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2010 February

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February 27, 2010

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus – The Imaginarium of Dc. Parnassus (2009)

EL CAOS DE LA IMAGINACION (6 buena)
Por Martín Morales
Hay películas que se destacan por presentar un argumento complicado pero deslumbrante, hay otras que triunfan por su simplicidad y otras que con originalidad logran salirse del género introducido para impregnarse de diferentes características. Pero, hay otras que sin tener un desarrollo cronológico importante o difícil atraen por ser distintas, por mostrar algo de la esencia del cine arte y por invocar una locura imaginativa que se destaca en todo momento. Esto último sucede con esta cinta.
El Dr. Parnassus es un anciano que logró hacer un pacto con el diablo a cambio de poseer la vida eterna. Cansado, agobiado y sin nada de qué comer, decide junto con su hija, Valentina, y sus amigos Percy y Anton, llevar adelante un excéntrico show callejero en donde invita a sus espectadores a dar un viaje por sus sueños y así poder ganar dinero. Una última apuesta con el Rey del infierno y la llegada de un misterioso personaje van a ser los conflictos por los que ellos van a tener que pasar y tratar de solucionar.
Se podría decir que dentro de este film hay dos totalmente diferentes: la realidad y los sueños. Estas dos partes se complementan pero presentan un desarrollo totalmente distinto.
En la realidad los personajes deben luchar con el hambre, la suciedad, la originalidad, la vida y la ambición por vivir dentro de una familia tipo. Es aquí donde se plantean los problemas y donde algunos de ellos se solucionan, donde aparecen interesantes personajes y actuaciones increíbles. Pero también es el lugar donde van apareciendo las incoherencias, los saltos abruptos en la narración y una historia muy sencilla que no da lugar a las sorpresas y se deja dominar por la previsibilidad. Teniendo esto en cuenta, la primera mitad de narración se vuelve algo tediosa ya que el problema no logra explicarse con fundamentaciones y no se va a ningún lado cronológicamente.
Pero es allí donde va apareciendo el otro costado de la película y donde las cosas empiezan a mejorar. Cada vez que un personaje entra al espejo del Doctor Parnassus, donde la imaginación cobra sentido y donde lo subrealista es el principal protagonista, uno siente estar viendo otra película separada a la antes planteada. Los colores cambian, los diseños de los decorados son diferentes y las sorpresas son el principal atractivo. Hay muchísimas situaciones para pensar, mucha filosofía mezclada con los hechos principales de la cinta. Es allí donde el espectador debe empezar a seleccionar y disfrutar del festín de ridiculeces que van apareciendo y tratar de que las mismas cobren sentido.
Por el lado actoral Christopher Plummer (Parnassus) hace un trabajo muy bueno, sus momentos finales y principalmente sus charlas con el diablo son majestuosas. Tom Waits (Mr. Nick) es quien encarna al mejor personaje de toda la cinta y su actuación es perfecta. Heath Ledger (Tony), aunque no es su mejor actuación por momentos logra sacar las luces que tanto lo caracterizaron en “The Dark Knight”, para así darle identidad propia a su personaje. Quienes lograron un trabajo muy bueno son los tres actores (Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell) quienes reemplazaron al fallecido actor y lograron captar la esencia que el mismo había generado en Tony. Excelente labor de actuación.
Por el lado técnico el film es bellísimo, el vestuario diferente, sucio y coherente a la locura que desborda del guión; la edición correcta; los efectos especiales cobran protagonismo en los sueños, muy bien implementados por cierto; la música acompaña muy bien el desarrollo y la dirección difícil pero satisfactoria.
Si bien en la primera mitad la historia no va para ningún lado, el inventivo y el disfrute de la última media hora merecen que esta cinta sea vista y disfrutada. Un film raro, caótico en su desarrollo y planteamientos, diferente y muy original. Una propuesta para pensar y disfrutar, que a la vez es un pequeño tributo al fallecido Heath Ledger, uno de los más interesantes actores de su generación.

UNA ESCENA A DESTACAR: la aparición de Depp y el musical de los policías

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February 25, 2010

Al Filo de la Oscuridad – Edge of Darkness (2010)

BUSCANDO UNA VERDAD (6 buena)
Por Martín Morales
Pese a que la temática general que invade el guión de esta película no sea del todo original: la venganza de un policía tras la muerte de su hija, la misma logra destacarse por su intrincado desarrollo, sus muy bien dirigidas escenas de suspenso y las vueltas de tuerca, aunque no son sorprendentes, que simplifican el trabajo del espectador al tratar de entender la historia.
Thomas Craven es un policía que vive solo y que repentinamente debe lidiar con la visita de su hija. Ella, con vómitos, dolores corporales y actitudes sospechosas, va a ser el centro de la mira de un grupo de personas que deciden terminar con su vida y principalmente va a ser dueña de una realidad que nunca pudo revelar personalmente. Es el padre quien ahora decide investigar su muerte y tratar de reconstruir los últimos días en la vida de Emma.
Teniendo como fuente primaria el género policial y entrando en muchas oportunidades a las bases de dicha temática, esta es una historia complicada de entender desde un principio. Las pistas y las explicaciones se conectan de una manera muy extraña, no se dan explicaciones arduas sobre lo que está sucediendo y no se introducen profundamente diferentes personajes secundarios importantes en el caso. Pero ese es el objetivo de esta cinta, ya que todo lo planteado en la narración tiene sentido y una solución fundamentada casi terminada la proyección. Todos los nudos se desatan y todo lo antes no explicado posee una justificación, y es allí donde esta película triunfa.
Se homogeiniza muy correctamente el drama familiar y los sentimientos del protagonistas con el caso policial, los pasos que va dando Thomas son coherentes y en muchas oportunidades se crea un suspenso muy bien logrado que ayuda a que se vayan planteando los principales sospechosos y desenmascarando otros.
Las actuaciones son correctas y sin tener un destaque prominente ni meritorio, cada una de ellas satisface las necesidades del guión. Mel Gibson está muy correcto, deja de lado sus desbordes actorales y se compenetra, en muchas oportunidades, en la piel del padre dolido. Ray Winstone es quien más se destaca dentro del elenco, en un papel complicado y muy misterioso, pero que presenta los mejores diálogos del guión y es quien en todo momento genera en el espectador una desconfianza muy bien lograda. Danny Huston, en el papel de Bennett, sobreactuado y poco creíble, al igual que Shawn Roberts, el novio de Emma.
Si bien hay tomas dudosas, alucinaciones por parte de Thomas poco emocionantes y algo fuera de lugar con respecto al género policial, personajes innecesarios y escenas algo largas, hay diferentes situaciones que valen la pena ser destacadas por la manera en la que fueron encaminadas.
Primero que nada la muerte de Emma y el misterio por lo que ella le estaba por decir a su padre justo antes de morir (los primeros 5 minutos de la cinta), mantiene el suspenso en todo el transcurso de la narración, hasta obviamente el momento en el que todo se resuelve. Algunos flashbacks y sueños ayudan a que dicho efecto cobre importancia.
Y segundo, diferentes escenas que remiten a los clásicos italianos del género, tal como las persecuciones y los discursos en ronda (final), que le dan un toque de seriedad y credibilidad impecable al film.
Esta película tiene errores, incoherencias y lamentablemente no se aleja de muchas otras películas del género, pero entretiene y mantiene al espectador atento al tratar de deducir qué está sucediendo en pantalla. Un correcto film de suspenso, una propuesta para debatir y por sobretodo deducir integramente.

UNA ESCENA A DESTACAR: el final según Jedburgh

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February 24, 2010

The Cove (2009)

UNA REALIDAD QUE DUELE (9 muy buena)
Por Martín Morales
La matanza de ballenas con el fin de cubrir diferentes sectores económicos es y será una de las problemáticas por la que muchas organizaciones mundiales han peleado en el pasado y lo hacen en el presente. Este film se centra en un lugar específico del planeta, donde miles y miles de delfines son masacrados por año y donde dichas organizaciones no se atreven a entrar, ignoran y esconden del conocimiento público.
Richard O’Barry, reconocido entrenador de delfines y responsable de la captura de las cinco hembras que le dieron vida a Flipper, luego de un acontecimiento que le marcaría el rumbo de su vida, decide llegar hacia la costa de Taiji, ciudad de Japón conocida por sus famosos museos y centros acuáticos, donde miles de animales son matados por año, para tratar de terminar con dichos acontecimientos y mostrar la cruel realidad que la política y la economía alejan del público.
La cinta mezcla dos tipos narrativos, la tradicional manera de contar los hechos documentados, invocando entrevistas, contradicciones entre las figuras públicas, cámaras ocultas en la ropa del “protagonista”, etc; y un estilo propio del cine de suspenso, que le otorga un movimiento increíble a la historia y que principalmente funciona como puente entre el hecho concreto y la emoción directa dirigida hacia el espectador para así llegar a la reflexión. Ambos métodos son utilizados perfecta y convincentemente.
Esta es una historia fuerte, donde se manejan muy bien cada uno de los tiempos, las pausas son muy emocionales, los relatos de las personas involucradas en dicha misión quiebran al espectador y las imágenes, que poco a poco se van intensificando, son la prueba justa y necesaria para que una vez terminada la proyección el público se sienta conmovido y principalmente para que apoye la causa planteada en la cinta. Hay escenas muy fuertes, sonidos demoledores, y contradicciones visuales y vocales entre cada uno de los políticos que ponen en evidencia sus intenciones.
El eje obviamente es la matanza de dichos animales, pero también se tocan otros temas, como la enfermedad, la mentira y la contaminación que complementan los argumentos mostrados.
Una imagen dice más que mil palabras, y aquí está totalmente comprobado. Los minutos finales expresan esa idea, Richard quería que sus tomas fuesen sensoriales, que uno al presenciarlas sienta como esa barrera humana nos impide estar en libertad; como gritamos para llamar la atención, mientras que los demás piensan que estamos felices; como nos separan de nuestros hijos y como nos matan sin piedad alguna, como si nosotros mismos fuéramos los delfines. Ese efecto se logró perfectamente y la emoción de los últimos 15 minutos es abrumadora.
“The Cove” es un documental diferente, fuerte, muy bien musicalizado y dirigido. Se va directamente al objetivo y todas las intenciones son exquisitamente fundamentadas. Una cinta conmovedora, que produce vergüenza ajena y llena los ojos de lágrimas.
“Esto va a continuar solo si nosotros no lo detenemos”, esta es una frase que se presenta en la cinta. Solo cuesta pensar dos veces a la hora de pagar una entrada para ver un show de delfines saltando y “riéndose”. Con solo eso basta.

UNA ESCENA A DESTACAR: el crudo final y cada una de las misiones.

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February 23, 2010

El Secreto de Kells – The Secret of Kells (2009)

LA BELLEZA Y LA ANIMACION (8 muy buena)
Por Martín Morales
Al igual que el último film de Hayao Miyazaki, “Ponyo”, en esta oportunidad se presenta un atractivo superior al guión, pero sin restarle importancia, que es la técnica de animación utilizada para presentar la historia. En el film antes mencionado el trabajo manual fue excelente, cada pincelada dotó al relato de la emoción y la ambientación justa (la gran tormenta) y en esta nueva cinta la labor manual de dibujo no solo le aporta brillo, sino que la adorna de una belleza inmaculada, una imaginación sorprendente y una originalidad maravillosa.
Brendan es un niño huérfago que vive en Kells, una pequeña aldea que está construyendo un gran mural para poder protegerse de la llegada de los vikingos. Este muchacho va a ser el encargado de terminar de dibujar uno de los libros más importantes en la historia de la Edad Media y para ello va a tener que ir superando diferentes retos en los que la fantasía y la realidad juegan por ser ganadores.
La historia es muy sencilla, no hay vueltas de tuerca importantes ni situaciones que traten de confundir al espectador, todo se desarrolla de una manera muy lineal y explicativa, otorgándole los tiempos necesarios a cada una de las problemáticas para que sean introducidas y concluidas coherentemente. Esto mismo sucede con los personajes, los cuales logran presentarle sus intenciones, cualidades y debilidades perfectamente al espectador. Excelente trabajo de caracterización y principalmente de los actores que le proporcionaron las voces a cada uno de ellos.
Sin duda alguna el gran fuerte de esta cinta es la animación. Belleza, originalidad y un colorido magnífico van adornando cada uno de los fotogramas, que, ni bien empiezan a moverse van creando un mundo paralelo de fantasía, amor, dedicación y admiración. El director se atreve a darle un giro a la técnica; se presentan varias escenas en pantalla al mismo tiempo; se juegan con los marcos, aclarando que lo que se está viendo es un sueño o una alucinación; se plantean movimientos de profundidad bellísimos y principalmente un diseño artístico impresionante. Los árboles, las ramas, las hojas, las paredes pintadas, los dibujos, el diseño del libro de Kells (muy respetado, por cierto), los lobos, los vikingos, las diferencias de colores diferenciando la paz de la guerra, Aisling (un maravilloso personaje), el bosque, la escena en la que el protagonista va en busca del ojo, todo esto presenta una belleza artística impresionante, pocas veces visto con tal profundidad y éxito.
La música es otro de los factores que ayudan a que se genere la atmósfera de aventuras, miedo, guerra o amor necesaria. Mezclando violines y guitarras, la banda sonora es la segunda gran protagonista de esta cinta.
Si bien la historia afloja un poco hacia el final, concluyendo demasiado rápido y de manera previsible, “The Secret of Kells” satisface y deslumbra visualmente. Una cinta preciosa, diferente, original y admirable. Una obra artística que no hay que dejar de ver y disfrutar. Belleza y dedicación son las dos palabras que resumen esta experiencia cinematográfica.

UNA ESCENA A DETACAR: cada uno de los sueños, y el pantallazo final hacia el libro

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February 19, 2010

Percy Jackson y el Ladrón del Rayo – Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief (2010)

DIOSES VS SEMIDIOSES (5 regular)
Por Martín Morales
La idea que remite a la permanencia en el tiempo de los Dioses griegos hasta la fecha es muy atractiva, no solo porque se entra en el juego de la mitología y la realidad, sino porque en cierta manera la originalidad está presente y el inventivo imaginativo de los guionistas es mucho mayor. Lamentablemente esta cuestión esta totalmente desaprovechada en esta película que, regularmente dirigida, logra entretener sin permitirse desarrollar una base profunda como para seguir produciendo secuelas.
El rayo de Zeus ha sido robado y Percy, hijo de Poseidón, es el principal sospechoso de haberlo hecho. Este muchacho va a tratar de convencer a Hades de que él no es el ladrón para así poder liberar a su madre que ha sido raptada en el infierno.
Como adaptación de la novela homónima la cinta es muy regular, hay cuestiones que no se explican, hechos importantes que se pasan por alto, desarrollos muy superficiales y escenas totalmente cambiadas. Los personajes poseen una identidad diferente, sin emoción ni identidad propia. Es así como las actuaciones van de la mano del guión pero poco tienen que ver con las personas desarrolladas en el libro. Logan Lerman (Percy), está bien por momentos, pero su incorrecta dirección no le deja explorar el lado sentimental de su personaje, no se le da lugar a que salga del aventurero que repentinamente aprendió a ser.
El principal error de esta cinta es que es muy corta, lo que hace que se junten todos los pasajes y no se desarrollen otros más importantes para el entendimiento de la historia. Percy pasa de ser un adolescente con problemas de atención a un héroe medieval en tan solo cinco minutos, derrota a un minotauro casi con los ojos cerrados y entiende todo su pasado extremadamente rápido. No se permiten tiempos narrativos para explicar y profundizar charlas importantes ni mucho menos para ver las reacciones del protagonista a las repentinas experiencias vividas al principio de la cinta. Hay escenas muy mal dirigidas, la “muerte” de la madre o el jardín de Medusa, carentes de emoción y del espíritu mitológico necesario, respectivamente.
Aquí el villano no aparece hasta casi finalizada la proyección, por lo que no se desarrolla ningún tipo de suspenso ni temor por lo que va a pasar, en cambio se van presentando mini jefes (Medusa – Hydra), como si se tratase de un videojuego, que los protagonistas deben derrotar para seguir adelante con su rapidísimo recorrido por Estados Unidos, curiosamente el lugar donde se encuentran todos los caminos hacia el Olympo y el Infierno.
Las escenas dentro del jardín de la tía Elm son humillantes, no solo porque destruyeron miticamente la figura de Medusa haciéndola la criatura más sencilla de decapitar de la historia del cine, sino porque no se aprovecharon los recursos fotográficos ni actorales de los protagonistas, entre los que se encuentra Uma Thurman. Esto mismo sucede en las tomas en Las Vegas, cuya duración pudo haber sido aprovechada para contar y especificar otras cuestiones paralelas importantes a las planteadas.
Los efectos especiales son buenos, ayudan a que la historia mantenga un ritmo coherente y entretenido, las peleas a espadas están muy mal coreografiadas, un tutor de esgrima con más experiencia fue el gran ausente en dichas tomas, la edición es correcta y el trabajo de Columbus en la dirección regular, poco sorprendente y decepcionante.
“Percy Jackson y el Ladrón del Rayo” es una película que desmerece la lectura de la novela escrita por Rick Riordan, aunque la misma sea mucho más profunda y explícita en sus intensiones. Una cinta que desaprovechó los dotes actorales de Pierce Brosnan y Uma Thurman. Un film entretenido, pasatista, incompleto, rápido y superficial. Una primera parte regular, otro de los claros ejemplos donde leer es mucho mejor que mirar.

UNA ESCENA A DESTACAR: Hydra

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February 18, 2010

El Hombre Lobo – The Wolfman (2010)

DEMASIADO HOMBRE Y POCO LOBO (4 puntos)
Por Martín Morales
Basada en el film de 1941, “El Hombre Lobo” es una película que se destaca por su ambientación y su tratamiento visual, pero que desmerece ser vista por su desprolijidad temporal, su desorden de edición y principalmente su carencia de suspenso y terror al ver a la mítica criatura en pantalla.
Luego de la misteriosa muerte de su hermano, Lawrence Talbot regresa a su pueblo natal para tratar de desenmascarar al responsable del dichoso acto. Una noche él va a ser mordido por un hombre lobo y va a convertirse en el centro de acusaciones luego de que, durante la luna llena, matase a una multitud de personas.
El film desarrolla aspectos visuales muy bien logrados. La ambientación es muy bella y acorde a la época en la que la historia transcurre, mezclando la rusticidad con el arduo detalle de la furnitura de cada mansión. Los efectos especiales, sin ser sorprendentes, cumplen con su cometido y ayudan a que dicha ambientación sea la indicada para la narración.
Las actuaciones son correctas, ninguno logra destacarse por su virtuosismo y sus personajes están plagados de incógnitas que el guión nunca se atreve a contar. Es por eso que, aunque el trabajo de los actores sea bueno, gracias al regular guión sus trabajos no son reconocidos y pasan a crear un desinterés muy grande en el espectador. Benicio del Toro interpreta a Lawrence Talbot, lleno de inexpresión y situaciones problemáticas mal dirigidas; Anthony Hopkins, su padre, es tan solo un personaje secundario importante sin identidad propia; Emily Blunt (Gwen), cuyo rol no es introducido correctamente y de quien no se especifican intensiones ni motivaciones.
Este es un film desprolijo cuya acción y desarrollo se basa principalmente en la aparición de cuatro lunas llenas. Se plantea un problema, hay una transformación a hombre lobo, se acelera el tiempo, todo se queda tal y como estaba, y una vez más se vuelve al comienzo, así continuamente. No hay un desarrollo del amor, del “villano”, del pueblo, del padre ni de la infancia de Lawrence (solo unos pocos flashbacks).
Las escenas de suspenso son mínimas y previsibles, pero el gran error de esta película recae en lo que le da nombre a la misma, el hombre lobo. Una de las características que predominaban en el film de 1941 era que en cada aparición de la famosa criatura el espectador se sentía inseguro porque no se podía prever qué estaba por suceder y principalmente se creaba una atmósfera de terror y misterio que convertían a este monstruo en algo poderoso, invensible y temerario. Aquí sucede todo lo contrario, esta criatura no causa escalofríos, sus actos son previsibles y desarrolla uno de los peores y más ridículos finales (pelea) que no solo le quitan toda personalidad posible, sino que lo convierten en otro juguete destruido por la falta de originalidad y dedicación.
“El Hombre Lobo” es un film correcto desde sus aspectos visuales, pero incompleto, corto, previsible, incoherente, mal editado y regularmente dirigido. Denlen un vistazo a la creación de George Waggner en 1941 que esa si es una cita infaltable para todo fanático del género.

UNA ESCENA A DESTACAR: la escena inicial

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February 13, 2010

La Cinta Blanca – The White Ribbon (2009)

LAS DESDICHADAS TRAGEDIAS DE UN PUEBLO ALEMAN (9 muy buena)
Por Martín Morales
Narrada en blanco y negro, “La Cinta Blanca” es una película que desarrolla un detallismo artístico impresionante, una cálida pero abrumadora dirección y una bellísima fotografía, los condimentos justos para que las tragedias que se van presentando en la historia cobren fuerza, verosimilitud y profundidad.
En una pequeña aldea alemana una serie de violentos acontecimientos van a ser el centro de atención de todos sus pobladores. Niños abusados, accidentes intencionales, suicidios y un gran misterio por saber quién es el responsable de dichos golpes, son el centro de atención de todos los aldeanos.
Esta es una historia trágica, de muerte, desencuentros y violencia, pero a la vez es uno de los tantos relatos ficticios o verídicos, eso no se sabe, que forman parte de la antesala a la Primera Guerra Mundial, y, sin mantener una idea política marcada, la misma es contada con excelencia, astucia y principalmente delicadeza.
El blanco y negro no solo nos hace sentir que estamos viendo un archivo histórico, sino que potencia en cierta manera las diferentes situaciones que se van presentado. Es así como cada uno de los juegos que se realizan con la iluminación y la escenografía marcan las intenciones del director que le aportan otro grado superior de belleza y un dramatismo increíble. La fotografía no solo cumple con su función de lograr crear la ambientación perfecta para que la historia se entienda y sea creíble sino que se destaca por ser precisa en cada uno de sus objetivos y muy bella, otorgándose el lugar, en cada una de las escenas narradas en primera persona por el profesor, de lucirse y de crear admiración.
El trabajo de Haneke es muy detallista. Cada vestimenta, objeto, expresión, movimiento y silencio tiene su justificación y gracias a su sofisticado trabajo los 144 minutos de duración son los justos y necesarios.
La labor de cada uno de los actores y actrices es maravilloso ya que les brindaron a sus personajes identidad, dolor, alegría y mucha seriedad. Christian Friedel, en el rol del profesor, está muy correcto, cada uno de los pasajes en los que demuestra su amor y luego su desconfianza cerca del final, están muy bien interpretados. Leonie Benesch dota a Eva de inocencia y de un espectacular trabajo emocional, donde sus silencios y gestos valen más que las palabras que no se atreva a decir por respeto. Burghart Klaußner (pastor) en un excelente y potente personaje, duro y por momentos sentimental, muy buena interpretación. Rainer Bock, como el doctor, quien se destaca cerca el final por su crudeza. A su vez, vale la pena destacar las actuaciones de los protagonistas de la historia, los niños, que gracias a la impecable labor de dirección, lograron darle mucha dulzura pero a la vez desconfianza a sus personajes. Entre ellos se destacan Thibault Sérié (Gustav), quien con sus pocas palabras logra enternecer y principalmente hacer pensar a los más grandes (escena del pajarito) y Leonard Proxauf (Martin), serio, correcto y miedoso.
Hay situaciones que se cierran y otras, muchas, que no, por lo que el final abierto aparece y da el primer paso para que el público logre sacar sus propias conclusiones y arme poco a poco este gran rompecabezas.
“La Cinta Blanca” es una película muy bien dirigida y aunque no es el mejor trabajo de Haneke este es para recomendar. Una cinta con actuaciones muy bien niveladas, una fotografía exquisita y una historia diferente, astuta e inteligente. Un relato para pensar, sacar conclusiones y volver a mirar.

UNA ESCENA A DESTACAR: Las escenas en las que Gustav pide permiso para entrar al despacho de su padre y pedirle favores son maravillosas y poseen un sentido metafórico bellísimo.

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February 12, 2010

La Propuesta – The Proposal (2009)

REALIDAD VS LA MENTIRA (5 REGULAR)
Por Martín Morales
Los casamientos fingidos, forzados o mentirosos han sido protagonistas en muchas oportunidades de las comedias románticas, el ejemplo más próximo es el de “Música en Espera”, por lo que tratar de innovar en dichos planteos se torna un poco complicado. Aquí no solo se introduce una vez más esta cuestión, sino que se adereza el relato con un humor tonto y repetitivo por momentos y un guión muy poco original, cuyas vueltas de tuerca carecen de sorpresa y asombro.
Una reconocida editora decide poner en un gran compromiso a su asistente luego de enterarse de que iba a ser reportada del país. Ambos, mediante un acuerdo mutuo, deciden planear un falso matrimonio para quebrantar la ley y salir beneficiados del asunto.
Luego de una correcta introducción de los dos protagonistas y de sus personalidades, presentadas de una manera muy exagerada, el film se centra en los conflictos y desencuentros entre la pareja y los familiares de Andrew, el novio.
Cada personaje tiene su personalidad y esa es una de las cualidades más ricas y a la vez problemáticas de esta cinta. Los estereotipos aparecen y se apoderan del relato: la mujer con una infancia complicada que siempre mira la realidad de una manera problemática y con poca esperanza; la abuela energética; la madre conciliadora; el padre desconfiado que no permite el crecimiento de su hijo; la ex-novia que sigue enamorada; el perro desaforado por las visitas, etc. Pero estas personalidades, aunque sean repetidas y poco originales, permiten que la película se disfrute al máximo y que cada situación humorística este muy medida y acorde a las circunstancias.
Sandra Bullock intepreta de manera muy correcta su personaje, lo dota de personalidad y poca simpatía y aunque por momentos el mismo parezca una copia de Miranda Priestly de “El Diablo viste a la Moda”, luego de sus encontronazos con sus empleados y de mostrar su verdadera identidad, las diferencias son notables. El acento canadiense le juega una muy mala pasada a la actriz, al igual que cada una de las escenas en la que ella decide tratar de involucrarse con la familia, muy regularmente actuadas. Ryan Reynolds está bien por momentos, su intepretación no logra salirse del personaje pero está correcto y acorde a las necesidades del guión.
El gran problema de esta película es, además de lo antes planteado, el rumbo en el que se decidió llevar adelante la narración. Este está dotado de mucha previsibilidad y por sobretodo de poca verosimilitud. Hay actitudes en la familia que parecen ir por un lado y que de repente cambian totalmente su trayecto, situaciones que solo logran crear efecto y entretenimiento, pero no profundidad.
“The Proposal” es un film entretenido, correctamente actuado y con algunas buenas escenas de humor. Una película que no logra destacarse, con un libreto regular, poco original y convencional. Una cinta pura y exclusivamente para el entretenimiento.

UNA ESCENA A DESTACAR:  perro vs ave

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February 8, 2010

Críticas de los Cortos Animados Nominados a los Oscars 2010

LA DAMA Y LA MUERTE
(7 PUNTOS – BUENO)
Cuenta los enredos entre la muerte y un médico al tratar de llevarse y salvar de la muerte, respectivamente, a una anciana que quiere rencontrarse con su difunto marido.
Con una animación detallista, colorida y muy audaz respecto a cada uno de los matices inventivos que van apareciendo mientras los minutos van pasando, este cortometraje logra crear un constante clima humorístico y sarcástico excelente desde su pequeño giro al comienzo.
El diseño de los personajes es simple pero bueno, se destaca cada uno de los movimientos de la muerte, sus desmembramientos y su potente guadaña que porta como una extremidad más. Las enfermeras que hacen todo lo posible por ayudar a su “patrón” y la anciana, muy caprichosa, que con solo una mirada logra conmover y sacarle una sonrisa al espectador.
El único problema es en cierta medida la originalidad, ya que la temática de las corridas tras un objetivo y principalmente el juego con los cajones, ya se han visto en muchísimas otras producciones del mismo estilo reiteradas veces.
Un film divertido, distinguido y con una música muy buena que acompaña cada segundo perfectamente. Un tributo a la imaginación y a la sencillez.

GRANNY O´GRIMM´S SLEEPING BEAUTY
(7 PUNTOS – BUENO)
La abuela de un pequeño y asustadizo niño decide contarle una inquietante historia antes de irse a dormir. Ella se va a sentir tan atraída por el cuento que le va a poner toda la energía posible como para que su nieto nunca se olvide del mismo.
Hay diferentes cuestiones que hacen de este corto una obra increíble llena de originalidad:
1) La historia. Los primeros segundos son de una gran importancia en el relato, no solo porque se introduce rápidamente a la pequeña víctima, sino porque con sus expresiones se da a conocer cúal es el futuro que vendrá. Luego de esto se van presentando secuencias llenas de sarcasmo, extrionismo y muchísima gracia, aderezadas de un trabajo de animación excelente, que mezcla dos técnicas que hacen de este relato muy oscuro y tenebroso.
2) La voz de la protagonista. Kathleen O’Rourke logró darle vida a la loca abuela y cada momento en los que ella sobresalta y se emociona con la historia fueron perfectamente interpretados por esta mujer. Excelente trabajo vocal.
3) La abuela y el hada vieja de la historia que ella cuenta no solo tienen en común los aspectos físicos, sino que en cierta manera comparten otro tipo de características, morales, que en ciertos discursos se expresan y principalmente cuando ella misma se mira al espejo se ven aclaradas y desarrolladas.
Este es un corto divertido, oscuro y muy simple, con un trabajo de animación muy bien logrado y un contraste entre escenas excelente.

FRENCH ROAST
(8 PUNTOS – MUY BUENO)
Un hombre de la alta sociedad está tomando un café en un bar cuando de repente un indigente le pide unas monedas. Decididamente le dice que se retire para disfrutar tranquilo de su tarde. Allí mismo se da cuenta que olvidó su billetera y que no tiene dinero para pagar su orden, él es quien ahora tiene que tratar de conseguir dinero para pagar su café.
Jugando con el humor de las expresiones y principalmente con el de las paredes del bar, este cortometraje se distingue no solo por ser una obra entretenida y retorcida, sino por ser conmovedora y reflexiva al final.
Los personajes poseen todos una identidad muy marcada. El protagonista tiene su bigote derechito, sus modales son para el reconocimiento, la manera de tomar la taza de café delata su finura y el habano remata su expresión de superioridad y desinterés. Todo esto se revierte en uno de los giros que la historia da y donde se expresa con total gratitud y excelencia una de las realidades sociales más comunes de hoy en día.
Los detalles son exquisitos, los cambios en la iluminación son el principal factor del paso del tiempo que nos ofrece la cinta y el continuo movimiento del fondo nos da la sensación de estar dentro del bar junto al personaje.
Muy bien logrados los climas de drama, humor y reflexión. Este es un cortometraje entretenido y diferente, cuyos detalles hacen del mismo una experiencia impecable visual y auditivamente. A no perdérselo.

WALLACE & GROMIT: A MATTER OF LOAF AND DEATH
(9 PUNTOS – MUY BUENO)
Aardman es indiscutiblemente la productora número 1 con respecto a la animación Stop-Motion. Todas sus producciones tienen su identidad, su aspecto, las huellas digitales de los animadores en los personajes, muestra de dedicación y trabajo. “Wallace & Gromit” y “Creature Comforts” son las series que le dieron popularidad y que lograron demostrar la increíble labor de los encargados detrás de las cámaras de esta productora. Con numerosos premios Oscar bajo el brazo y muchas nominaciones, este solitario personaje y su querido perro se han convertido en fuente de inspiración y en obras que valen la pena recordar, volver a ver y disfrutar.
En una presentación exclusiva para la BBC en época navideña, este corto animado, producido en un tiempo record, menos de un año de trabajo, rompió records de audiencia en el canal, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año. Este corto, de unos 29 minutos, es la primera animación que se hizo luego de la exitosa película “Wallace & Gromit: The curse of the Were-Rabbit”.
Ahora con una panadería familiar, estos dos personajes deben enfrentarse a un asesino de panaderos que anda suelto. Gromit, tras descubrir la identidad del matón, va a hacer todo lo posible por ayudar a su amo a salir de las garras del amor.
Las voces como siempre son increíbles. Se mantiene la sutiliza de Peter Sallis, en el papel de Wallace, y se encuentran todas las expresiones que fueron desarrolladas luego de haberse estrenado cada corto. Una de las maravillas de este mundo animado es la presencia de un personaje que no habla pero que dice muchas más cosas con sus expresiones que si tuviese la oportunidad de demostrarlas con palabras. Gromit es una de las indiscutibles joyas que esta productora pudo crear y una demostración de originalidad y arduo trabajo. La novedad de este corto es la presencia de dos personajes nuevos, Piella Bakewell y su perrita. La voz de la mujer, interpretada por Sally Lindsay, también está muy bien y su perrita poseen unos grandes momentos.
Como en todas las producciones de esta productora la gran característica que se hace presente es la introducción de escenas desopilantes, artefactos automáticos y una versatilidad e inteligencia por parte del perro que complemente la absurdidad de su amo. En esta oportunidad todo esto esta presente, en menor medida que en “The Wrong Trousers” o “A Close Shave”, pero presentes en definitiva. A su vez hay alusiones a grandes escenas del cine, así como a “Ghost”, momentos memorables.
La historia es totalmente diferente a las ya vistas anteriormente, acá Nick se jugo en presentar algo mas tenebroso y adulto, una historia de asesinos, obviamente infantil, pero misteriosa y tenebrosa. Algo increíble que le aporta mucha más frescura al relato.
Sin duda alguna estamos enfrente de uno de los grandes cortos del año. Una producción digna de una nominación a los Academy Awards y una demostración de simplicidad y originalidad que muchas productoras tienen ausente. Una pequeña gran obra, divertida y majestuosamente animada. Otro de los ejemplos por los que Aardman se lleva el galardón a la mejor productora de animación Stop-Motion.

LOGORAMA
(8 PUNTOS – MUY BUENA)
Una sátira de la realidad empresarial, económica y monopólica en la que todos vivimos tomada desde un ángulo muy sarcástico, humorístico y dramático si se lo piensa dos veces.
El corto se va centrando en diferentes miradas sobre el crimen y el desastre ambiental en la ciudad y alrededores, nombrando graficamente a muchísimas de las marcas que estamos acostumbrados a ver a diario por la ciudad.
Con una técnica de animación muy fluida y colorida y con la presentación de uno de los personajes icono de la alimentación express, Ronald Mac Donald, como si fuese el Guasón de Ciudad Gótica, el dramatismo y la inteligencia con la que se van introduciendo cada una de las insignias que representan a las empresas más reconocidas mundialmente es increíble.
Un relato que deja al espectador pensando luego de finalizado y que expresa una mirada sobre la realidad. Divertido pero preocupante es este cortometraje. Original y con un valor imaginativo sorprendente.

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February 5, 2010

La Teta Asustada

SOBREVIVIR LUEGO DE TERMINADA LA GUERRA (6 buena)
Por Martín Morales
Luego de “Madeinusa”, Claudia Llosa se toma el trabajo de llevar adelante una cinta muy complicada y que tiene varias aristas muy distintas en su interpretación, sin dejar de lado el efecto cuidado y prolijo que la caracteriza.
Fausta sufre de “La Teta Asustada“, una enfermedad que se transmite mediante la leche materna en mujeres que han sido violadas antes o durante el embarazo. Una lucha por salir adelante y tratar de olvidar el pasado, aunque ese la persiga desde muy cerca.
Llosa crea un relato en el que reina la lentitud, las miradas inciertas y el drama invisible, que se esconde por detrás de cada expresión, situación u objeto. Crea una historia de superación y la amplifica a un grado de profundidad extrema, donde todo lo que no se dice es mucho más importante que las pocas palabras que el guión expresa. Es así como la interpretación de la misma comienza a girar entorno a dos situaciones muy contrapuestas:
Por un lado si se tiene en cuenta solamente la historia de la muchacha y su pasado, estamos enfrente de un film muy bien logrado actoral y técnicamente, donde se expresa con muchísimo éxito su historia de vida y el sufrimiento de muchas personas luego de la guerra. Se narra la curación de Fausta de su tumor, de cómo ella sola decide dejar atrás el pasado y empezar a mirar hacia adelante.
Pero a su vez, no se puede dejar de lado la otra interpretación, la que pone en juego la discriminación y el racismo, donde se juega en todo momento con las clases sociales. La mujer de la alta sociedad, pulcra, educada y envidiosa por el talento vocal de la protagonista, que no pregunta ni le interesa cómo ella está, que le ofrece perlas a cambio de obediencia, que la deja tirada en medio de la noche en la calle y que lastimosamente aparta de la vista al verdadero sufrimiento de los peruanos y sus indígenas.
Ambas lecturas son correctas porque la directora en ningún momento contrarresta la segunda mirada, ambas tienen sus aciertos técnicos, solo es decisión del espectador elegir con qué visión quedarse.
Magaly Solier interpreta correctamente a Fausta, la dota de miedo, de prejuicios, timidez y presentimientos, las características justos para que su personaje llegue y toque al espectador. Los demás actores que la rodean están correctos. Por momentos y en algunos diálogos, principalmente en el principio de la cinta, la sobreactuación se apodera del relato, pero poco a poco se va solucionando.
La música acompaña muy bien cada uno de los pasajes en la vida de la protagonista, el sonido de la guitarra es bellísimo y está perfectamente acoplado a las escenas dramáticas y fuertes de la historia. La edición pudo haber sido mas clara y definida, el manejo de las cámaras a su vez es regular y cada uno de los ambientes que se eligieron están bien aprovechados. Los casamientos son sin duda alguna las escenas que hacen salir a la narración del drama y del continuo sufrimiento de la protagonista. Esta bueno conocer diferentes costumbres, aunque sean muy pequeñas.
“La Teta Asustada” es un relato lento, en el que reina el drama incógnito y los diálogos, aunque sean pocos, profundos y muy emocionales. Pese a que puede ser leída desde diferentes puntos de vista muy contradictorios, el film está muy bien resuelto desde lo actoral, lo sentimental y lo técnico. Una cinta que hay que ver para sacar sus propias conclusiones.

UNA ESCENA A DESTACAR: Fausta cantándole a Aída

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