dilema por el verdadero amor y la vocación.
Si bien hay dos actores que se lucen en todas las escenas en las que están presentes, hay otros que dejan un sabor amargo por su inexpresión y sus cortas apariciones. Daniel Day-Lewis, como el inquieto Guido, está muy correcto en todas sus apariciones. Su personaje está muy bien desarrollado y las emociones que el mismo presenta están muy bien interpretadas. Esto mismo sucede con la mejor actuación de la película, por parte de Marion Cotillard, en el rol más complicado, fuerte y emocional de la misma, que no solo presenta los mejores diálogos, sino que es la protagonista de las más interesantes piezas musicales de todo el relato, gracias a su increíble postura frente a la cámara y el realismo que libera con cada movimiento. Pero mientras los minutos van pasando y los fotogramas van corriendo, las regulares interpretaciones aparecen de la mano de: Nicole Kidman, a quien se le debía un poco más de protagonismo y una canción un poco más fuerte en presencia; Fergie, totalmente desalineada del centro de la historia; Sophia Loren; Kate Hudson, protagonista de un interesante musical, pero que no tiene conclusión ni introducción; Judi Dench, que hace lo posible por hacer de su personaje destacable y Penélope Cruz, que lamentablemente no logra salir del personaje sufrido y esquizofrénico que tan bien interpreta en las cintas de Almodovar. Buenas actrices pero muy descuidadas y desaprovechadas.
La historia, que dura casi dos horas, se puede resumir en muy pocas lineas, por lo que lo que justifica la duración es el implemento de escenas largas, sin sonido, que en cierta manera descolocan al espectador del género y aburren.
La cronología de los hechos es básicamente lo más interesante de toda la cinta. Cada uno de los problemas que Guido debe superar y principalmente la estética visual que estos momentos, presentan un despliegue narrativo que no complementa cada uno de los musicales. Aquí las canciones no forman parte de este desarrollo, sino que se ubican en sueños y pensamientos de los protagonistas, logrando así que cada una de estas pierdan interés e importancia.
Hay tres canciones que son muy interesantes, por un lado “My Husband Makes Movies” y “Take It All”, las dos interpretadas por Marion Cotillard, la única que le pone el hombro a la situación, y por otro lado “Cinema Italiano”, el momento de Kate Hudson, que es muy divertido pero que no presenta conclusión alguna respecto al hilo narrativo central.
Por el lado técnico el vestuario y el maquillaje son las dos características que más se destacan, el diseño artístico y cada una de las puestas en escenas son muy buenas.
Lamentablemente esta no es la película que el elenco y principalmente el famoso musical de Broadway se merecían. Canciones poco interesantes, una historia aburrida y demasiado larga para su intensidad y un cast que en su mayoría no actua son los condimentos que hacen de este film un musical desaprovechado e insatisfactorio. Rob Marshall incursionó muchísimo mejor en el género en el film del 2002 titulado “Chicago”.

UNA ESCENA A DESTACAR: “Take It All” y el desarrollo de toda la escena, el mejor momento de la película, con la actuación perfecta de Marion Cotillard.

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March 3, 2010

Un Hombre Serio – A Serious Man (2009)

¿QUE GARANTIAS NOS OTORGA LA FE? (8 MUY BUENA)
Por Martín Morales

Los hermanos Cohen se caracterizan por dirigir y llevar adelante historias poco comunes, difícil pero muy profundas y en esta oportunidad estamos frente la mejor obra cinematográfica de su filmografía. Una historia sobre el control social, las matemáticas y el caos.
Teniendo como fuente una base ya armada y sin entrar en largas introducciones sobre los personajes, la historia se centra en la vida de un hombre judío, que poco a poco se va convirtiendo en víctima de sus propios errores y descuidos y que va a tratar de solucionarlos invocando a su profesión y a la religión.
El film comienza con una fantástica escena introductoria que es el eje fundamental de la cinta. Si no se entiende el mensaje que se deja en esas pocas tomas es casi imposible lograr entender el sentido de los cien minutos restantes de proyección. Una metáfora sobre la vida maravillosa. Luego de esto la narración se centra en desarrollar cada uno de los aspectos de la vida de Lawrence y como minuto a minuto cada situación que se le presenta se va sumando a las desgracias que ya tiene. Su hermano se mete en problemas con la policía, tiene un alumno que lo amenaza, una esposa que quiere un divorcio religioso para así juntarse con un viejo amigo, ese amigo lo controla como si fuese un niño, dos hijos problemáticos y muchas cosas más que van apareciendo.
Para poder llevar adelante su vida Lawrence decide invocar a la religión y separando cada segmento de la película con el nombre del Rabino al que va a ver, empieza a descubrir un mensaje que no solo le cuesta deducir sino que va dirigido indirectamente al espectador. “Acepta el misterio” es una de las tantas e interesantes frases que el guión desarrolla. Los Cohen aquí no se burlan de la religión ni muestran maldades sin sentido alguno, ellos plantean su opinión sobre la religión y aunque sean certeras o no, hacen pensar y reflexionar sobre la vida que llevamos.
“Aceptar cada situación con sencillez”, es el centro de la historia, una de las malas consecuencias de ser religioso y la frase que forma una contraposición entre el desarrollo de la familia Gopnik y la esposa desconfiada al principio del relato. Para llevar adelante dichas cuestiones, los directores invocaron a diferentes metáforas e historias cortas que fundamentan dichos sentidos. Es así como la historia del dentista, el caos final, los sueños y hasta el incógnito que se presenta con el Dybukk, se transforman en los verdaderos protagonistas de la historia.
El trabajo realizado por Michael Stuhlbarg en el papel protagónico es cautivante y está muy bien logrado. Cada una de las expresiones que van caracterizando su personaje minuto a minuto se van intensificando y cobrando un sentido humorístico excelente. A su vez, cada uno de los roles secundarios están muy bien actuados, son los casos de Richard Kind (el tío), Fred Melamed (Sy) y Sari Lennick (la esposa).
Por el lado técnico el film presenta una edición muy buena, mezclando, principalmente en los primeros minutos, las diferentes escenas que forman parte de la vida de cada uno de los integrantes de la familia; los ángulos de las cámaras son muy originales; el humor, negro y satírico, característico de toda producción Cohen; y por supuesto la dirección muy arriesgada pero satisfactoria.
“Un Hombre Serio” es un film muy complicado, difícil de entender, uno de los tantos ejemplos de los que no hay que quedarse con la cronología de los hechos sino que hay que buscarle el sentido detrás de cada situación y frase que se presenta. Los hermanos Cohen son muy originales y en esta oportunidad lo demostraron arduamente. Para ver, entender, reflexionar y observar con detenimiento. Cine de calidad.

UNA ESCENA A DESTACAR: la historia del dentista y el análisis posterior

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March 1, 2010

Desde Mi Cielo – The Lovely Bones (2009)

EL ASESINATO DE LA LIBERTAD (6 Buena)
Por Martín Morales
Si bien esta película no es una réplica exacta de la novela homónima escrita por Alice Sebold, mantiene un nivel de respeto y coherencia con la misma, creando así una fiel adaptación, difícil de ver y entender.
La historia se centra en la vida de Susie Salmon, una adolescente de 14 años que cuenta su experiencia de vida luego de ser asesinada y encontrarse en el curioso camino que lleva al cielo.
Esta es una cinta muy diferente a todas las antes vistas del mismo género, donde se mezcla el suspenso policial con la fantasía. Es un relato complicado de ver, más teniendo en cuenta que la protagonista está muerta y su voz en off contando lo sucedido puede llegar a sonar ridículo al público desde un principio.
La cinta va viajando e introduciendo dos tipos diferentes de narración, por un lado el policial que conlleva a la búsqueda del asesino de Sussy y las reacciones de los padres a dicho suceso y por otro lado la narración de la protagonista desde el más allá. Aunque suene extraño, ya que el asesinato tiene muchas escenas en pantalla, el centro de la cinta es la segunda parte y gracias al muy bien logrado final, idéntico a la novela, este sentido logra entenderse y fundamentarse. No estamos frente a una historia de venganza ni de muerte, aunque lo parezca, estamos frente a una expresión diferente sobre la libertad y el amor, llena de metáforas y deducciones algo chocantes pero bellísimas.
Las actuaciones son excelentes. Saoirse Ronan logra un trabajo estupendo con su personaje, le brinda la dulzura y la seriedad en los momentos justos y hace que cada una de sus escenas posea un aura especial. Stanley Tucci, en un papel muy complicado, está perfecto. Sus miradas, su inquietud, su soledad y su despliegue de desconfianza en el espectador están desarrolladas perfectamente en la historia. Un trabajo escalofriante de dicho actor. Los padres, Rachel Weisz y Mark Wahlberg, están correctos, los momentos en los que ellos se enteran de lo sucedido y cada una sus reacciones están muy bien mimetizadas en sus acciones.
Peter Jackson lleva adelante esta obra mostrando en todo momento escenas y situaciones totalmente contrapuestas, que le brindan a la historia una fuerza exquisita, ejemplo claro la escena cerca del final en el pozo, una metáfora hermosa pero muy cruda a la vez. A su vez, invoca a la cámara fija en las escenas complicadas, otorgándole una potencia mayor a la cinta, los ángulos de las mismas son innovadores y muy sorpresivos mientras los minutos van pasando; se manejan perfectamente los silencios y las pausas argumentales y se crea una atmósfera increíble en dos momentos icono de la novela, la muerte de la protagonista, al principio y una resolución al final.
Esta es una película difícil de ver, complicada y muy distinta, que disfrutarán en su plenitud quienes hayan leído las páginas escritas por Alice Sebold y que tendrá opiniones diversas entre los espectadores que recién descubren la historia. Pero en definitiva es otro acierto de Jackson, una fábula hermosa sobre la libertad, la emoción y las ganas de vivir. Con un elenco que se destaca en todo momento y un uso delicado de los efectos especiales, esta es una película vale la pena ser vista para así sacar sus propias conclusiones.

UNA ESCENA A DESTACAR: final en el pozo

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