Estrenos de Cine

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Críticas de los Cortos Animados Nominados a los Oscars 2010

February 8, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
Categorías: Críticas de Películas 

LA DAMA Y LA MUERTE
(7 PUNTOS - BUENO)
Cuenta los enredos entre la muerte y un médico al tratar de llevarse y salvar de la muerte, respectivamente, a una anciana que quiere rencontrarse con su difunto marido.
Con una animación detallista, colorida y muy audaz respecto a cada uno de los matices inventivos que van apareciendo mientras los minutos van pasando, este cortometraje logra crear un constante clima humorístico y sarcástico excelente desde su pequeño giro al comienzo.
El diseño de los personajes es simple pero bueno, se destaca cada uno de los movimientos de la muerte, sus desmembramientos y su potente guadaña que porta como una extremidad más. Las enfermeras que hacen todo lo posible por ayudar a su “patrón” y la anciana, muy caprichosa, que con solo una mirada logra conmover y sacarle una sonrisa al espectador.
El único problema es en cierta medida la originalidad, ya que la temática de las corridas tras un objetivo y principalmente el juego con los cajones, ya se han visto en muchísimas otras producciones del mismo estilo reiteradas veces.
Un film divertido, distinguido y con una música muy buena que acompaña cada segundo perfectamente. Un tributo a la imaginación y a la sencillez.

GRANNY O´GRIMM´S SLEEPING BEAUTY
(7 PUNTOS - BUENO)
La abuela de un pequeño y asustadizo niño decide contarle una inquietante historia antes de irse a dormir. Ella se va a sentir tan atraída por el cuento que le va a poner toda la energía posible como para que su nieto nunca se olvide del mismo.
Hay diferentes cuestiones que hacen de este corto una obra increíble llena de originalidad:
1) La historia. Los primeros segundos son de una gran importancia en el relato, no solo porque se introduce rápidamente a la pequeña víctima, sino porque con sus expresiones se da a conocer cúal es el futuro que vendrá. Luego de esto se van presentando secuencias llenas de sarcasmo, extrionismo y muchísima gracia, aderezadas de un trabajo de animación excelente, que mezcla dos técnicas que hacen de este relato muy oscuro y tenebroso.
2) La voz de la protagonista. Kathleen O’Rourke logró darle vida a la loca abuela y cada momento en los que ella sobresalta y se emociona con la historia fueron perfectamente interpretados por esta mujer. Excelente trabajo vocal.
3) La abuela y el hada vieja de la historia que ella cuenta no solo tienen en común los aspectos físicos, sino que en cierta manera comparten otro tipo de características, morales, que en ciertos discursos se expresan y principalmente cuando ella misma se mira al espejo se ven aclaradas y desarrolladas.
Este es un corto divertido, oscuro y muy simple, con un trabajo de animación muy bien logrado y un contraste entre escenas excelente.

FRENCH ROAST
(8 PUNTOS - MUY BUENO)
Un hombre de la alta sociedad está tomando un café en un bar cuando de repente un indigente le pide unas monedas. Decididamente le dice que se retire para disfrutar tranquilo de su tarde. Allí mismo se da cuenta que olvidó su billetera y que no tiene dinero para pagar su orden, él es quien ahora tiene que tratar de conseguir dinero para pagar su café.
Jugando con el humor de las expresiones y principalmente con el de las paredes del bar, este cortometraje se distingue no solo por ser una obra entretenida y retorcida, sino por ser conmovedora y reflexiva al final.
Los personajes poseen todos una identidad muy marcada. El protagonista tiene su bigote derechito, sus modales son para el reconocimiento, la manera de tomar la taza de café delata su finura y el habano remata su expresión de superioridad y desinterés. Todo esto se revierte en uno de los giros que la historia da y donde se expresa con total gratitud y excelencia una de las realidades sociales más comunes de hoy en día.
Los detalles son exquisitos, los cambios en la iluminación son el principal factor del paso del tiempo que nos ofrece la cinta y el continuo movimiento del fondo nos da la sensación de estar dentro del bar junto al personaje.
Muy bien logrados los climas de drama, humor y reflexión. Este es un cortometraje entretenido y diferente, cuyos detalles hacen del mismo una experiencia impecable visual y auditivamente. A no perdérselo.

WALLACE & GROMIT: A MATTER OF LOAF AND DEATH
(9 PUNTOS - MUY BUENO)
Aardman es indiscutiblemente la productora número 1 con respecto a la animación Stop-Motion. Todas sus producciones tienen su identidad, su aspecto, las huellas digitales de los animadores en los personajes, muestra de dedicación y trabajo. “Wallace & Gromit” y “Creature Comforts” son las series que le dieron popularidad y que lograron demostrar la increíble labor de los encargados detrás de las cámaras de esta productora. Con numerosos premios Oscar bajo el brazo y muchas nominaciones, este solitario personaje y su querido perro se han convertido en fuente de inspiración y en obras que valen la pena recordar, volver a ver y disfrutar.
En una presentación exclusiva para la BBC en época navideña, este corto animado, producido en un tiempo record, menos de un año de trabajo, rompió records de audiencia en el canal, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año. Este corto, de unos 29 minutos, es la primera animación que se hizo luego de la exitosa película “Wallace & Gromit: The curse of the Were-Rabbit”.
Ahora con una panadería familiar, estos dos personajes deben enfrentarse a un asesino de panaderos que anda suelto. Gromit, tras descubrir la identidad del matón, va a hacer todo lo posible por ayudar a su amo a salir de las garras del amor.
Las voces como siempre son increíbles. Se mantiene la sutiliza de Peter Sallis, en el papel de Wallace, y se encuentran todas las expresiones que fueron desarrolladas luego de haberse estrenado cada corto. Una de las maravillas de este mundo animado es la presencia de un personaje que no habla pero que dice muchas más cosas con sus expresiones que si tuviese la oportunidad de demostrarlas con palabras. Gromit es una de las indiscutibles joyas que esta productora pudo crear y una demostración de originalidad y arduo trabajo. La novedad de este corto es la presencia de dos personajes nuevos, Piella Bakewell y su perrita. La voz de la mujer, interpretada por Sally Lindsay, también está muy bien y su perrita poseen unos grandes momentos.
Como en todas las producciones de esta productora la gran característica que se hace presente es la introducción de escenas desopilantes, artefactos automáticos y una versatilidad e inteligencia por parte del perro que complemente la absurdidad de su amo. En esta oportunidad todo esto esta presente, en menor medida que en “The Wrong Trousers” o “A Close Shave”, pero presentes en definitiva. A su vez hay alusiones a grandes escenas del cine, así como a “Ghost”, momentos memorables.
La historia es totalmente diferente a las ya vistas anteriormente, acá Nick se jugo en presentar algo mas tenebroso y adulto, una historia de asesinos, obviamente infantil, pero misteriosa y tenebrosa. Algo increíble que le aporta mucha más frescura al relato.
Sin duda alguna estamos enfrente de uno de los grandes cortos del año. Una producción digna de una nominación a los Academy Awards y una demostración de simplicidad y originalidad que muchas productoras tienen ausente. Una pequeña gran obra, divertida y majestuosamente animada. Otro de los ejemplos por los que Aardman se lleva el galardón a la mejor productora de animación Stop-Motion.

LOGORAMA
(8 PUNTOS - MUY BUENA)
Una sátira de la realidad empresarial, económica y monopólica en la que todos vivimos tomada desde un ángulo muy sarcástico, humorístico y dramático si se lo piensa dos veces.
El corto se va centrando en diferentes miradas sobre el crimen y el desastre ambiental en la ciudad y alrededores, nombrando graficamente a muchísimas de las marcas que estamos acostumbrados a ver a diario por la ciudad.
Con una técnica de animación muy fluida y colorida y con la presentación de uno de los personajes icono de la alimentación express, Ronald Mac Donald, como si fuese el Guasón de Ciudad Gótica, el dramatismo y la inteligencia con la que se van introduciendo cada una de las insignias que representan a las empresas más reconocidas mundialmente es increíble.
Un relato que deja al espectador pensando luego de finalizado y que expresa una mirada sobre la realidad. Divertido pero preocupante es este cortometraje. Original y con un valor imaginativo sorprendente.

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La Teta Asustada

February 5, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
Categorías: Críticas de Películas 

SOBREVIVIR LUEGO DE TERMINADA LA GUERRA (6 buena)
Por Martín Morales
Luego de “Madeinusa”, Claudia Llosa se toma el trabajo de llevar adelante una cinta muy complicada y que tiene varias aristas muy distintas en su interpretación, sin dejar de lado el efecto cuidado y prolijo que la caracteriza.
Fausta sufre de “La Teta Asustada“, una enfermedad que se transmite mediante la leche materna en mujeres que han sido violadas antes o durante el embarazo. Una lucha por salir adelante y tratar de olvidar el pasado, aunque ese la persiga desde muy cerca.
Llosa crea un relato en el que reina la lentitud, las miradas inciertas y el drama invisible, que se esconde por detrás de cada expresión, situación u objeto. Crea una historia de superación y la amplifica a un grado de profundidad extrema, donde todo lo que no se dice es mucho más importante que las pocas palabras que el guión expresa. Es así como la interpretación de la misma comienza a girar entorno a dos situaciones muy contrapuestas:
Por un lado si se tiene en cuenta solamente la historia de la muchacha y su pasado, estamos enfrente de un film muy bien logrado actoral y técnicamente, donde se expresa con muchísimo éxito su historia de vida y el sufrimiento de muchas personas luego de la guerra. Se narra la curación de Fausta de su tumor, de cómo ella sola decide dejar atrás el pasado y empezar a mirar hacia adelante.
Pero a su vez, no se puede dejar de lado la otra interpretación, la que pone en juego la discriminación y el racismo, donde se juega en todo momento con las clases sociales. La mujer de la alta sociedad, pulcra, educada y envidiosa por el talento vocal de la protagonista, que no pregunta ni le interesa cómo ella está, que le ofrece perlas a cambio de obediencia, que la deja tirada en medio de la noche en la calle y que lastimosamente aparta de la vista al verdadero sufrimiento de los peruanos y sus indígenas.
Ambas lecturas son correctas porque la directora en ningún momento contrarresta la segunda mirada, ambas tienen sus aciertos técnicos, solo es decisión del espectador elegir con qué visión quedarse.
Magaly Solier interpreta correctamente a Fausta, la dota de miedo, de prejuicios, timidez y presentimientos, las características justos para que su personaje llegue y toque al espectador. Los demás actores que la rodean están correctos. Por momentos y en algunos diálogos, principalmente en el principio de la cinta, la sobreactuación se apodera del relato, pero poco a poco se va solucionando.
La música acompaña muy bien cada uno de los pasajes en la vida de la protagonista, el sonido de la guitarra es bellísimo y está perfectamente acoplado a las escenas dramáticas y fuertes de la historia. La edición pudo haber sido mas clara y definida, el manejo de las cámaras a su vez es regular y cada uno de los ambientes que se eligieron están bien aprovechados. Los casamientos son sin duda alguna las escenas que hacen salir a la narración del drama y del continuo sufrimiento de la protagonista. Esta bueno conocer diferentes costumbres, aunque sean muy pequeñas.
“La Teta Asustada” es un relato lento, en el que reina el drama incógnito y los diálogos, aunque sean pocos, profundos y muy emocionales. Pese a que puede ser leída desde diferentes puntos de vista muy contradictorios, el film está muy bien resuelto desde lo actoral, lo sentimental y lo técnico. Una cinta que hay que ver para sacar sus propias conclusiones.

UNA ESCENA A DESTACAR: Fausta cantándole a Aída

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EL LADO CIEGO - THE BLIND SIDE

February 4, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
Categorías: Críticas de Películas 

EL ORGULLO DE VIVIR AYUDANDO (7 BUENA)
Por Martín Morales
Para que los sentimientos en una película puedan llegar exitosamente al espectador el trabajo direccional y de cada uno de los integrantes de la misma tienen que mantener un grado de exactitud y excelencia destacable. Esta cinta, dejando de lado las similitudes con otros films del mismo género, sus errores y aciertos, logra crear una sensación poco común en el público y esta misma es nada más y nada menos que la inspiración.
La historia se centra en la vida de Michael, un joven que gracias a la ayuda de Leigh va a desarrollar uno de sus dones inmersos en su personalidad, la defensa en el fútbol americano. Una relato de vida, de superación y aceptación.
Teniendo características morales muy similares a las desarrolladas en “Precious”, la cinta comienza con el final de la historia, presentando el presente del protagonista y dando lugar a que poco a poco se plantee el desarrollo de la vida de Mike, manteniendo un humor muy delicado e inteligente y principalmente un estilo documental que se destaca mientras los minutos van pasando.
Esta es una película que mientras se va desarrollando va poniendo a prueba al espectador con respecto a sus sentimientos, a lograr apreciar de los detalles, ya sean visuales y técnicos o los propios del protagonista, y primordialmente, a que se vaya presentando un contraste entre los dos caminos de vida que se plantean.
El trabajo actoral es excelente principalmente en el rol protagónico femenino. Sandra Bullock interpreta a una mujer decidida, fuerte, que no le teme a los retos, dotándola de una dulzura y un profesionalismo impecable. Este no es solo el mejor papel de la película, sino también una de las mejores actuaciones en la carrera de esta actriz. Los detalles son importantes y en esta actuación sobresalen en todo momento gracias a cada una de las expresiones que Sandra mimetizó en su rol. Quinton Aaron (Michael) desde un comienzo desarrolla una actuación reinada por la seriedad y la poca expresión, pero mientras los minutos van pasando y mientras se van conociendo los problemas por los que su personaje debió pasar, esa seriedad se va transformando en una forma de rendirse hacia la vida, a enfrentar, cansado y sin ganas de contestar, a todas las cuestiones discriminativas que lo rodean. Una actuación muy bien lograda. Los demás miembros de la familia están muy correctos, especialmente los dos chicos Lily Collins y Jae Head.
El centro de la historia, además de contar obviamente cómo el protagonista llegó a ser lo que es, es mostrar el desarrollo de una familia, que no tiene rencores, pretensiones ni limitaciones, que está dispuesta a nombrar como hijo o hermano a un extraño que vivía solo y que presentaba un pasado complicado. Se muestra todo ese desarrollo, con sus complicaciones, alegrías, legalidades y ambiciones y gracias al correcto, pero por momentos regular trabajo de dirección, esa historia llega al corazón del espectador.
Por el lado técnico la cinta se destaca por su ambientación, su vestuario (medido y muy delicado) y por aprovechar de los detalles que hacen de la historia y principalmente de las actitudes de Michael una película agradable. Por momentos no se aprovechan los recursos que se tienen a su disposición, ya sean las tomas de las canchas y de cada uno de los partidos o de los cambios bruscos en las actitudes académicas del muchacho, que indudablemente pudieron haber estado mejor resueltas visual, sonora y fisicamente.
Como se ha planteado antes, “The Blind Side” deja al espectador inspirado y abierto tal vez para tratar de imitar lo que Leigh Anne Tuohy hizo en su vida. Un correcto film dramático, con los condimentos precisos que caracterizan al género y con una excelente interpretación por parte de Sandra Bullock. Una opción diferente a la hora de elegir qué ver en el cine.

UNA ESCENA A DESTACAR: la primer noche y el primer almuerzo de Michael en la casa de Leigh

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Crítica de AN EDUCATION

February 3, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
Categorías: Críticas de Películas 

CUANDO UNA DECISION TE CAMBIA LA VIDA (8 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Las decisiones marcan el camino de una persona y a veces equivocarse puede ser de gran ayuda, pese al mal momento que esta pueda originar. Ese es el foco de este film, una historia muy sencilla que sin tener pretensiones conmueve y deleita los sentidos con su tenue desarrollo y su calidez visual.
Jenny está a punto de cumplir 17 años, es una calificada estudiante, respetuosa y muy correcta en todo sentido. Su familia, autoritaria y poco conciliadora, quiere que ella lleve adelante una vida de estudios y diplomas. Una tarde lluviosa conoce a un muchacho mayor que le va a ir cambiando poco a poco la manera de ver la realidad, cuyas consecuencias van a dar un giro en su vida.
La película se centra solamente en contar dicha anécdota, limitándose a entrar en el desarrollo profundo de los personajes secundarios, lo cual fue un gran acierto. Es así como poco a poco el espectador, y gracias al increíble trabajo direccional del film, se va sintiendo cómplice de la protagonista, va emocionóndose y riéndose junto con ella. Teniendo siempre una intención muy marcada que se desplaya muy sutil y duramente en los diálogos finales, la cinta va desarrollando diferentes cualidades que la enriquecen visual y actoralmente.
La labor realizada por cada uno de los intérpretes es increible y si bien Carey Mulligan (Jenny) es quien se destaca por encima de todos, quienes la acompañan hacen un trabajo muy destacable. Dicha actriz dota a su identidad ficticia de un carisma maravilloso combinando la inocencia de una chica de su edad con la madurez que ella misma dice tener. Un personaje muy tierno y una actuación que va de la mano en todo momento del mismo. Peter Sarsgaard (David) hace un trabajo muy correcto, la química con Carey está muy bien lograda y él, en sus momentos protagónicos, mimetiza las necesidades de su personaje. Alfred Molina, indudablemente el mejor trabajo masculino de esta cinta, logra otorgarle la seriedad, la experiencia, la dureza y el disfrute (cuando aparece David) que Jack necesitaba. A su vez, en personajes secundarios pero importantes, Olivia Williams y Emma Thompson, como la maestra y la directora respectivamente, plasman en sus pocas palabras las intenciones de sus personajes.
El film no es más que una enseñanza de vida, con el propósito de hacer pensar al espectador, identificarlo con alguna expresión o escena y atraerlo con ese maravilloso mensaje desarrollado al final. Cuan importante es la educación en nuestras vidas y pese a que las personas tengan diferentes ideologías, esta es la base del respeto, la honestidad y la fidelidad.
Por el lado técnico logra destacarse el increíble trabajo de ambientación de la década de los sesenta en Inglaterra, respetando las modas, las expresiones y ese aroma a seriedad y respeto que se siente en el escritorio de la profesora. La música es muy bella y el trabajo de dirección muy correcto.
“An Education” es una película sencilla, que dura lo justo y que desarrolla una historia para debatir luego de terminada la misma. Un film muy delicado desde lo visual, lo actoral (bellísimo trabajo por parte de Carey Mulligan) y lo dramático. Una bella cinta que hay que experimentar y disfrutar. A veces es mejor tomar el camino más largo y no el incierto y fácil atajo hacia la felicidad.

UNA ESCENA A DESTACAR: los 15 minutos finales

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Crítica de THE GRAVEDANCERS

February 2, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
Categorías: Críticas de Películas 

NUNCA BAILES SOBRE UNA TUMBA (5 regular)
Por Martín Morales
El desarrollo de la identidad de una película es practicamente uno de los factores que influye no solo para recordar de la misma momenos después de haberla visto, sino que cumple una importancia objetiva ya que se pueden desvirtuar cada una de las intenciones que el director y el o los guionistas desarrollaron en el film. Ese es uno de los principales errores de esta cinta, que no logra encontrar su rumbo y en todo momento lidia entre el terror y la comedia sin definiciones.
Luego de la muerte de un amigo, tres personas deciden despedirlo íntimamente por la noche al cementerio. Luego de emborracharse, uno de ellos encuentra una carta ubicada cerca de la lápida del amigo, la lee y hace precisamente lo que la misma dice. Los días posteriores se van a sentir amenazados por tres existencias del más allá que están enojadas y quieren jugar con sus víctimas.
El film comienza con una introducción muy general sobre la maldición y rápidamente se centra en la historia precisa que encierra la narración. Hay diferentes situaciones que están muy bien logradas desde lo visual y lo atmosférico, donde se crean intimidantes escenas de suspenso e intriga, algunos buenos sustos imprevisibles y flashbacks muy interesantes. Todo adornado con un clima tenebroso, oscuro y azulado que ayuda a que cada situación se condimente de una correcta ambientación.
El guión es muy sencillo, simple por momentos, que no posee la palabra justa para expresar sentimientos y mucho menos para dar sorpresas y hacer un poco más creíble la narración. Como se ha planteado antes, la cinta juega erróneamente con los distintos géneros, creando así que muchas situaciones no puedan ser tomadas con la seriedad necesaria y que intencionalmente desarrolla. No se logran distinguir los flashes cómicos de los de terror, las intenciones de los creadores siempre se ponen en juego y gracias a un delirante final, algunas de las cuestiones bien planteadas en el comienzo logran convertirse en sátiras mal logradas y carentes de inteligencia.
Las actuaciones son regulares, Dominic Purcell hace el mejor trabajo actoral de la película, su seriedad está muy bien lograda. Clare Kramer (Allison) está correcta en sus momentos protagónicos pero sobresale mucho por su sobreactuación en los gritos y corridas. Esto mismo sucede con Marcus Thomas (Sid), el peor de todo el elenco y Josie Maran (Kira), muy bien en los momentos finales. Megahn Perry y Tchéky Karyo, los investigadores paranormales, tienen sus buenas escenas.
El film logra crear, en el final del mismo, muy buenas escenas de locura y matanza, donde se destaca el espíritu de la pianista dentro del cuerpo de Kira sosteniendo un hacha y caminando lento, escenas muy bien logradas desde lo visual y dramático.
“The Gravedancers” es una cinta regularmente guionada, que no logra encontrar su identidad y que continuamente juega sin éxito entre el humor y el terror. Un film con actuaciones que no sobresalen en ningún momento, pero que logra destacarse por sus muy bien logradas escenas de suspenso y situaciones locas perfectas. Una película que tiene muchos errores pero que se deja ver y disfrutar.

LO BUENO: escenas de suspenso, locuras, flashbacks, ambientación, sustos
LO MALO: actuaciones, guión, final, identidad
UNA ESCENA A DESTACAR: hachas finales

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Crítica de INVICTUS

January 31, 2010 Escrito por Martin · Comente aquí
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LA SENCILLEZ DE LA CINEMATOGRAFIA (8 MUY BUENA)
Por Martín Morales
Contar lo sucedido en el primer semestre de la presidencia de Nelson Mandela con tanta profundidad y delicadeza es simplemente una forma de dar reconocimiento a una de las figuras políticas más importantes de Sudáfrica y el mundo. No solo sacó adelante un país, sino que lo dotó de identidad y futuro y eso en este film se ve demostrado arduamente.
La historia se centra en los primeros meses de la llegada al poder de Mandela al gobierno sudafricano y como él decide centrar parte de su política en el deporte y en el tratar de ganar la copa mundial de Rugby que se jugaba en ese año en su país.
Los primeros minutos, narrados visual y auditivamente como si se tratase de un documental televisivo, se centran en introducir la figura de Mandela al espectador, mostrando escenas de su excarcelación y de cómo él fue nombrado presidente del país. Luego la cinta va explorando poco a poco los diferentes estados de esta figura, sus relaciones, ambiciones, deseos, dolores y prioridades, mezclando muy correctamente los hechos concretos de su política con la ardua crítica del periodismo.
Sin duda alguna lo que hace de este film una experiencia destacable es la labor de Clint Eastwood en la dirección, quien no solo captó el mensaje del protagonista y lo plasmó directamente en escena dándole una fuerza espectacular, sino que pudo crear con una sencillez abrumadora una historia que posee una introducción, un desarrollo y un final, sin recurrir a los flashbacks ni a las idas y vueltas en el tiempo. Toda la narración es muy lineal, simple y muy correcta, y esa decisión fue acertada.
El trabajo realizado por Morgan Freeman es excelente, una demostración de talento y predisposición fenomenal. Los momentos en los que su personaje logra explicar con el corazón sus intenciones son increíbles y gracias a la profundidad y al tiempo tomado al decir cada palabra, los mensajes de dichas conversaciones valen la pena volver a oírlas porque son un gran ejemplo de vida y esperanza. Matt Damon está correcto, Francois Pienaar no le dictaba de un trabajo actoral complicado, pero esta bien desarrollado.
Además de contar los momentos políticos de Sudáfrica, el film se da lugar en muchas oportunidades a jugar con el humor expresivo, que le da un toque diferente a la película.
Por el lado técnico vale la pena destacar la banda sonora, la cual logra mimetizar la emoción e importancia de cada momento. El trabajo direccional de Eastwood es excelente, el foco siempre está centrado en lo que se quiere decir y no en lo que hay en escena, se juega con los movimientos de cámara, las tomas aéreas y principalmente, en la final de la copa mundial, con el espíritu de ser sudafricano, a sentir esos momentos como un hincha más de la inmensa tribuna.
“Invictus” es un film que tarda en salir de su introducción, pero que se destaca por sus actuaciones, sus increíbles destellos artísticos y una dirección por parte de Clint Eastwood que da escalofríos en muchas oportunidades. Un reconocimiento a Mandela, una cinta para no perderse.

LO BUENO: actuaciones, guión, adaptación, dirección, parte técnica, historia, final
LO MALO: tarda en salir de su introducción
UNA ESCENA A DESTACAR: la charla enre Mandela y el capitán

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