Peliculas

Academy Awards 2010

Martin — Tue, 09 Mar 2010 23:49:37 +0000

ADVENTURE IS OUT THERE!

Si hay algo que caracterizó a la 82° entrega de los Premios de La Academia es la seriedad y el homenaje, no solo porque le dedicaron un emotivo momento al fallecido escritor John Hughes, sino porque cada galardón entreg ado mantuvo el aura de respeto y dedicación que se merecía.
Sin bien la ceremonia fue algo monótona y en muchas categorías poco sorpresivas, el trabajo realizado por Steve Martin y Alec Baldwin fue muy correcto. Ellos introdujeron los premios con un monólogo muy divertido haciendo referencia a cada una de las principales figuras nominadas de la noche, así como las 16 nominaciones de Meryl Streep, la batalla entre ex esposos (Katherin Bygelow y James Cameron), la seriedad de George Clooney, el éxito de Avatar, etc. Hubiese estado bueno que ellos tuviesen un poco más de tiempo en el escenario y que sus salidas no fueran tan distanciadas, ya que cada una de ellas fueron delirantes, con un humor previsible pero muy entretenido.
La ceremonia se dio lugar para homenajear al guionista de “Mi Pobre Angelito”, John Hughes, en un tributo muy emocionante que contó con un interesante compilado de cada una de sus creaciones. A su vez, se hizo mención al cine de terror que desde “The Silence of the Lambs” no participa de los Oscars y que tal como Taylor Lautner afirmó: “Es un género que no tiene el reconocimiento que se merece”. El video reunió, con el tema de “Tiburón” y “Halloween” de fondo, escenas clásicas del horror, mezclando épocas, colores y finalizando con un potentoso recuento por las mejores cuchilladas del género. Los anfitriones de la noche introdujeron el tema con una increíble parodia de “Paranormal Activity” (”Actividad Paranormal”) muy divertida.
Sin duda alguna muchos premios ya estaban previstos, como el de Sandra Bullock a Mejor Actriz o el de Christoph Waltz a Mejor Actor de Reparto, pero fue curiosamente el discurso de ellos que le brindó emoción, humor y alegría a cada galardonado, algo que pocas veces sucede en este tipo de entregas.
Una de las novedades que el año pasado habían sorprendido en los Oscars fue que en las dos categorías que premiaron a la mejor actriz y al mejor actor, interpretes que fueron galardonados años pasados les habían dedicado unas palabras a cada uno de los nominados. Esta formula fue utilizada una vez más: amigos y compañeros de los 5 actores y actrices que peleaban por una estatuilla dorada les brindaron homenaje. Uno de los momentos más bellos de la entrega.
Esta fue la noche de “The Hurt Locker” o “Vivir al Límite”, como se la conoce en Argentina, que se llevó seis de las nueve estatuillas por las que competía, Kathryn Bigelow se convirtió en la primer mujer en ganar el Oscar en la categoría Mejor Dirección y la película en ser la ganadora que menos dinero recaudó en la historia. A su vez, fue el atardecer para “Avatar,” que solo terminó con tres premios de las nueve nominaciones, técnicos solamente. Pero también cabe destacar que “Up in he Air” (”Amor sin Escalas”), favorita para llevarse el premio al mejor Guión Adaptado, se fue con las manos vacías, mientras que “Precious” (”Preciosa”), le arrebató la sorpresa y se fue con dos Oscars. “UP” logró escabullirse en la categoría Mejor Película, muy merecido por cierto y se consagró como la Mejor Película de Animación y el film con la Mejor Música del año. Y por supuesto, como dejar de lado el orgullo argentino que logró sacarnos una sonrisa de punta a punta cuando Pedro Almodovar, junto con el gran Quentin Tarantino, anunció que “El Secreto de sus Ojos” era la gran ganadora en la categoría Mejor Película Extranjera.
Estéticamente los Academy Awards 2010 fueron un lujo y Steve Martin junto a Alec Baldwin hicieron un trabajo correcto y muy entretenido como presentadores. Lejos está Hugh Jackman de ser superado como el mejor anfitrión de la década, lejos está de ser esta la mejor ceremonia de entrega de premios, pero también lejos está de ser la peor.
Una noche muy correcta y milagrosamente una de las ceremonias más justas de los últimos años. Sinceramente cada premio lo ganó el mejor y eso es muy raro de que suceda en Hollywood.
Lo mejor sin duda alguna la aparición de en Stiller disfrazado de Na’ví, quien solo él puede prestarse para esas delirantes ridiculeces y por supuesto la sátira de Actividad Paranormal, dos increíbles momentos.
Lo peor: los errores de los jóvenes presentadores: nervios, ruidos, bostezos y una Kristen Stewart tociendo frente al micrófono. También el incómodo momento del director del cortometraje ganador, a quien le arrebataron el micrófono y no le dejaron agradecer.

Martín Morales

LISTA DE NOMINADOS Y GANADORES:

MEJOR PELICULA
Avatar
District 9
An Education
The Hurt Locker*GANADOR*
Inglourious Basterds
Precious
A Serious Man
Up in the Air
The Blind Side
Up

MEJOR DIRECTOR
Avatar (James Cameron)
The Hurt Locker (Kathryn Bigelow)*GANADOR*
Inglourious Basterds (Quentin Tarantino)
Jason Reitman (Up in the Air)
Lee Daniels (Precious)

MEJOR ACTOR PROTAGONICO
Morgan Freeman in Invictus
Jeff Bridges in Crazy Heart *GANADOR*
George Clooney in Up in the Air
Colin Firth in A Single Man
Jeremy Renner in The Hurt Locker

MEJOR ACTRIZ PROTAGONICA
Meryl Streep in Julie & Julia in It’s Complicated
Sandra Bullock in The Blind Side *GANADOR*
Helen Mirren in The Last Station
Gabourey Sidibe in Precious
Carey Mulligan in An Education

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Mo’Nique in Precious *GANADOR*
Vera Farmiga in Up in the Air
Penélope Cruz in Nine
Diane Kruger in Inglourious Basterds
Maggie Gyllenhaal in Crazy Heart

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Christoph Waltz in Inglourious Basterds *GANADOR*
Christopher Plummer in The Last Station
Matt Damon in Invictus
Stanley Tucci in The Lovely Bones
Woody Harrelson in The Messengers

MEJOR PELICULA DE ANIMACION
Up (Pete Docter and Bob Peterson) *GANADOR*
The Princess and the Frog (Ron Clements and John Musker)
Coraline (Henry Selick)
Fantastic Mr Fox (Wes Anderson)
Secret of Kells

MEJOR PELICULA EN EXTRANJERA
Ajami (Scandar Copti and Yaron Shani, Israel)
A Prophet (Jacques Audiard, France)
El Secreto de sus Ojos (Juan Jose Campanella, Argentina) *GANADOR*
The White Ribbon (Michael Haneke, Germany)
The Milk of Sorrow (Claudia Llosa, Peru)

MEJOR PELICULA DOCUMENTAL
Burma VJ
The Cove (Louie Psihoyos) *GANADOR*
Food, Inc (Robert Kenner)
The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers (Judith Ehrlich and Rick Goldsmith)
Which Way Home?

MEJOR GUION ADAPTADO
District 9 (Neill Blomkamp and Terri Tatchell)
An Education (Nick Hornby)
Precious (Geoffrey Fletcher)*GANADOR*
Up in the Air (Jason Reitman and Sheldon Turner)
In the Loop (Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Ian Martin and Tony Roche)

MEJOR GUION ORIGINAL
The Hurt Locker (Mark Boal)*GANADOR*
Inglourious Basterds (Quentin Tarantino)
A Serious Man (Joel and Ethan Coen)
Up (Pete Docter and Bob Petersen)
The Messenger (Alessandro Camon and Oren Moverman)

MEJOR DIRECCION ARTISTICA
Avatar *GANADOR*
The Imaginarium of Doctor Parnassus (art direction: Dan Hermansen and Denis Schnegg; set decoration: Caroline Smith and Shane Vieau)
Nine (art direction: Peter Findley, Phil Harvey, Simon Lamont; set decoration: Gordon Sim)
Sherlock Holmes (art direction: James Foster, Nick Gottschalk, Matthew Gray, Niall Moroney; set decoration: Katie Spencer)
The Young Victoria

MEJOR CINEMATOGRAFIA
Avatar (Mauro Fiore)*GANADOR*
Harry Potter and the Half-Blood Prince
The Hurt Locker (Barry Ackroyd)
Inglourious Basterds (Robert Richardson)
The White Ribbon (Christian Berger)

MEJORES EFECTOS VISUALES
Avatar: Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham y Andrew R. Jones*GANADOR*
Sector 9: Dan Kaufman, Peter Muyzers, Robert Habros y Matt Aitken
Star Trek: Roger Guyett, Russell Earl, Paul Kavanagh y Burt Dalton

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Bright Star
Coco Before Chanel (Catherine Leterrier)
The Imaginarium of Doctor Parnassus (Monique Prudhomme)
Nine (Colleen Atwood)
The Young Victoria (Sandy Powell) *GANADOR*

MEJOR EDICION
Avatar
District 9
The Hurt Locker *GANADOR*
Inglourious Basterds
Precious

MEJOR MUSICA
Avatar (James Horner)
Fantastic Mr Fox (Alexandre Desplat)
Up (Michael Giacchino) *GANADOR*
The Hurt Locker (Marco Beltrami and Buck Sanders)
Sherlock Holmes (Hans Zimmer)

MEJOR CANCION ORIGINAL
Almost There, from The Princess and the Frog by Randy Newman
Down in New Orleans, from The Princess and the Frog by Randy Newman
Loin de Paname, from Paris 36
Take it All, from Nine by Maury Yeston
The Weary Kind, from Crazy Heart by Ryan Bingham and T Bone Burnett*GANADOR*

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO
Avatar: Christopher Boyes y Gwendolyn Yates Whittle
Vivir al límite: Paul N.J. Ottosson*GANADOR*
Bastardos sin gloria: Wylie Stateman
Star Trek: Mark Stoeckinger y Alan Rankin
Up, una aventura de altura: Michael Silvers y Tom Myers

MEJOR MEZCLA DE SONIDO
Avatar: Christopher Boyes, Gary Summers, Andy Nelson y Tony Johnson
Vivir al límite: Paul N.J. Ottosson y Ray Beckett*GANADOR*
Bastardos sin gloria: Michael Minkler, Tony Lamberti y Mark Ulano
Star Trek: Anna Behlmer, Andy Nelson y Peter J. Devlin
Transformers: La venganza de los caídos: Greg P. Russell, Gary Summers y Geoffrey Patterson

MEJOR MAQUILLAJE
Il Divo
The Young Victoria
Star Trek *GANADOR*

MEJOR CORTOMETRAJE, DOCUMENTAL
China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province
The Last Campaign of Governor Booth Gardner
The Last Track: Closing of a GM Plant
Music by Prudence*GANADOR*
Rabbit a la Berlin

MEJOR CORTOMETRAJE, ANIMACION
French Roast: Fabrice O. Joubert
Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty: Nicky Phelan y Darragh O’Connell
The Lady and the Reaper (La dama y la muerte): Javier Recio Gracia
Logorama: Nicolas Schmerkin*GANADOR*
A Matter of Loaf and Death: Nick Park
MEJOR CORTOMETRAJE, FICCION
The Door: Juanita Wilson y James Flynn
Instead of Abracadabra: Patrik Eklund y Mathias Fjellström
Kavi: Gregg Helvey
Miracle Fish: Luke Doolan y Drew Bailey
The New Tenants: Joachim Back y Tivi Magnusson *GANADOR*

Loco Corazón - Crazy Heart (2009)

Martin — Sun, 07 Mar 2010 15:23:02 +0000

EL REENCUENTRO CON UNA VIDA (6 buena)
Por Martín Morales
El desarrollo de una historia que mantiene los mismos recursos narrativos que otras estrenadas en el pasado tiene que presentar un atractivo que fundamente el disfrute de la misma y en esta oportunidad hay dos factores que cumplen dicho propósito: las actuaciones y la música.
En el pasado Bad Blake fue un exitoso y famoso músico country, hoy está en el borde de superar la década de los cincuenta, alcohólico, sin trabajo, viviendo de las migajas que pequeños shows le ofrecen y sin un rumbo destinado para su vida. Con la ayuda de una periodista y un músico amigo él va a trata de cambiar y salir adelante.
El tipo narrativo que se presenta en esta cinta es poco original y repetitivo si se tiene en cuenta que “El Luchador“, película estrenada con casi un año de anterioridad, desarrollaba exactamente lo mismo: un hombre enfermo que juega con su vida y que decide abrir los ojos para poder disfrutar de sus “últimos” años. En ese punto el film no es llamativo, es previsible y poco sorpresivo.
Pero existe, tal como en la película antes mencionada, un nivel actoral que en cierta manera hace olvidar al espectador de las arbitrariedades del guión para así hacerlo sumergir en la historia de vida del personaje principal. Jeff Bridges encarnó a Bad, le dio vida y esperanza y cada expresión o sentimiento encontrado en su desarrollo, gracias a su labor, se transmite perfectamente hacia el público. Excelente actuación, fuerte y muy dedicada, que hace de una simple línea un discurso profundo y emocionante. Maggie Gyllenhaal, quien logra destacarse en muchos momentos, triunfa gracias a una naturalidad impresionante que desborda en cada una de sus escenas. El amor y ese final melancólico están interpretados perfectamente por dicha actriz. Colin Farekl, que no tiene muchos momentos frente a la cámara, hace un correcto trabajo, principalmente hacía el final de la cinta.
La segunda característica que logra destacarse dentro de la simplicidad de la historia es la música. Esta se mimetiza con el personaje y empieza a caminar por la misma senda que Bad en la película. De una música country apagada y sin energía se pasa a un concierto sonoramente bellísimo con una canción final (”The Weary Kind”) que emociona y pone en evidencia la superación del protagonista. Bellas composiciones musicales.
La fotografía es correcta y poco destacable en muchos momentos; la edición buena y el trabajo de dirección logra mostrar en todo momento las intenciones del guión (perdida del pequeño Buddy).
Si bien la película no es novedosa y desarrolla la misma historia de vida que otras cintas del género pero cambiando el nombre del protagonista, la calidad actoral, el suspenso y el drama creado en muchas escenas y la bella música que acompaña la narración hacen de este film una experiencia recomendable y natural. Tiene errores, pero están muy bien camuflados.

UNA ESCENA A DESTACAR: final

Alicia en el País de las Maravillas - Alice in Wonderland (2010)

Martin — Fri, 05 Mar 2010 20:50:22 +0000

TIMOTHY EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS (8 muy buena)

Por Martín Morales

La gran mente visionaria del creador de “El Joven Manos de Tijeras” inventa una nueva historia dentro del famoso país de las maravillas que tiene su sello personal, que posee una belleza visual descomunal y actuaciones delirantes.
Alicia tiene 19 años y está por ser participe del más bochornoso compromiso que su familia le pudo arreglar. De repente un familiar conejo blanco con un reloj de bolsillo en su poder atrae la atención de la muchacha logrando así que vuelva a caer en el cambiado País de las Maravillas, donde la esperan todos los personajes que conoció en la niñez.
Tim Burton tomó como base las dos novelas Lewis Carroll y creó una historia totalmente diferente. Aquí el mundo imaginario no es tan maravilloso como cuando Alicia entró en su niñez, aquí nadie canta de felicidad y la locura de los personajes está medida a la fuerza tras hechos pasados. La Reina Roja se apoderó de la “belleza” y destruyó toda sintonía alegre que le molestaba. Es por eso que cuando ni bien la protagonista entra en el mismo uno se siente como que no se encuentra en el mismo lugar. Es aquí donde vale destacar el astuto trabajo del director y los guionistas por hacer de esta historia un relato que tiene los condimentos de las novelas, pero que no representa en ningún momento el imaginario mundo desarrollado en estas, sino que se basa precisamente en un corto poema titulado ” El Jabberwocky” que se encuentra dentro del segundo libro. Para ver una fiel adaptación de los escritos de Carroll hay miles de otras películas que siguieron detalladamente sus pasos, este no es el caso.
Uno de los principales cambios que se decidieron llevar adelante es que aquí hay una historia cronológica para contar, mientras que en las novelas el desarrollo era repentino, alocado y sin sentido, como si Alicia entrase en un parque de diversiones y visitara cada una de sus atracciones. Esta nueva historia presenta guiños y alusiones a diferentes films fantásticos tales como “El Señor de los Anillos” o “Las Crónicas de Narnia”, que no solo le aportan un sentido épico a la historia sino que demuestran algo totalmente novedoso e inimaginable para la historia de Alicia.
Para contar esta narración Burton se basó en la elaboración de su mundo imaginario donde brilla la belleza, sus icónicos espirales, árboles torcidos, paisajes desolados y una oscuridad que denota la presencia de un trágico pasado. El arte de este film es maravilloso, del calibre de cada una de sus producciones. El trabajo realizado en el Gato Sonriente es espectacular, al igual que en cada uno de los personajes que minuto a minuto van cobrando vida.
Uno de los fuertes más ricos que posee esta cinta es la calidad de las actuaciones. Mia Wasikowska, Alicia, interpreta muy bien su personaje, lo dota de sorpresas y de la inocencia que tanto hace hincapié en la novela. Johnny Depp, es el Sombrerero Loco, que con sus estridentes ojos amarillos, su sonrisa demoníaca y su continuo pasaje por el poema del Jabberwocky, denotan otra fantástica interpretación del actor. Helena Bonham Carter (La Reina de Corazones), es quien se lleva todos lo aplausos por su trabajo, no solo por brindarle mucha expresividad al relato, sino por mantener una locura inmensa al mandar a decapitar a todo animal o humano que le sume problemas. Anne Hathaway, como la Reina Blanca, está correcta, la rivalidad entre las hermanas está muy bien expresada por ambas. Crispin Glover está bien en su personaje, aunque carezca de desarrollo. A su vez, es un placer oir las voces de Stephen Fry, en un estupendo rol (el gato sonriente), Michael Sheen (el conejo blanco), Alan Rickman (la oruga azul) y Matt Lucas (Tweedledee y Tweedledum).
Si bien en la mitad el film logra sumergirse en un charco narrativo, el mismo remonta con un despliegue visual y una imaginativa conclusión para el reconocimiento. La batalla final se acerca y el delirio que Burton logró en dicha escena es magnífico, digno de cualquier libro de mitología.
Pero sin ser esperado el film posee un mensaje y es allí donde este logra enriquecerse. ¿La vida que quiero llevar adelante es la que la sociedad me obliga a vivir o la que verdaderamente quiero y, pese a las consecuencias, voy a esforzarme por cumplir mis sueños? Simplemente maravilloso.
“Alicia en el País de las Maravillas” no es para cualquiera, puede llegar a ser aburrida para algunos e irrespetuosa con respecto a la novela por otros, pero es otra creación del genial Tim Burton que no quiere copiar letra por letra la maravillosa obra de Lewis Carroll. Un espectáculo visual bellísimo y una clara oportunidad para ver el costado no tan maravilloso de una de las historias clásicas más representadas en el séptimo arte. Original y muy divertida.
“Algo es imposible solo si crees que lo es”

UNA ESCENA A DESTACAR: Alicia, espada en mano, salto…

Solo Para Parejas - Couples Retreat (2009)

Martin — Thu, 04 Mar 2010 22:58:21 +0000

NI “SOLO PARA PAREJAS” (4 regular)
Por Martín Morales
Las comedias románticas muchas veces invocan diferentes temas que se repiten una y otra vez, y, dejando de lado algunas excepciones, muchas de ellas logran crear un mundo paralelo en el que reina la sobreactuación y la poca originalidad. Este es el caso de “Solo para Parejas” una cinta que vuelve a tomar como fuente los problemas matrimoniales para crear un humor que no logra destacarse en ningún momento.
Cuatro parejas deciden irse de viaje hacia una paradisiaca isla para tratar de ayudar a que una de ellas logre reencontrar el amor perdido con los años. Hombres que quieren divertirse, problemas maritales, peleas originadas gracias a los inquisidores terapeutas y diferentes dificultades son las circunstancias por las que ellos deben superar.
Luego de una larga y poco original introducción de los personajes, el film se embellece con una muy buena fotografía y unas tomas aéreas bien logradas, pero lamentablemente son pocos los segundos que este efecto logra permanecer en pantalla. El guión no presenta sorpresas y se sumerge en un sin fin de estereotipos que ya vimos en muchísimas películas del género. El hombre que quiere fiesta, la pareja dispareja entre un hombre mayor y una “niña” de veinte años que solo quiere pasarla bien, los repentinos cambios entre los matrimonios, el instructor por el que mueren las mujeres, la división entre casados y solteros, y así toda la narración.
El humor es poco divertido y el guión no ayuda a que dichos momentos logren sacarle una sonrisa al espectador. Jean Reno es el único actor que logra darle un toque satírico a su personaje y hacerlo disfrutable. Los trabajos realizados por Vince Vaughn, Jason Bateman y Jon Favreau no aportan nada al relato, son monótonos por momentos y poco expresivos por otros.
El principal problema de esta cinta es que, además de ser muy previsible, no permite darse un lugar para que diferentes cuestiones se introduzcan y otras se concluyan coherentemente. Hay cuestiones que no se aclaran y que perjudican en la credibilidad de la imagen. A su vez, la falta de un atractivo narrativo produce que la historia se vuelva extremadamente larga y aburrida.
Correctamente fotografiada y con una ruidosa y respetable música por momentos, esta no es solo una película que no desarrolla un humor fuerte y constante, sino que no representa, ni intenta hacerlo, la evolución de una pareja que quiere reencontrarse con el amor. Con mensajes vergonzosos y actuaciones regulares, esta película es “Solo para amantes incondicionales del género”.

UNA ESCENA A DESTACAR: el paneo por las playas, el único bello momento de la cinta.

Nine - Nine (2009)

Martin — Wed, 03 Mar 2010 23:30:15 +0000

UN MUSICAL CON POCAS LUCES (4 regular)
Por Martín Morales
Un gran elenco puede ayudar a que una historia logre cautivar el interés del espectador, también puede ser el complemento perfecto para que una narración se entienda y la misma cobre otro sentido, puede que gracias a las actuaciones a un film se lo designe como recomendable y hasta un actor puede quedar encasillado en un rol y con el paso de los años le cueste desprenderse del mismo. En “Nine” sucede algo muy curioso, el film tiene un elenco deslumbrante pero solamente dos de ellos logran destacarse, desnivelando totalmente las otras figuras y dejando una insatisfacción al terminar la función.
Un famoso director de cine está por empezar el rodaje de su última película titulada “Italia”, pero lamentablemente no ha terminado, ni empezado, con la escritura del guión. La prensa lo persigue y seis mujeres lo van a arrinconar en un dilema por el verdadero amor y la vocación.
Si bien hay dos actores que se lucen en todas las escenas en las que están presentes, hay otros que dejan un sabor amargo por su inexpresión y sus cortas apariciones. Daniel Day-Lewis, como el inquieto Guido, está muy correcto en todas sus apariciones. Su personaje está muy bien desarrollado y las emociones que el mismo presenta están muy bien interpretadas. Esto mismo sucede con la mejor actuación de la película, por parte de Marion Cotillard, en el rol más complicado, fuerte y emocional de la misma, que no solo presenta los mejores diálogos, sino que es la protagonista de las más interesantes piezas musicales de todo el relato, gracias a su increíble postura frente a la cámara y el realismo que libera con cada movimiento. Pero mientras los minutos van pasando y los fotogramas van corriendo, las regulares interpretaciones aparecen de la mano de: Nicole Kidman, a quien se le debía un poco más de protagonismo y una canción un poco más fuerte en presencia; Fergie, totalmente desalineada del centro de la historia; Sophia Loren; Kate Hudson, protagonista de un interesante musical, pero que no tiene conclusión ni introducción; Judi Dench, que hace lo posible por hacer de su personaje destacable y Penélope Cruz, que lamentablemente no logra salir del personaje sufrido y esquizofrénico que tan bien interpreta en las cintas de Almodovar. Buenas actrices pero muy descuidadas y desaprovechadas.
La historia, que dura casi dos horas, se puede resumir en muy pocas lineas, por lo que lo que justifica la duración es el implemento de escenas largas, sin sonido, que en cierta manera descolocan al espectador del género y aburren.
La cronología de los hechos es básicamente lo más interesante de toda la cinta. Cada uno de los problemas que Guido debe superar y principalmente la estética visual que estos momentos, presentan un despliegue narrativo que no complementa cada uno de los musicales. Aquí las canciones no forman parte de este desarrollo, sino que se ubican en sueños y pensamientos de los protagonistas, logrando así que cada una de estas pierdan interés e importancia.
Hay tres canciones que son muy interesantes, por un lado “My Husband Makes Movies” y “Take It All”, las dos interpretadas por Marion Cotillard, la única que le pone el hombro a la situación, y por otro lado “Cinema Italiano”, el momento de Kate Hudson, que es muy divertido pero que no presenta conclusión alguna respecto al hilo narrativo central.
Por el lado técnico el vestuario y el maquillaje son las dos características que más se destacan, el diseño artístico y cada una de las puestas en escenas son muy buenas.
Lamentablemente esta no es la película que el elenco y principalmente el famoso musical de Broadway se merecían. Canciones poco interesantes, una historia aburrida y demasiado larga para su intensidad y un cast que en su mayoría no actua son los condimentos que hacen de este film un musical desaprovechado e insatisfactorio. Rob Marshall incursionó muchísimo mejor en el género en el film del 2002 titulado “Chicago”.

UNA ESCENA A DESTACAR: “Take It All” y el desarrollo de toda la escena, el mejor momento de la película, con la actuación perfecta de Marion Cotillard.

Un Hombre Serio - A Serious Man (2009)

Martin — Wed, 03 Mar 2010 14:15:38 +0000

¿QUE GARANTIAS NOS OTORGA LA FE? (8 MUY BUENA)
Por Martín Morales

Los hermanos Cohen se caracterizan por dirigir y llevar adelante historias poco comunes, difícil pero muy profundas y en esta oportunidad estamos frente la mejor obra cinematográfica de su filmografía. Una historia sobre el control social, las matemáticas y el caos.
Teniendo como fuente una base ya armada y sin entrar en largas introducciones sobre los personajes, la historia se centra en la vida de un hombre judío, que poco a poco se va convirtiendo en víctima de sus propios errores y descuidos y que va a tratar de solucionarlos invocando a su profesión y a la religión.
El film comienza con una fantástica escena introductoria que es el eje fundamental de la cinta. Si no se entiende el mensaje que se deja en esas pocas tomas es casi imposible lograr entender el sentido de los cien minutos restantes de proyección. Una metáfora sobre la vida maravillosa. Luego de esto la narración se centra en desarrollar cada uno de los aspectos de la vida de Lawrence y como minuto a minuto cada situación que se le presenta se va sumando a las desgracias que ya tiene. Su hermano se mete en problemas con la policía, tiene un alumno que lo amenaza, una esposa que quiere un divorcio religioso para así juntarse con un viejo amigo, ese amigo lo controla como si fuese un niño, dos hijos problemáticos y muchas cosas más que van apareciendo.
Para poder llevar adelante su vida Lawrence decide invocar a la religión y separando cada segmento de la película con el nombre del Rabino al que va a ver, empieza a descubrir un mensaje que no solo le cuesta deducir sino que va dirigido indirectamente al espectador. “Acepta el misterio” es una de las tantas e interesantes frases que el guión desarrolla. Los Cohen aquí no se burlan de la religión ni muestran maldades sin sentido alguno, ellos plantean su opinión sobre la religión y aunque sean certeras o no, hacen pensar y reflexionar sobre la vida que llevamos.
“Aceptar cada situación con sencillez”, es el centro de la historia, una de las malas consecuencias de ser religioso y la frase que forma una contraposición entre el desarrollo de la familia Gopnik y la esposa desconfiada al principio del relato. Para llevar adelante dichas cuestiones, los directores invocaron a diferentes metáforas e historias cortas que fundamentan dichos sentidos. Es así como la historia del dentista, el caos final, los sueños y hasta el incógnito que se presenta con el Dybukk, se transforman en los verdaderos protagonistas de la historia.
El trabajo realizado por Michael Stuhlbarg en el papel protagónico es cautivante y está muy bien logrado. Cada una de las expresiones que van caracterizando su personaje minuto a minuto se van intensificando y cobrando un sentido humorístico excelente. A su vez, cada uno de los roles secundarios están muy bien actuados, son los casos de Richard Kind (el tío), Fred Melamed (Sy) y Sari Lennick (la esposa).
Por el lado técnico el film presenta una edición muy buena, mezclando, principalmente en los primeros minutos, las diferentes escenas que forman parte de la vida de cada uno de los integrantes de la familia; los ángulos de las cámaras son muy originales; el humor, negro y satírico, característico de toda producción Cohen; y por supuesto la dirección muy arriesgada pero satisfactoria.
“Un Hombre Serio” es un film muy complicado, difícil de entender, uno de los tantos ejemplos de los que no hay que quedarse con la cronología de los hechos sino que hay que buscarle el sentido detrás de cada situación y frase que se presenta. Los hermanos Cohen son muy originales y en esta oportunidad lo demostraron arduamente. Para ver, entender, reflexionar y observar con detenimiento. Cine de calidad.

UNA ESCENA A DESTACAR: la historia del dentista y el análisis posterior

Desde Mi Cielo - The Lovely Bones (2009)

Martin — Mon, 01 Mar 2010 20:18:27 +0000

EL ASESINATO DE LA LIBERTAD (6 Buena)
Por Martín Morales
Si bien esta película no es una réplica exacta de la novela homónima escrita por Alice Sebold, mantiene un nivel de respeto y coherencia con la misma, creando así una fiel adaptación, difícil de ver y entender.
La historia se centra en la vida de Susie Salmon, una adolescente de 14 años que cuenta su experiencia de vida luego de ser asesinada y encontrarse en el curioso camino que lleva al cielo.
Esta es una cinta muy diferente a todas las antes vistas del mismo género, donde se mezcla el suspenso policial con la fantasía. Es un relato complicado de ver, más teniendo en cuenta que la protagonista está muerta y su voz en off contando lo sucedido puede llegar a sonar ridículo al público desde un principio.
La cinta va viajando e introduciendo dos tipos diferentes de narración, por un lado el policial que conlleva a la búsqueda del asesino de Sussy y las reacciones de los padres a dicho suceso y por otro lado la narración de la protagonista desde el más allá. Aunque suene extraño, ya que el asesinato tiene muchas escenas en pantalla, el centro de la cinta es la segunda parte y gracias al muy bien logrado final, idéntico a la novela, este sentido logra entenderse y fundamentarse. No estamos frente a una historia de venganza ni de muerte, aunque lo parezca, estamos frente a una expresión diferente sobre la libertad y el amor, llena de metáforas y deducciones algo chocantes pero bellísimas.
Las actuaciones son excelentes. Saoirse Ronan logra un trabajo estupendo con su personaje, le brinda la dulzura y la seriedad en los momentos justos y hace que cada una de sus escenas posea un aura especial. Stanley Tucci, en un papel muy complicado, está perfecto. Sus miradas, su inquietud, su soledad y su despliegue de desconfianza en el espectador están desarrolladas perfectamente en la historia. Un trabajo escalofriante de dicho actor. Los padres, Rachel Weisz y Mark Wahlberg, están correctos, los momentos en los que ellos se enteran de lo sucedido y cada una sus reacciones están muy bien mimetizadas en sus acciones.
Peter Jackson lleva adelante esta obra mostrando en todo momento escenas y situaciones totalmente contrapuestas, que le brindan a la historia una fuerza exquisita, ejemplo claro la escena cerca del final en el pozo, una metáfora hermosa pero muy cruda a la vez. A su vez, invoca a la cámara fija en las escenas complicadas, otorgándole una potencia mayor a la cinta, los ángulos de las mismas son innovadores y muy sorpresivos mientras los minutos van pasando; se manejan perfectamente los silencios y las pausas argumentales y se crea una atmósfera increíble en dos momentos icono de la novela, la muerte de la protagonista, al principio y una resolución al final.
Esta es una película difícil de ver, complicada y muy distinta, que disfrutarán en su plenitud quienes hayan leído las páginas escritas por Alice Sebold y que tendrá opiniones diversas entre los espectadores que recién descubren la historia. Pero en definitiva es otro acierto de Jackson, una fábula hermosa sobre la libertad, la emoción y las ganas de vivir. Con un elenco que se destaca en todo momento y un uso delicado de los efectos especiales, esta es una película vale la pena ser vista para así sacar sus propias conclusiones.

UNA ESCENA A DESTACAR: final en el pozo

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus - The Imaginarium of Dc. Parnassus (2009)

Martin — Sat, 27 Feb 2010 20:48:47 +0000

EL CAOS DE LA IMAGINACION (6 buena)
Por Martín Morales
Hay películas que se destacan por presentar un argumento complicado pero deslumbrante, hay otras que triunfan por su simplicidad y otras que con originalidad logran salirse del género introducido para impregnarse de diferentes características. Pero, hay otras que sin tener un desarrollo cronológico importante o difícil atraen por ser distintas, por mostrar algo de la esencia del cine arte y por invocar una locura imaginativa que se destaca en todo momento. Esto último sucede con esta cinta.
El Dr. Parnassus es un anciano que logró hacer un pacto con el diablo a cambio de poseer la vida eterna. Cansado, agobiado y sin nada de qué comer, decide junto con su hija, Valentina, y sus amigos Percy y Anton, llevar adelante un excéntrico show callejero en donde invita a sus espectadores a dar un viaje por sus sueños y así poder ganar dinero. Una última apuesta con el Rey del infierno y la llegada de un misterioso personaje van a ser los conflictos por los que ellos van a tener que pasar y tratar de solucionar.
Se podría decir que dentro de este film hay dos totalmente diferentes: la realidad y los sueños. Estas dos partes se complementan pero presentan un desarrollo totalmente distinto.
En la realidad los personajes deben luchar con el hambre, la suciedad, la originalidad, la vida y la ambición por vivir dentro de una familia tipo. Es aquí donde se plantean los problemas y donde algunos de ellos se solucionan, donde aparecen interesantes personajes y actuaciones increíbles. Pero también es el lugar donde van apareciendo las incoherencias, los saltos abruptos en la narración y una historia muy sencilla que no da lugar a las sorpresas y se deja dominar por la previsibilidad. Teniendo esto en cuenta, la primera mitad de narración se vuelve algo tediosa ya que el problema no logra explicarse con fundamentaciones y no se va a ningún lado cronológicamente.
Pero es allí donde va apareciendo el otro costado de la película y donde las cosas empiezan a mejorar. Cada vez que un personaje entra al espejo del Doctor Parnassus, donde la imaginación cobra sentido y donde lo subrealista es el principal protagonista, uno siente estar viendo otra película separada a la antes planteada. Los colores cambian, los diseños de los decorados son diferentes y las sorpresas son el principal atractivo. Hay muchísimas situaciones para pensar, mucha filosofía mezclada con los hechos principales de la cinta. Es allí donde el espectador debe empezar a seleccionar y disfrutar del festín de ridiculeces que van apareciendo y tratar de que las mismas cobren sentido.
Por el lado actoral Christopher Plummer (Parnassus) hace un trabajo muy bueno, sus momentos finales y principalmente sus charlas con el diablo son majestuosas. Tom Waits (Mr. Nick) es quien encarna al mejor personaje de toda la cinta y su actuación es perfecta. Heath Ledger (Tony), aunque no es su mejor actuación por momentos logra sacar las luces que tanto lo caracterizaron en “The Dark Knight”, para así darle identidad propia a su personaje. Quienes lograron un trabajo muy bueno son los tres actores (Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell) quienes reemplazaron al fallecido actor y lograron captar la esencia que el mismo había generado en Tony. Excelente labor de actuación.
Por el lado técnico el film es bellísimo, el vestuario diferente, sucio y coherente a la locura que desborda del guión; la edición correcta; los efectos especiales cobran protagonismo en los sueños, muy bien implementados por cierto; la música acompaña muy bien el desarrollo y la dirección difícil pero satisfactoria.
Si bien en la primera mitad la historia no va para ningún lado, el inventivo y el disfrute de la última media hora merecen que esta cinta sea vista y disfrutada. Un film raro, caótico en su desarrollo y planteamientos, diferente y muy original. Una propuesta para pensar y disfrutar, que a la vez es un pequeño tributo al fallecido Heath Ledger, uno de los más interesantes actores de su generación.

UNA ESCENA A DESTACAR: la aparición de Depp y el musical de los policías

Al Filo de la Oscuridad - Edge of Darkness (2010)

Martin — Thu, 25 Feb 2010 20:54:56 +0000

BUSCANDO UNA VERDAD (6 buena)
Por Martín Morales
Pese a que la temática general que invade el guión de esta película no sea del todo original: la venganza de un policía tras la muerte de su hija, la misma logra destacarse por su intrincado desarrollo, sus muy bien dirigidas escenas de suspenso y las vueltas de tuerca, aunque no son sorprendentes, que simplifican el trabajo del espectador al tratar de entender la historia.
Thomas Craven es un policía que vive solo y que repentinamente debe lidiar con la visita de su hija. Ella, con vómitos, dolores corporales y actitudes sospechosas, va a ser el centro de la mira de un grupo de personas que deciden terminar con su vida y principalmente va a ser dueña de una realidad que nunca pudo revelar personalmente. Es el padre quien ahora decide investigar su muerte y tratar de reconstruir los últimos días en la vida de Emma.
Teniendo como fuente primaria el género policial y entrando en muchas oportunidades a las bases de dicha temática, esta es una historia complicada de entender desde un principio. Las pistas y las explicaciones se conectan de una manera muy extraña, no se dan explicaciones arduas sobre lo que está sucediendo y no se introducen profundamente diferentes personajes secundarios importantes en el caso. Pero ese es el objetivo de esta cinta, ya que todo lo planteado en la narración tiene sentido y una solución fundamentada casi terminada la proyección. Todos los nudos se desatan y todo lo antes no explicado posee una justificación, y es allí donde esta película triunfa.
Se homogeiniza muy correctamente el drama familiar y los sentimientos del protagonistas con el caso policial, los pasos que va dando Thomas son coherentes y en muchas oportunidades se crea un suspenso muy bien logrado que ayuda a que se vayan planteando los principales sospechosos y desenmascarando otros.
Las actuaciones son correctas y sin tener un destaque prominente ni meritorio, cada una de ellas satisface las necesidades del guión. Mel Gibson está muy correcto, deja de lado sus desbordes actorales y se compenetra, en muchas oportunidades, en la piel del padre dolido. Ray Winstone es quien más se destaca dentro del elenco, en un papel complicado y muy misterioso, pero que presenta los mejores diálogos del guión y es quien en todo momento genera en el espectador una desconfianza muy bien lograda. Danny Huston, en el papel de Bennett, sobreactuado y poco creíble, al igual que Shawn Roberts, el novio de Emma.
Si bien hay tomas dudosas, alucinaciones por parte de Thomas poco emocionantes y algo fuera de lugar con respecto al género policial, personajes innecesarios y escenas algo largas, hay diferentes situaciones que valen la pena ser destacadas por la manera en la que fueron encaminadas.
Primero que nada la muerte de Emma y el misterio por lo que ella le estaba por decir a su padre justo antes de morir (los primeros 5 minutos de la cinta), mantiene el suspenso en todo el transcurso de la narración, hasta obviamente el momento en el que todo se resuelve. Algunos flashbacks y sueños ayudan a que dicho efecto cobre importancia.
Y segundo, diferentes escenas que remiten a los clásicos italianos del género, tal como las persecuciones y los discursos en ronda (final), que le dan un toque de seriedad y credibilidad impecable al film.
Esta película tiene errores, incoherencias y lamentablemente no se aleja de muchas otras películas del género, pero entretiene y mantiene al espectador atento al tratar de deducir qué está sucediendo en pantalla. Un correcto film de suspenso, una propuesta para debatir y por sobretodo deducir integramente.

UNA ESCENA A DESTACAR: el final según Jedburgh

The Cove (2009)

Martin — Wed, 24 Feb 2010 19:45:03 +0000

UNA REALIDAD QUE DUELE (9 muy buena)
Por Martín Morales
La matanza de ballenas con el fin de cubrir diferentes sectores económicos es y será una de las problemáticas por la que muchas organizaciones mundiales han peleado en el pasado y lo hacen en el presente. Este film se centra en un lugar específico del planeta, donde miles y miles de delfines son masacrados por año y donde dichas organizaciones no se atreven a entrar, ignoran y esconden del conocimiento público.
Richard O’Barry, reconocido entrenador de delfines y responsable de la captura de las cinco hembras que le dieron vida a Flipper, luego de un acontecimiento que le marcaría el rumbo de su vida, decide llegar hacia la costa de Taiji, ciudad de Japón conocida por sus famosos museos y centros acuáticos, donde miles de animales son matados por año, para tratar de terminar con dichos acontecimientos y mostrar la cruel realidad que la política y la economía alejan del público.
La cinta mezcla dos tipos narrativos, la tradicional manera de contar los hechos documentados, invocando entrevistas, contradicciones entre las figuras públicas, cámaras ocultas en la ropa del “protagonista”, etc; y un estilo propio del cine de suspenso, que le otorga un movimiento increíble a la historia y que principalmente funciona como puente entre el hecho concreto y la emoción directa dirigida hacia el espectador para así llegar a la reflexión. Ambos métodos son utilizados perfecta y convincentemente.
Esta es una historia fuerte, donde se manejan muy bien cada uno de los tiempos, las pausas son muy emocionales, los relatos de las personas involucradas en dicha misión quiebran al espectador y las imágenes, que poco a poco se van intensificando, son la prueba justa y necesaria para que una vez terminada la proyección el público se sienta conmovido y principalmente para que apoye la causa planteada en la cinta. Hay escenas muy fuertes, sonidos demoledores, y contradicciones visuales y vocales entre cada uno de los políticos que ponen en evidencia sus intenciones.
El eje obviamente es la matanza de dichos animales, pero también se tocan otros temas, como la enfermedad, la mentira y la contaminación que complementan los argumentos mostrados.
Una imagen dice más que mil palabras, y aquí está totalmente comprobado. Los minutos finales expresan esa idea, Richard quería que sus tomas fuesen sensoriales, que uno al presenciarlas sienta como esa barrera humana nos impide estar en libertad; como gritamos para llamar la atención, mientras que los demás piensan que estamos felices; como nos separan de nuestros hijos y como nos matan sin piedad alguna, como si nosotros mismos fuéramos los delfines. Ese efecto se logró perfectamente y la emoción de los últimos 15 minutos es abrumadora.
“The Cove” es un documental diferente, fuerte, muy bien musicalizado y dirigido. Se va directamente al objetivo y todas las intenciones son exquisitamente fundamentadas. Una cinta conmovedora, que produce vergüenza ajena y llena los ojos de lágrimas.
“Esto va a continuar solo si nosotros no lo detenemos”, esta es una frase que se presenta en la cinta. Solo cuesta pensar dos veces a la hora de pagar una entrada para ver un show de delfines saltando y “riéndose”. Con solo eso basta.

UNA ESCENA A DESTACAR: el crudo final y cada una de las misiones.