Janty Yates hizo su camino en la industria del cine a través del negocio de la moda y ha ganado éxito mundial como diseñador de vestuario. Desde su primer trabajo como asistente de vestuario en características tales como En busca del fuego (1981) y Dance With a Stranger (1985), pronto empezó Yates
para servir como supervisor de vestuario en películas como The Commitments (1991).

Esto llevó a la crítica el trabajo aclamado como diseñadora de vestuario en películas de temática como la antigüedad como Gladiator (2000), por la que ganó un Oscar por Mejor Diseño de Vestuario en el 2000 Premios de la Academia.

En 2001, Yates diseñó el vestuario de caníbales favoritos intelectual de todo el mundo, Aníbal Lecter, en Hannibal director Sir Ridley Scott, y más recientemente ha trabajado con Scott nuevo sobre Robin Hood.

En los océanos viven millones de especies marinas, de las cuales muchas todavía no se han descubierto y otras que nunca se podrán revelar por la acción del hombre sobre las aguas. Este documental, tal como lo fue “La Tierra” en el 2009, es una experiencia cinematográfica sorprendente, con emoción, belleza y un mensaje muy fuerte.

El film comienza con un paneo general sobre una costa y un niño jugando que se acerca, muy curioso, y le hace una pregunta a un hombre mayor: ¿Qué es un océano?. A partir de ese momento el espectador comienza a sentir y experimentar visual y sonoramente la vida en el agua.

Sin lugar a duda esta es una historia dirigida a los más pequeños, a los encargados de que en el futuro la vida que se ve en imágenes pueda seguir existiendo. La manera en la que se decidió llevar adelante la narración es diferente, pero excelente, no solo porque se aleja al público de largos monólogos explicativos sobre la biología, sino porque se le da la oportunidad de disfrutar de una hora y media de las bellezas y horrores que suceden bajo el agua.

La fotografía es sorprendente, la cámara se posa como si fuese un animal más nadando con el resto, como si no estuviese y el público acompañando la gran diversidad de criaturas que se muestran. Hay escenas maravillosas que los delfines protagonizan, le dan humor y alegría; hay una batalla épica entre cangrejos; saltos y nados de muchas ballenas; formas de vida pocas veces vistas y unos movilizantes momentos en los que lobos marinos y tortugas recién nacidas luchan y corren por sus vidas.

La música también es de gran importancia, al no poseer prácticamente una narración continua, la película se da el lujo de crear los sentimientos encontrados con la composición musical. Cada uno de los momentos está perfectamente llevado con las tonalidades que se decidieron mostrar, adecuándose a cada fragmento y animal presentado.

Pero, y aquí el mejor logro de esta cinta, es el mensaje que deja al espectador. A partir de un momento específico la historia toma un rumbo diferente al desarrollado, el hombre aparece en escena y desde ese segundo, con una inevitable narración por parte de el profesor que le explica al niño sobre los océanos, aparece y no termina. Con un sonido que por sí solo llama a las lágrimas e imágenes muy fuertes sobre la matanza indiscriminada de animales, se desarrolla un mensaje muy profundo y maravilloso que tal como el nene expresa en su asombrado rostro, el espectador no puede salir indiferente.

A diferencia de muchos otros documentales donde se taladra el pensar del público con lo que no hay que hacer y con lo mejor que pudieran estar las cosas si no se hubiese hecho algo, aquí se dice todo lo contrario. El error ya está hecho y es necesario que la gente mayor le enseñe a su hijo, alumno o nieto, como prevenir que el mismo se profundice. “Ellos van a gritar, pero nadie los va a escuchar”, dice el narrador cerca del final.

Para destacar también una maravillosa toma del nado de un tiburón junto al hombre, bellísimamente fotografiada y con una enseñanza escondida mucho más valiosa.

“Océanos” es una película que no posee una explicación explícita sobre lo que se está viendo, ya que su intención va más allá de eso. Es una experiencia cinematográfica sorprendente, con mensajes para reflexionar y con un despliegue visual y sonoro maravilloso. Un documental que no hay que dejar de ver, seas hombre, mujer, anciano, joven o un niño, tal como el nene curioso de la película.

¿Qué manera más atractiva de mostrar una fobia que haciendo una película de terror donde ese miedo se transforma en un asesino en serie? Las arañas son las grandes protagonistas de esta película, un film que comienza con un ritmo muy bien logrado, que se desarrolla con mucha soltura y detallismo y que finaliza revirtiendo la formula con un humor negro destacable, pese a sus errores.

Una araña es llevada a Estados Unidos luego de una investigación en las profundidades del Amazonas. Esta comienza a crear su nido cerca de la casa de un frustrado médico, cuya reputación comienza a verse afectada luego de varios asesinatos inciertos y su proximidad a ellos. Las arañas atacan, los hombres van a tener que defenderse.

El guión se toma en serio cada segundo de la historia para así no caer en una parodia ridícula de si misma. Hay explicaciones biológicas sobre las arañas, sobre el hábitat de los primeros minutos y mientras las escenas van pasando la figura arácnida, sin perder protagonismo, se va convirtiendo en un papel secundario, ya que prevalecen las figuras humanas y cada uno de sus conflictos.

El suspenso está muy bien creado, principalmente en cada una de las tomas cercanas al animal y sus lentos pero seguros movimientos. Esto mismo sucede con los momentos dramáticos, que se toman su tiempo en aparecer y concluir, pero que logran destacarse.

La organización de la historia se puede dividir en diferentes partes: ejemplificación (escena inicial), introducción de los personajes (una larga pero necesaria explicación sobre la familia y su entorno), procreación (cuando las arañas comienzan a reproducirse), muerte (los vecinos comienzan a ser asesinados) y conclusión. Cada una de estas mantiene un respeto y una misma linea argumentativa, no hay desbordes emocionales ni situaciones que salgan de la verosimilitud que plantea el relato. El único momento que la historia parece entrar en terrenos complicados es en el final, planteado de manera satírica y con un humor coherente, pero que desentona con delicadeza a todo lo logrado en las anteriores escenas.

Las actuaciones son buenas. Jeff Daniels, protagonista, comienza muy callado y sin demostrar expresión en su rostro, hasta que un minúsculo arácnido se le interpone en el camino y desborda emocionalmente. Muy bien lograda la sensación de miedo en el personaje. Harley Jane Kozak, la madre, en un papel que no se destaca pero en ningún momento desentona. John Goodman, el rol que más humor posee, en un personaje que como si fuese el mejor cazafantasma, comienza a matar arañas con venganza y asco. Cada una de las interpretaciones no sobresalen del resto, pero todas mantienen una misma actitud y serenidad.

Los efectos especiales son muy buenos, especialmente en lo que refiere a las arañas propiamente dichas. Sus movimientos y paneos a sus rostros dan escalofríos y mucha desconfianza.

Bien actuada, con un guión sencillo pero concreto y astuto, con un tratamiento visual destacable y una banda sonora que acompaña correctamente cada escena, “Arachnophobia” cae en la obviedad cerca del final, pero es una cinta que vale ser vista y disfrutada. Una película que se extiende más de lo debido, pero divertida y original. No es la gran historia sobre la fobia a las arañas, aún así se destaca del resto de película que intentaron y no lograron crear miedo con ese insecto de ocho patas.

El Conde Drácula es históricamente uno de los grandes protagonistas del cine, cuenta con muchísimas y diversas adaptaciones a la pantalla grande (más de 200) y fue encarnado por figuras irremplazables del séptimo arte. Esta adaptación de la novela de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola, es una fábula sobre el amor, el destino y el terror, uno de los tantos relatos que quedará en el recuerdo gracias a sus aciertos técnicos y actorales.

Luego del suicidio de su amada, Drácula promete revivir de las oscuridades de la Tierra y hacer sufrir a todos los que maldijeron su entorno. Es así como, después de dos siglos, este llega a Londres para enamorar a la prometida de un viajero y retornar a los confines del inframundo.

Si bien la novela presenta características y pasajes diferentes a los contados en la película, el trabajo de Coppola y del guionista en trasladar dicha historia a la pantalla grande es sumamente respetuoso y muy bien logrado.

Una de las grandes características que posee esta cinta es el valor y la fuerza de cada uno de sus personajes. Aquí todos son importantes y logran diferenciarse del resto gracias al excelente trabajo de los actores que los encarnaron. Gary Oldman, en sin duda alguna uno de los trabajos más estilizados y perfeccionistas de su carrera, está perfecto en cada una de las etapas de Drácula. Los movimientos bruscos, esa pose segura pero frágil y temerosa, sus lentos pero decididos murmullos y ese vaivén con sus manos, hacen del Conde un personaje temerario, escalofriante y engañoso, pero un placer para los sentidos. Winona Ryder también está muy bien. Pasa de ser la inocente y delicada doncella que narra la novela y que desarrolla en los primeros minutos del film, a ser una “guerrera” con mucha sangre y venganza en sus venas, muy bien interpretado su rol. Keanu Reeves, que pasa desapercibido a partir de la segunda mitad de la historia, está correcto. Anthony Hopkins, el inteligente pero imprevisible Van Helsing, despliega sus dotes interpretativos de una manera sorpresiva, principalmente cuando éste descubre la verdad que lo rodea. Los demás actores y actrices mantienen un nivel de coherencia y talento muy destacable, entre quienes se pueden destacar: Richard E. Grant, Cary Elwes y Sadie Frost.

La primera media hora desarrolla un despliegue artístico bellísimo, que va cambiando y evolucionando con el paso de los minutos. Es así como el juego con las sobras del protagonista, los silencios que desarrollan una carga emocional muy bien lograda, y ese maravilloso despliegue visual que rodea el maquillaje y la fotografía, son espectaculares.

Este es uno de los pocos relatos que mezcla la historia real del famoso personaje con la ficticción, en este caso escrita por Bram Stoker, lo que le brinda un toque diferente a la narración y la hace, dentro de lo posible, mucho más creíble ya que la ubica en un espacio y un tiempo real.

El guión es interesante, tiene suspenso y escenas que quedarán en el recuerdo del espectador, por ejemplo la aparición de la vampiresa en plena noche, un momento terrorífico y artísticamente bellisimo, se plantean cambios narrativos pocas veces vistos con tal profundidad y efectividad y se juega constantemente con el cambio de personajes.

Con un vestuario para destacar, una fotografía muy detallista, una banda sonora escalofriante, escenarios visualmente formidables, actuaciones muy profundas y emocionales y un guión que se permite transitar por los diferentes géneros sin caer en la obviedad, “Bram Stoker’s Drácula” es un clásico que perdurará en el tiempo y, aunque hay mejores películas sobre este mítico personaje, este es un drama que no hay que dejar de ver.

UNA ESCENA A DESTACAR: la llegada al castillo en el comienzo
PIXAR´S DAY & NIGHT
10 EXCELENTE

Pixar es la mejor productora que el cine de animación y porque no del séptimo arte en general, tiene y ha tenido a lo largo de la historia, eso se ve demostrado en cada una de sus películas y principalmente en una cuestión: en todos sus proyectos deleita al espectador con un cortometraje en el que se despliegan, en pocos minutos, mensajes y cuestiones con una contundencia inimaginable. Frente a “Toy Story 3” se puede ver “Día & Noche“, hasta el momento el mejor corto de la productora.

El desarrollo se centra en dos personajes, el día y la noche y como ellos deben lidiar con las diferencias y la soberbia por ser mejor que el otro sin darse el tiempo para conocerse y entablar una amistad.

En términos visuales, este cortometraje es bellísimo. Dibujado en forma tradicional a mano alzada, pero con la particularidad de que se mezcla la tecnología computarizada en los cuerpos de los personajes, cada uno de los pasajes y pasos que los mismos van dando hasta el final, son sorprendentes. Los colores utilizados, que van desde los azules oscuros, hasta los colorados brillantes, fueron utilizados con delicadeza y esplendor. El 3D cumple una función muy importante, muestra los sentimientos de cada uno de los personajes, como si se estuviese viendo una radiografía de la emoción humana. Sencillamente precioso.

Pero lo que más se destaca de esta producción, causa que justifica una vez más el liderazgo de Pixar en la industria, es el mensaje. Repentinamente y por sobre toda belleza visual aparece una voz, la representación de la esencia humana, de eso que sabemos pero pocas veces ponemos en práctica, unas pocas palabras que son inyectadas en el espectador y en los personajes sin permiso, con mucha fuerza, apartando todo entretenimiento y risa antes producida. El mensaje y la escena posterior a este, son hermosas.

Solo basta con sentarse, dejarse llevar y deslumbrar con el mejor cortometraje de la historia de Pixar, que con unas simples palabras emociona y hace reflexionar. Cine en su máximo esplendor.

Dos hombres sentados al rededor de un escritorio en lo que parece ser un lugar lúgubre, rústico, oscuro, de piedra. Un sable, un señor joven de largas patillas y traje azul, casi negro, firme en su silla, otro hombre, de anteojos, incisivo con sus preguntas trata de desenmascarar a su presa. Un ida y vuelta de palabras.

El guión es fuerte, decisivo e incisivo, se va al objetivo ni bien comienza la charla entre los personajes, no se detiene en dar introducción sobre la identidad de los hombres, solo palabras, gestos y expresiones dan a entender el entorno.

Las actuaciones profundizan dichas emociones. Pablo Ribba, con su voz, clara y fuerte, caracteriza y le da identidad a San Martín, muy bien logrado. Mientras que Guillermo Arengo, con una punzante personalidad, trata de descifrar la verdad.

Con una fotografía que juega con los oscuros del fondo, la luminosidad y fervor de la personalidad de los protagonistas, con silencios que forman parte de la intimidante charla, generando suspenso e inquietud y un firme cambio de cámaras, este cortometraje se alarga en diálogos, pero es una mirada respetable, contundente y muy bien lograda sobre un hecho que no es de los más recordados por el público sobre San Martín (uno de los objetivos del corto), que merece ser visto con detenimiento y respeto.

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Con el FBI para respirar por el cuello, don decide huir para evitar comprometer sus compinches. Sin embargo, un asesinato a manos de un traficante de drogas encendió en él una sed de venganza que hace que la cruz de nuevo con el agente Brian O’Conner (Paul Walker) en una misión peligrosa. Para ver más noticias sobre tags de autos y tuning te recomiendo un sitio muy especial. www.AutosyTuning.com

Titulo original: (Fast & Furious)
Lanzamiento: 2009 (EUA)
Director: Justin Lin
Actores: Vin Diesel, Paul Walker, Jordana Brewster, Michelle Rodriguez, John Ortiz
Duración: 107 min
Genero: Acción

UN SUEÑO SIN IMAGINACION
Por Martín Morales
Si bien esta no es la peor entrega de la saga, aunque se le acerca bastante, aquí se desarrolla una cuestión narrativa que le resta importancia a las películas antecesoras y deja la puerta abierta para el desarrollo de infinidad de secuelas olvidándose del verdadero sentido de la historia.
Freddy resucita y decide ir tras las últimas tres personas que quedaron con vida luego de los acontecimientos de “Guerreros del sueño”. Kristen, junto a su poder de telepatía, va a tratar de derrotar de una vez por todas al temible asesino.
Esta cuarta entrega mantiene la ida y vuelta respecto a la realidad y los sueños, pero esa es una de las pocas características que logra respetar de las películas anteriores. El gran problema aquí es, narrativamente, que el sentido que se le da a la historia es totalmente diferente al planteado en las tres películas anteriores. Freddy termina de matar a los hijos de las personas que lo incendiaron, por lo que se le buscó una vuelta de tuerca muy ridícula e innecesaria para seguir matando sin piedad. Este cambio no respeta el gran desarrollo inicial de la historia, donde se explica que él quiere matar solamente a los responsables de su asesinato.
A su vez, se deja de lado todo el inventivo que caracterizó a la primera y tercera parte en cada una de sus apariciones. Freddy es más torpe y mata de la manera más previsible y poco original posible en esta entrega. Cero creatividad, cero imaginación y cero coherencia.
El humor toma un rol muy importante aquí, Krueger no solo mata sino que hace reír, convirtiéndose en una caricatura de si mismo, algo que no sucedía en la tercera parte, donde la gracia empezaba a tomar mayor importancia.
Robert Englund sigue desarrollando de manera espectacular su personaje, cada uno de sus movimientos y expresiones faciales son increíbles. Lisa Wilcox (Alice), Andras Jones (Rick) y Tuesday Knight (Kristen) son quienes más se destacan dentro de un elenco lleno de sobreactuación y previsibilidades.
Por el lado de los efectos especiales, los mismos son correctos, poco deslumbrantes y simples. Cada una de las superposiciones de escenas están bien logradas pero no quedan prolijas a la vista. La música mantiene la misma tonada del tema original y el uso de la cámara es bueno en algunas escenas (toma vista superior de la protagonista en la habitación).
Salvo por algunas salvedades delirantes de las ultimas escenas (Freddy y los niños de su cuerpo), “Pesadilla en la Calle Elm: el Amo del Sueño” es una secuela fallida, que no aporta nada a la historia del asesino y que cambia absolutamente la narración original para convertirse en una fase introductoria a futuras secuelas.

UNA ESCENA A DESTACAR: Freddy y los niños de su cuerpo, en el final

8 puntos Muy buena

SUSPENSO Y DIVERSION
Por Martín Morales
En los sueños uno puede convertirse en lo que quiera, puede ser un gran mago, un fuerte muchacho o hasta una atleta reconocida. Este es el principal cambio y atractivo de esta película. Freddy aquí no solo se enfrenta al poder de la imaginación, sino que tiene que combatir a cada una de las ambisiones que la persona sueña llegar a ser, lo que aporta, además de un suspenso muy bien logrado, un divertimento increíble.
Un grupo de adolescentes son los últimos hijos de las personas que incendiaron en el pasado a Krueger y que hoy esperan ser asesinados en sus sueños como insignia de venganza del hombre del rostro quemado. Juntos y con ayuda de una mujer que sabe del tema, van a tratar de derrotarlo.
El guión da una vuelta de trescientos sesenta grados respecto a la segunda y fallida entrega de esta serie. Aquí se vuelve a jugar con la realidad y la fantasía, el espectador vuelve a sumergirse en los confines de la imaginación y vuelve a sentirse inseguro una vez que los personajes entran en su sueño, cosa que estaba totalmente ausente en la anterior película.
Se desarrolla una característica, introducida en la primera parte, que aquí se amplia muchísimo: el humor. Sin entrar en el chiste fácil ni en el extremadamente inteligente, el humor negro y bizarro que se plantea en esta oportunidad le da un toque distinto a la figura del asesino, quien mantiene con toda su energía el misterio y el miedo en el público. Freddy es temible, impredecible, un asesino que no tiene piedad con sus víctimas y que las somete a las peores torturas imaginables, pero también es muy gracioso. Esa homogeneidad es muy rara de ver en el cine y principalmente es muy extraño que funcione.
Sin duda alguna las mejores escenas de esta cinta son las protagonizadas por Robert Englund, quien afortunadamente tiene muchos más momentos en cámara y logra desarrollar un poco más cada una de las características físicas y morales de su personaje. Estos momentos van desde cada una de las muertes hasta todas las apariciones delirantes que posee, ya sea su encarnación en algún muñeco o artefacto, hasta la decapitación muy graciosa de un secundario.
Es aquí, también, donde se empieza a descubrir la verdadera identidad del asesino, se cuenta un poco de su pasado, se introducen pistas, desarrolladas en cintas futuras, que prometen explicar en profundidad aspectos de la vida de Fredd.
Los efectos especiales (se utilizó mucho el sop-motion) son asombrosos, cada una de las muertes son únicas desde lo visual, lo sorpresivo y lo divertido. Aquí Freddy encarna personajes increíbles y mata de maneras muy ridículas. La música mantiene la tonada y el mismo grado de suspenso que en los films antecesores, y, la escenografía, mucho más sucia y cuidada, crea el ambiente perfecto para cada escena.
Las actuaciones también son buenas. Robert Englund está muy bien y cuidado en su rol protagónico, al igual que Heather Langenkamp (Nancy), quien vuelve a las andanzas entre la vida y la muerte. Dentro de los adolescentes, Patricia Arquette (Kristen) y Bradley Gregg (Phillip), son quienes más se destacan.
“Pesadilla en la Calle Elm 3: Guerreros del Sueño” es una de las mejores secuelas de la saga, no solo por ser entretenida y por lograr un suspenso muy bueno en cada una de sus tomas, sino por ser original, muy delirante y desarrollar, casi en todo momento, escenas en las que Freddy es el protagonista. Divertida, tenebrosa, ridícula, sangrienta y muy original, esta es una cita infaltable para todo fanático del terror.

UNA ESCENA A DESTACAR: Freddy marioneta