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2009 December

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December 30, 2009

Crítica de AVATAR

WOW (10 EXCELENTE)
Por Martín Morales
Esa es la palabra que resume la experiencia vivida en el cine por casi tres horas. Cameron creo un nuevo mundo, creo vida, le dio forma, mostró colores que nunca se han visto en el cine, inventó un cuento que llega al corazón, creó a Pandora. Cada segundo de “Avatar” presenta un desarrollo artístico impresionente y gracias a las técnicas visuales y sonoras, cuando el film finaliza, uno se queda con la sensación de pertenecer a ese planeta, a querer ser un Na´ví más. Esta es una experiencia que se da pocas veces en el séptimo arte.
El hombre se está destruyendo a si mismo y por falta de recursos decide invadir Pandora, un planeta vecino, y acabar con toda la raza y vegetación del lugar. Un grupo de humanos, camuflados en sus falsos cuerpo avatares, van a hacer lo posible por frenar dicho movimiento.
Esta película presenta una cronología con la que el espectador poco a poco se va familiarizando y exclusivamente se va mimetizando en la historia a tal punto que parece ser uno de los protagonistas.
La cinta comienza con una introducción sobre las intenciones de los seres humanos con/para Pandora. Se explican los objetivos, los métodos por los que se tratará de evadir a los nativos de dicho planeta y principalmente se desarrolla la personalidad, física y moral, del protagonista y una de las compañeras. Esos minutos posicionan al espectador a favor de su raza, aunque minutos después se revierta por completo.
Luego de estas situaciones, que logran mezclar los efectos especiales muy bien con las actuaciones y las ganas de sorprender en cada momento, la cinta da un pequeño giro. Los protagonistas y a la vez el espectador, se adentrar al territorio temido, a las profundidades del bosque de Pandora. Es allí donde minuto a minuto se va descubriendo el verdadero fuerte de este film. La imaginación y el increíble diseño de la fauna y la flora del lugar es perfecto. Cada una de las especies animales y vegetales presentan caracteristicas que nos hacen recordar a nuestra vegetación, pero aquí con más personalidad y vida. Uno va experimentando junto con los protagonistas el descubrimiento de una nueva tierra y sinceramente el efecto es maravilloso, los escalofríos aparecen repetidamente durante todo el transcurso de la narración.
A su vez, y mientras las escenas van pasando, las maravillosas tomar aéreas, los vuelos de las cámaras, los enfoques rápidos y precisos, las personalidades de los Na´ví y principalmente cada uno de los retos o enseñanzas que Jake debe superar para pertenecer a la tribu, van creando momentos en los que no se entiende cómo con tanta simplicidad (un ave, un hombre montado en ella y un territorio elevado, por ejemplo) se puede crear algo bellísimo e inigualable.
Los efectos especiales obviamente son unos de los protagonistas indiscutibles de esta producción. El diseño de los Na´ví y el realismo que sus movimientos logran expresar son espectaculares. Los paisajes, las criaturas, los árboles, las escenas de acción, las muertes, todo es real.
Pero también el film se da un lugarcito para plantear el drama, el amor y el cuidado ambiental. Todo el desarrollo de la relación entre Jake y Neytiri posee una dulzura y una paz muy tranquila y gracias a las actuaciones de ambos interpretes, cada una de las escenas en las que están juntos son maravillosas. Vale la pena destacar una cuestión que se ve solamente en un personaje, precisamente en el protagónico femenino, de la mano de Zoe Saldana: la expresión de sus ojos y rostro, algo que ningún otro desarrolla. Como con una simple mirada o una simple sonrisa dos personas totalmente diferentes se entienden.
Por el lado de las tres dimensiones, es una obligación verla en dicha tecnología, ya que la experiencia es irrepetible y el sentimiento de pertenencia con Pandora se siente y profundiza al máximo. No se juega con los primeros planos cercanos al espectador, pero se crean profundidades visuales magnificas y muy hermosas.
También y gracias a una excelente banda sonora que acompaña cada uno de los movimientos, el film crea momentos de un despliegue visual y sonoro impresionante, los treinta minutos finales, por ejemplo, son de lo más original y espetacular visto en años. La música es el complemento perfecto para cada una de las situaciones que se van presentando.
“Avatar” es una película que no hay que ver… hay que vivirla. Una cinta bellísima desde su lado visual, perfecta desde su lado actoral e inigualable desde su dirección. Un ejemplo claro de dedicación, amor por el cine y ganas de innovar. Un film hermoso, una experiencia cinematográfica inigualable que no se pueden perder. James creó Pandora, Cameron inventó una nueva manera de ver cine.

LO BUENO: efectos especiales, actuaciones, dirección, diseño, ambientación, música, edición, final, escenas de drama, suspenso y acción
LO MALO: guión (cosas inconclusas)
UNA ESCENA A DESTACAR: los treinta minutos finales

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December 29, 2009

Crítica de 9

EL PODER DE LA IMAGINACION (6 BUENA)
Por Martín Morales
Como todos sabemos la imaginación humana no tiene límites y cuando se trata de poner a prueba la misma en una cinta cinematográfica hay diferentes retos por los que hay que pasar. Este film, cuya historia es algo repetida dentro del género de ciencia ficción y animación (una mezcla entre “Wall-E” y “Terminator”), deslumbra ya que logra invocar en todo momento un poder inventivo e imaginativo estupendo.
La guerra ha dejado al hombre destruido y le ha dado el trono del poder del mundo a las máquinas. Un grupo de criaturas, también inventadas por el ser humano, van a ser los encargados de tratar de poner fin a esta terrible situación.
Esta película recoge características que hacen recordar a otros films del género, mezclando ideas, resoluciones, escenas e imágenes. Pueden encontrarse similitudes con “El Señor de los Anillos”, las cuatro películas de “Terminator”, la producción de Pixar antes mencionada, “Soy Leyenda”, y muchas otras más. Pero, como se ha dicho antes, esta película logra destacarse desde el lado visual y no tanto desde la perspectiva narrativa. Las ideas son originales en diferentes circunstancias, pero carecen de un desarrollo complejo y distinto en toda la narración. La historia es muy sencilla, previsible y corta, faltan algunas explicaciones y planteos filosóficos sobre el fin de la humanidad.
A su vez, la elección de los interpretes que le dan las voces a los personajes no es el indicado en muchas oportunidades. Es así como el trabajo realizado por Elijah Wood (9), Jennifer Connelly (7) y Martin Landau (2) es muy correcto, le aportan la emoción a cada uno de sus momentos, pero el movimiento de los labios, el rostro, y las palabras que se van diciendo parecen tomar diferentes caminos, produciendo así que los personajes no parezcan ser los que están en pantalla. Las voces no van de la mano de la animación. Pero, la labor de Christopher Plummer (1), John C. Reilly (5), Crispin Glover (6) y Fred Tatasciore (8), si mimetizan las necesidades de sus roles.
El inventivo de esta experiencia va de la mano de:
1) La ambientación: los paisajes destruidos, pero principalmente los colores utilizados para mostrar dichos lugares, juegan mucho con el desastre, la desesperación y la suciedad. Se crean atmósferas de suspenso, acción y drama muy bien logradas.
2) La animación: aunque hay detalles mínimos, como los movimientos del rostro, basados en un estiramiento de los rasgos faciales de los personajes que no son fluidos, las escenas de acción presentan un realismo y una fuerza totalmente destacable. Vale destacar una escena, en la que se juega muchísimo con el cambio de cámaras, los ángulos de proyección, el sonido y los colores, la cual pertenece a la destrucción de una de las criaturas voladoras.
3) Sin duda alguna la característica mas importante y llamativa de esta película es el diseño: desde la primer escena (parecida al comienzo de “Coraline”), el diseño de los personajes, ya sean los creados con lienzo hasta cada una de las criaturas mecánicas que van apareciendo, presentan una originalidad abrumadora, parecen sacados de una pesadilla o de algún videojuego al estilo “Silent Hill”. Verdaderamente increíble el diseño gráfico de esta película.
Como se ha planteado antes, “9″, no es original en su narración, ni tampoco presenta una historia que pueda ser recordada tras el paso del tiempo, pero es un ejemplo claro de cine realizado con imaginación, austeridad y dedicación. Un film regularmente interpretado, con escenas de acción espectaculares y un diseño artístico inmejorable. Una grata experiencia animada.

LO BUENO: dirección, animación, originalidad en cada uno de los aspectos visuales, efectos especiales, diseño, ambientación
LO MALO: duración, interpretaciones vocales, historia poco original
UNA ESCENA A DESTACAR: destrucción del ave

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December 28, 2009

Crítica de ADVENTURELAND

RECORDANDO EL PASADO (9 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Luego de “Superbad”, Greg Mottola volvió a tomar el rol de director, pero esta vez en un reto más difícil, que se aleja de la comedia que caracterizó a su anterior film y que se centra en una sola cuestión, dirigida profundamente hacia el espectador: el corazón.
James tiene que conseguir dinero para poder ir a Nueva York para comenzar su vida luego de la secundaria. Para ello va a trabajar de asistente en los juegos de un parque de diversiones. Su peor verano poco a poco se va a ir convirtiendo en una experiencia que lo acompañara durante toda la vida.
Dejando de lado el humor intenso y fácil, esta película explora diversos sentimientos en la vida de un joven adolescente que seguramente va a ser foco de identificación para muchos espectadores. El relato posee una fluidez muy correcta, los minutos van pasando y la cronología de los hechos se va intensificando y a la vez, cada una de las emociones, profundizando. Es así como este film va tomando una identidad propia que lo hace diferente, muy entretenido y disfrutable.
La historia, ambientada a la década de los 80, relata las aventuras de un individuo en pleno crecimiento, mostrando cada uno de los retos que la vida le va interponiendo, haciendo hincapié en las difícil decisiones que se deben tomar, en los amores, las amistades, los problemas familiares, el trabajo, la belleza, el odio y cada una de las problemáticas que por las que una persona de esa edad tiene que superar. Es precisamente por eso que es muy complicado que el espectador no se sienta identificado con alguno de los aspectos de la vida de James y la película hace el trabajo justo para que la emoción no pase solamente por los hechos en pantalla, sino por lo que va apareciendo poco a poco en los recuerdos del público.
Las actuaciones son el principal factor que permite que dichos sentimientos vayan apareciendo. Es así como el dúo protagónico, Jesse Eisenberg y Kristen Stewart, personifican perfectamente el alma de los dos individuos. Él otorgándole la incertidumbre y la inexperiencia y ella la madurez que su familia le obligo a desarrollar. Ambos tienen personalidades diferentes, pero los une una sola cosa: son jóvenes y se deben portar como tales.
El humor aquí se plantea en todos los personajes secundarios, que aunque sean estereotipos del cine indie, van desarrollando una identidad propia muy divertida. El jefe pasional y su mujer compañera; la animadora sensual; el ganador; el amigo que te hace la vida imposible y te deja en ridículo frente a todos, pero que está en los momentos difíciles y muchos más que poco a poco van apareciendo.
Por el lado técnico la característica que más se destaca es la excelente banda sonora que presenta el film. La música desarrolla un paralelismo muy fuerte con la narración. En los momentos lentos, en los que los tonos musicales son los únicos sonidos que se pueden escuchar, la letra de dichas canciones profundizan los sentimientos de los personajes en escena. Excelente trabajo musical. A su vez, los cambios de estilos visuales, (desenfoques y movimientos bruscos) ayudan a que esos momentos cobren otro protagonismo.
“Advenureland” es una película destinada a tocar el corazón del espectador, que no utiliza el golpe bajo ni la emoción injustificada como sustento narrativo y que cuyo humor, sutil y muy bien nivelado, complementa el dramatismo del desarrollo. Un film tierno, muy bien actuado, profundo, movilizante y tranquilo. Una cinta que vale la pena ver, disfrutar y dejarse llevar. Muy pocas películas logran desarrollar tal efecto en el espectador. A no perdérsela.

LO BUENO: actuaciones, guión, dirección, música, historia, mensajes, protagonismo del espectador, silencios, parte técnica
LO MALO: previsibilidad
UNA ESCENA A DESTACAR: las miradas entre los dos protagonistas, los fuegos artificiales

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December 27, 2009

Crítica de CARRIERS

SOBREVIVIENDO A LA ENFERMEDAD (6 BUENA)

Por Martín Morales
Las epidemias, el apocalipsis y las enfermedades han sido protagonistas de muchas películas en la historia del séptimo arte y en cierta forma, si no se plantea algo novedoso o diferente, las similitudes se hacen presentes y el disfrute va empeorando mientras los minutos van pasando. En cierta medida este es el error principal de “Carriers”, un film cuya historia no es original, pero que logra destacarse por su realismo y dramatismo en determinados momentos.
Una enfermedad ha exterminado a casi todo el planeta; solo algunas personas han logrado salvarse del contagio. Dos hermanos, con sus respectivas parejas, van a tratar de llegar hacia la playa, donde suponen que allí van a estar aislados de la epidemia. En el camino se van a ir encontrando con problemas muy difíciles de superar.
Las actuaciones en cierta medida ayudan a que la narración cobre el efecto verosímil necesaria. Es así como Lou Taylor Pucci (Daniel), es quien más se destaca de los actores, ya que logra, con expresión y con solo una lágrima cayéndole por la mejilla, crear el dramatismo justo. Chris Pine (Brian), esta correcto, pero a su vez, su personaje es el más sobreactuado de toda la cinta. Por momentos los diálogos no son fluidos y su interpretación pinta de colores opuestos a los trabajos realizados por los demás. Emily VanCamp (Kate), en un papel secundario importante y con poco diálogo, está bien, pero no logra destacarse del resto. Piper Perabo (Bobby), es quien aporta un poco más de seriedad y emoción al relato en las partes que la tienen como protagonista.
La historia es sencilla, se cuenta un relato sobre la supervivencia y como el ser humano va adoptando su peor personalidad para poder seguir con vida, mostrando una perspectiva diferente cuando es él el que tiene problemas. Por ese lado el film triunfa, crea muy buenas escenas dramáticas y algunos diálogos dejan al espectador pensando. Entre esas escenas se pueden destacar la simple y triste historia de la niña y el abandono de uno de los integrantes del grupo. Dos escenas icono que forman un claro mensaje con los hechos que suceden casi al final de la cinta.
A su vez, es allí donde aparecen los errores e inconvenientes que perjudican al resultado final. Hay muchas cosas que no se explican, el dramatismo se ve limitado solamente a la supervivencia y principalmente el final, que por cierto aparece de repente, maravillosamente cambiando el estilo realista de toda la narración, no satisface y es demasiado simple. Hay situaciones que están demás: todo el inconveniente en el hotel, los padres de los protagonistas, y algunas incoherencias en la manera en la que se transmite la enfermedad.
Por el lado del suspenso, son muy pocas las escenas en las que se plantea un silencio incómodo y no hay sustos (no son necesarios). Este film es un drama, con algunas pocas alusiones al terror, pero sin pertenecer integramente a dicho género. El maquillaje es correcto, el diseño de la etapa final de los infectados es asqueroso y muy impresionable. La música es simple, los movimientos de cámara ruidosos y la dirección correcta y satisfactoria.
“Carriers” es una película que vuelve a transitar por una temática ya recorrida por el cine en muchas oportunidades, pero que tiene su propia identidad y aunque presente errores, el drama y realismo que desarrolla es digno del reconocimiento. Un correcto film, para pensar y debatir, pero que lamentablemente car en las previsibilidades propias de muchas cintas del mismo género. ¿Hasta qué punto llegarían las ganas por sobrevivir?

LO BUENO: actuaciones, dirección, guión en general, fotografía, drama, realismo
LO MALO: actuaciones, final, aspectos del guión, explicaciones, incoherencias
UNA ESCENA A DESTACAR: el despido de uno de los integrantes en la mitad del relato

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December 25, 2009

VOTA POR LO MEJOR DEL CINE DEL 2009

SE HA HABILITADO LA ENCUENTA PARA QUE EL PUBLICO PUEDA VOTAR POR LO MEJOR Y LO PEOR DEL 2009.

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MUCHAS GRACIAS

LOS GANADORES SE DARAN A CONOCER EL 10 DE ENERO.

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December 25, 2009

Crítica de EL JOVEN HOMBRE MANOS DE TIJERAS

LA FABULA DEL SER HUMANO (10 EXCELENTE)
Por Martín Morales
Tim Burton creó una exquisita obra, la cual se destaca, no solo por ser sumamente original, diferente y única, sino por desarrollar todas sus características con una excelencia abrumadora. Es así como esta película se ha convertido en uno de los clásicos mÁs adorables de toda su filmografía y una de las tantas que ha realizado en la que se nota su fuerza y dedicación por hacer algo totalmente distinto a lo planteado y crear un mundo paralelo emocionante, realista y divertido.
Un inventor está por cumplir su máximo descubrimiento humano, pero de repente fallece y le deja toda su fábrica a este individuo. Solo, aturdido y miedoso, Edward va a encontrarse con una familia que le va a ayudar a encontrar su rumbo, a descubrir el amor y olvidarse de que sus manos fueron reemplazadas con tijeras.
Las actuaciones son excelentes. Johnny Depp pronuncia en todo el film solamente unas pocas y muy tímidas palabras, pero el gran fuerte de este actor es principalmente todo lo que envuelve a u caracterización, sus expresiones faciales y como con un simple movimiento inexpresivo de su cuerpo o de su rostro expresa sus sentimientos. El espectador se compenetra con él, lo siente, lo entiende y lo sufre, tal como si él fuese ese invento. A su vez, Dianne Wiest, la mujer que lo encuentra y le da su hogar, se destaca por su fluidez y sus perfectos ticks que poco a poco la van caracterizando. Winona Ryder, crea un personaje que se complementa con Edward, es la parte faltante de este individuo, la experiencia, la seriedad y ese pedacito de amor, las migajas que se le perdieron de la galletita en forma de corazón. Una actuación que emociona y da escalofríos, y que con el conjunto de todos los actores, forma una excelencia increíble. También, vale la pena destacar la figura del inventor, que aparece solo unos minutos, pero que cuya figura, al mismo tiempo que da su presente, se destaca, el mítico Vincent Price.
Además de desarrollar actuaciones espectaculares y particulamente uno de los mejores trabajos del Señor Depp, el film se da el lujo de no caer en la típica cronología de los hechos. Aquí todo es muy lineal, hay muy pocos pantallazos del pasado, pero todo lo que sucede y particulamente donde sucede, va creando un mundo, una ciudad incierta, misteriosa, fabulosa, fantástica, en la que daría mucho gusto vivir. Las casas coloridas; las calles limpias y parejas, como una maqueta recién terminada; los árboles cortados con formas humanas y de animales; la gente amable (con excepciones, claro); la presencia de la mujer que todos le tienen miedo y que tratan de psicótica; el amor platónico que se acerca lentamente, y allá, a lo lejos, sobre una pequeña colina, la fábrica, abandonada, solitaria, de la que todos tienen miedo de entrar. Parece un cuento, una pequeña fábula, y Tim Burton le dio vida.
A su vez, y dejando de lado todas las cuestiones problemáticas y entretenidas de la historia misma, (el robo, la falsa acusación a Edward, la peluquería y la fiesta), la película desarrolla escenas de un valor artístico impresionante. Es así como la música empieza a cobrar un protagonismo muy importante, y gracias al trabajo realizado por Danny elfman, los instrumentales pasaron a ser unos de los más bellos creados para el cine, principalmente la mítica escena de la danza del hielo, una bellísima composición musical.
El film comienza con una metáfora y termina con otra. “El Joven Hombre Manos de Tijeras” no es otra cosa que una joya artística. Un film que se destaca en todos sus aspectos, excelentemente dirigida, actuada, musicalizada, guionada, introducida y rematada. Una cinta icono del cine fantástico, una fábula sobre el ser humano, uno de los personajes más entrañables del séptimo arte, otra creación del increíble Tim Burton.
“Sabes, antes de que viniera, nunca caía nieve, y después nevaba…”

LO BUENO: actuaciones, dirección, guión, música, parte técnica, ambientación, historia, originalidad, final, comienzo
LO MALO: -
UNA ESCENA A DESTACAR: danza bajo la nieve

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December 24, 2009

Crítica de MI POBRE ANGELITO

¡KEVIN! (7 BUENA)
Por Martín Morales
Los clásicos del cine tienen la particularidad de aportar muchas cosas que luego, en muchas otras producciones, son utilizadas y muchas veces reinventadas sin crear el mismo efecto. Indudablemente “Mi Pobre Angelito” es uno de los tantos films que han demostrado originalidad y han sido fuente de ideas para muchísimas comedias infantiles posteriores.
La familia McCallister decide irse de viaje para festejar la noche buena, pero luego de una discusión y un disgusto por parte de uno de los integrantes más pequeños de la familia, Kevin se encierra en su habitación y ruega por que su entorno desaparezca de su camino. La mañana siguiente se despierta, empieza a recorrer la casa y se da cuenta de que se encuentra solo y que su familia se lo olvidó. A esto se le suma un par de ladrones que al saber que la vivienda está vacía intentarán robarla.
Como se ha planteado antes, este film ha dejado una marca significante en la historia del cine infantil, ya que ha introducido unas de las escenas más recordadas dentro del género y que posteriormente ha sido foco de parodias, menciónes y reutilizaciónes. Es así como esta cinta introdujo al género la casa llena de trampas, creadas por el niño (situación que justamente fue la causa de las tres secuelas siguientes); el famoso grito de la madre cuando se da cuenta que dejó a su hijo solo; el extrionismo de los ladrones, parodiado en muchas otras producciones televisivas y cinematográficas; la mimetización de Kevin al utilizar loción para después de afeitar y por supuesto el gran talento y dulzura que Macaulay Culkin desborda en cada segundo.
Por el lado actoral, Culkin (Kevin), es quien más se destaca sobre el resto, ya que logra brindar muchísima expresión, sentimiento y a la vez divertimento con su mirada. A su vez, vale la pena destacar el trabajo de Daniel Stern, en el papel de uno de los ladrones, Marv, quien no solo aporta muchísima gracia a su personaje, sino que gracias a su locura y al desinteres que le otorgó al mismo, este es uno de los más recordados de toda la película. Por el lado de la enorme familia, John Heard y Catherine O’Hara, Peter y Kate, los padres, son quienes más se destacan.
El humor se centra principalmente en dos cuestiones: por un lado en las travesuras y aventuras de Kevin en su casa tratando de combatir a los ladrones y por otro lado, y dejando lo visual en un segundo término, en las expresiones y diálogos de la familia lejos del niño. Ambas situaciones se destacan por si solas y aunque se puedan encontrar miles de objeciones a las maneras en las que se decidieron llevar a cabo diferentes situaciones (los desencuentros, la habilidad de Kevin por burlarse de los delincuentes y el esperado encuentro justo al final de la cinta), el entretenimiento que dichas escenas logran crear es indiscutible.
Por el lado técnico, el film presenta una música que se ha convertido en uno de los clásicos navideños más representativos, se mezclan muy placenteramente los tonos altos con los sonidos instrumentales. La edición es correcta, los efectos especiales muy convincentes, el manejo de la cámara bueno, los ángulos y diferentes focos y fondos utilizados complementan el relato y la dirección, que por momentos se repite una y otra vez, es dudosa pero efectiva.
Además de entretener y hacer pasar un grato momento al espectador, “Mi Pobre Angelito” se da un espacio muy pequeño para dejar en claro una serie de mensajes que van desde la aceptación al prójimo (la figura del anciano solo), hasta el sentimiento por la familia y la importancia de estar acompañado, sean buenos o malos momentos.
“Home Alone” es un clásico que obviamente cobra mucho más sentido si se lo ve en vísperas navideñas. Un film divertido, original, bien actuado, dudoso en sus planteos y dirección, pero que cuyo entretenimiento y desarrollo basta como para hacer pasar un grato momento a grandes y chicos frente a la pantalla. Una película que ha aportado grandes momentos al cine y que por supuesto vale la pena ver una vez más, aunque seguramente ya la han visto muchas veces.

LO BUENO: actuaciones, guión, final, mensajes, entretenimiento, parte técnica, escenas icono del film
LO MALO: como se plantean diferentes situaciones, dirección
UNA ESCENA A DESTACAR: la larga intromisión de los ladrones

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December 23, 2009

Crítica de EL EXPRESO POLAR

ES SOLO CUESTION DE CREER (7 BUENA)
Por Martín Morales
La técnica demonimada “Motion Capture”, en la que se captan los movimientos de los actores mediante sensores en determinadas partes del cuerpo en sus correspondiente computadoras para luego así crear sus respectivas animaciones, es la gran protagonista de esta película. Un film que no solo es bello visualmente, sino que representa una historia emotiva y reflexiva sobre la navidad destinada a aquellos que ya están un poco más grandes.
Noche buena, un niño que ya no cree en Papá Noel y un tren que aparece a media noche en la puerta de su casa. Este muchacho se sube al mismo y se dirige hacia el polo norte, donde habita el Rey de la navidad y sus ayudantes.
Como se ha dicho antes, la técnica animada con la que se decidió llevar adelante este film es una de las protagonistas indiscutibles de esta cinta. El realismo que se otorgó a cada una de las interpretaciones y caracterizaciones de los personajes es sumamente destacable, los colores utilizados en todo momento expresan el mensaje que al final se desarrolla con exactitud, viajando por los tonos oscuros y terminando con los brillantes y colorados. Pero a su vez, esta animación presenta un error que minuto a minuto se va presentando y en cierta medida perjudica al disfrute de la película: los movimientos de los personajes no son fluidos en muchos momentos, los labios son rígidos, y en muchas oportunidades las personas parecen directamente pegadas al fondo, sin una conexión profunda entre el foco y el entorno.
Las interpretaciones son muy correctas. Tom Hanks, quien no solo actúa en el rol del conductor del tren, sino que se da el lujo de representar a cinco personajes más (el padre, Papá Noel, Scrooge, al niño protagonista y a Hobbo), está muy bien y logra darle su toque de personalidad distintivo a cada una de ellas.
Pero a parte de la animación y de las actuaciones, hay otro factor que hace de este film una gran experiencia navideña: el mensaje. Poco a poco y mientras los minutos van pasando, la verdadera intención de la cinta se va descubriendo, y aunque se utilizan muchos recursos para que además se creen atmósferas divertidas y entretenidas, como las cámaras rápidas, los problemas del tren y la perdida de los niños casi al final de la cinta, la enseñanza final cobra verdadero y único protagonismo. ¿Somos demasiado grandes como para dejar de creer en Papá Noel, o será que el entorno en el que vivimos no nos deja al menos mantener una ilusión sobre el mismo? La conclusión es muy emotiva, los silencios aquí dicen mucho, la música acompaña excelentemente dicha cuestión y las palabras justas van apareciendo. Un gran remate, realista, diferente, original y emocionante.
“El Expreso Polar” es una cinta divertida, distinta, que aparte de entretener hace reflexionar y pensar al espectador. Un film bien actuado, musicalizado y dirigido. Una película cuyo mensaje final es el cierre perfecto para esta historia. Una experiencia destinada a los adolescentes, que hay que ver en vísperas navideñas.

LO BUENO: actuaciones, guión, final, dirección, animación, música, parte técnica
LO MALO: duración, algunos aspectos poco pulidos de la animación
UNA ESCENA A DESTACAR: final

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December 22, 2009

Crítica de DIE HARD

SOBREVIVIENDO AL ROBO (8 MUY BUENA)
Por Martín Morales
¿Qué se necesita para hacer una buena película de acción?, obviamente tiros, explosiones, suspenso, buenas actuaciones, realismo, un villano y por sobre todas las cosas un guión que sea diferente, que se identifique por si solo y que no caiga en la obviedad ni en la previsibilidad. Todo esto está desarrollado perfectamente en “Duro de Matar”.
Época navideña, John decide ir a visitar a sus hijas y a su esposa, quien trabaja en una corporación extranjera, en California. Cuando llega al edificio donde su mujer estaba festejando la noche buena, se da cuenta que algo más está por suceder en el lugar. Un grupo de ladrones acapara la atención y pone en su mira un único objetivo, la caja fuerte del establecimiento. John, solo y desesperado va a hacer todo lo posible por terminar con el atentado.
Esta película posee todos los condimentos necesarios para que sea disfrutable y principalmente para convertirse en uno de los mejores films de acción de la década de los 80.
Las actuaciones son soberbias. El papel protagónico de Bruce Willis, una de sus mejores actuaciones de su carrera, desarrolla un dinamismo y una sed de acción que minuto a minuto invade la pantalla. Dichas escenas desarrollan un tinte muy realista gracias a las expresiones de los actores. El rol del villano, interpretado por un fantástico Alan Rickman, desarrolla el esquema propio de la mafia vista en clásicos de los 50 y 60 del cine italiano. Mezclando la aspera voz del actor, con el talento que posee por hacer creíbles cada una de sus expresiones y movimientos, Hans Gruber es el perfecto villano de esta cinta y junto con sus acompañantes, hacen de esta película una experiencia poco previsible.
Además de las increíbles actuaciones, el guión de esta película logra mezclar factores de la realidad que muchas películas del género anteriores y posteriores no pudieron desarrollar con tal éxito. Es así como se mezclan: el accionar del protagonista, de los villanos, de los renes, de la policía, del FBI, de las familias y principalmente de una circunstancia que potencia muchísimo el realismo de la cinta, el periodismo y como el mismo, en cierta manera, ayuda a los ladrones a madurar su estrategia.
Las escenas de acción son espectaculares, las peleas cuerpo a cuerpo muy bien coreografiadas, las sorpresas argumentales están presentes, la música acompaña muy correctamente todo el desarrollo, el manejo de la cámara es innovador y sorpresivo por el juego de ángulos y focos; los efectos especiales respetables y fluidos en la narración.
“Duro de Matar” es simplemente una cinta que representa una de las historias más apasionantes del cine de acción de su época. Un film que hace sentir al espectador como protagonista del robo, siguiendo paso a paso el accionar de los delincuentes y manteniendo una postura respetable sobre cada situación paralela que se presenta. Con actuaciones excelentes, un dinamismo muy destacable y un realismo muy bien llevado en todo su desarrollo, esta película es un clásico que en épocas navideñas vale la pena experimentar o volver a ver.

LO BUENO: actuaciones, guión, historia, villano, efectos especiales, final, mensajes, entretenimiento, acción, edición, dirección
LO MALO: una sola escena que desentona en su desarrollo y que desconcierta en su introducción pero asombra en su finalización: el encuentro de John y Hans.
UNA ESCENA A DESTACAR: los comienzos de robo

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December 21, 2009

Crítica de SILENT NIGHT, DEADLY NIGHT

EL SECRETO DE LA NAVIDAD (6 BUENA)

Por Martín Morales

La navidad, noche en la que las familias se reunen para festejar y disfrutar. Para muchos una de las noches más esperadas del año, para otros una fecha que nunca quieren volver a revivir. Ese es el entorno en el que este film se desarrolla, en como la noche buena se convierte en la peor pesadilla de su protagonista.
La historia se centra en un muchacho que en su infancia presenció la muerte de sus padres ocasionadas por un ladrón disfrazado de Papá Noel. Su complicada adolescencia va a desencadenar una ira que se profundiza cada navidad.
El primer hecho que aparece en la narración es una pequeña vuelta de tuerca que funciona a la perfección y que hace de este film totalmente diferente a los demás. Aquí no hay psicópatas locos que quieren venganza y salen en noche buena a matar, como tampoco hay incoherencias en su desarrollo, todo lo que sucede durante el transcurso de los minutos es creíble y posee una verosimilitud algo inquietante, principalmente en la segunda etapa de la vida de Billy.
Las actuaciones son correctas. Cada uno de los actores que encarnaron a Billy poseen una continuidad muy fluida y aparte de presentar un parecido físico, sus actitudes mantienen una misma linea interpretativa. Es así como Robert Brian Wilson, vestido de Santa Claus, tiene miradas totalmente intimidantes, lo que logra crear un temor y una credibilidad espectacular. También vale la pena destacar los trabajos de Lilyan Chauvin, en el papel de la madre superiora y a Will Hare, como un abuelo dispuesto a hacer cualquier cosa por sus nietos.
Mientras los segundos van pasando la identidad del film se va profundizando, los efectos gore aparecen, la música sigue su ritmo, evitando estereotipos y creando climas de suspenso muy bien logrados. Los cambios de cámara se notan, especialmente ya que la calidad visual de las mismas no son iguales. Las muertes, algunas impresionables y otras previsibles, son muy buenas.
El problema de esta cinta cae precisamente en dos cuestiones: por un lado en la presencia extrema de niños en los minutos finales, quienes no tienen protagonismo alguno, pero que dicen presente en muchas muertes y crean una sensanción de inseguridad totalmente mal lograda en el espectador, y por otro lado en la incorporación de una escena, que por cierto está muy bien lograda, pero que no tiene justificación alguna, no se explica quienes son las víctimas, cómo llegó Billy allí ni porqué se detuvo en esa casa y evadió las demás.
Pese a esas cuestiones, “Silent Hight, Deadly Night” es un slasher digno del reconocimiento. Un film diferente, original, bien actuado y muy realista. Una opción diferente para ver en noche buena.
“Santa observa,Santa espera. La Noche Buena transcurre lentamente. ¿Puedes oírlo, en la noche? Cierra la puerta y enciende la luz. NOCHE DE PAZ, NOCHE DE MUERTE.”

LO BUENO: actuaciones, guión, historia, efectos especiales, dirección
LO MALO: la escena en la casa de los novios, manejo de cámaras y la presencia de niños al final
UNA ESCENA A DESTACAR: la segunda etapa en la vida de Billy

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